Les Ballets de Monte-Carlo presenta LAC

_dsc2665El Conjunto de Artes Escénicas recibirá LAC, basada en el Lago de los Cisnes. La obra original de Jean-Christophe Maillot se presenta gracias al esfuerzo que hace la Universidad de Guadalajara para traer a la ciudad una extensión del Festival Internacional Cervantino, el encuentro artístico más importante de América Latina.

Más de treinta bailarines pondrán en escena la historia intemporal de Sigfrido y Odette. El propio Tchaikovski tuvo la idea de escribir un ballet sinfónico sobre una criatura humana cuya metamorfosis haría imposible cualquier amor. La transmutación del cisne, de leyendas griegas, nórdicas y rusas, lo convierte en un fascinante híbrido desde su misma concepción.

En colaboración con el escritor Jean Rouaud, Jean-Christophe Maillot revive los tormentos de una historia relacionada con nuestras pesadillas. Estas experiencias enterradas resucitan y se combinan con un telón de fondo familiar maquiavélico que se usa para presentar un ballet de contrastes. El cambio de animal a ser humano infunde todo el trabajo y cuestiona nuestra propia naturaleza. Creemos que diferimos de los animales debido a nuestra capacidad para tomar decisiones. ¿Pero esto es todo de lo que somos capaces? ¿No estamos, después de todo, tan perdidos como este Príncipe? Jean-Christophe Maillot lo muestra vacilar entre el blanco y el negro, el bien y el mal, la inocencia y el erotismo. Tal vez nuestra humanidad en última instancia yace en este insaciable comportamiento que nos define desde nuestro primer llanto: ¡queremos todo!

_dsc2573Les Ballets de Monte-Carlo

La compañía nació gracias a la iniciativa de la princesa de Hannover, que quería ser parte de esta tradición de baile en Mónaco. La nueva compañía fue dirigida por Ghislaine Thesmar y Pierre Lacotte, después por Jean-Yves Esquerre.

En 1993, la princesa de Hannover nomina a Jean-Christophe Maillot como el jefe de Les Ballets de Monte-Carlo, respaldado por la experiencia como bailarín de Rosella Hightower y John Neumeier, coreógrafo y Director del Centro Coreográfico Nacional de Tours, toma su puesto en la compañía.

Maillot crea más de 30 ballets, incluidos varios que entran en el repertorio de grandes compañías internacionales, tales como Vers un pays sage (1995), Romeo y Julieta (1996), Cenicienta (1999) La Belle (2001), Le Songe (2005), Altro Canto (2006), Fausto (2007) y Lago (2011).

Para 2011, siempre con el impulso real, una nueva estructura dirigida por Jean-Christophe Maillot reúne en Les Ballets de Monte-Carlo: la excelencia de una compañía internacional, los elementos de un festival diverso y el potencial para una escuela de alto nivel. La creación, el entrenamiento y la producción se congregan actualmente en Mónaco para cumplir con la coreografía de una manera sin precedentes en el mundo de la danza.

_dsc2399Entre las distinciones que ha recibido Jean-Christophe Maillot se encuentran la Medalla Pushkin en 2016 y el Life Time Achievement Award de Prix de Lausanne 2018, por mencionar los más recientes.

Funciones:

5 de Octubre 21:00 horas
6 de Octubre 20:00 horas
7 de Octubre 18:00 horas

Más información en www.conjuntodeartesescenicas.com

Ricardo Luévanos: La capacidad de soñar

c29_artrl_04El sueño o la capacidad de soñar es un tema que ha suscitado un interés tenaz tanto en la civilización oriental como en la occidental, y en campos como la filosofía, la literatura y, por supuesto, el psicoanálisis. La propuesta de Ricardo Luévanos se ancla en el paradigma popular occidental de pensar los sueños como una escena utópica. El abordaje creativo que emplea, proviene del ámbito de la intuición y del impulso emocional más hondo, el cual, siguiendo a Antonio Damasio, se relaciona íntimamente con la inteligencia.

La capacidad de soñar enuncia mediante doce obras una serie de metáforas visuales sobre la plenitud, la solidaridad, el dolor, la esperanza y el abandono: sueños dorados y rotos, sueños alcanzados, cristalizados o desvanecidos. La vigilia no es la antinomia del sueño, sino la pesadilla, que también está representada para recordar el horror. El sueño asemeja a un ave que —aunque con dificultad— puede abrazarse. La riqueza visual de las obras remite a sueños de opulencia; la brillantez del color, las siluetas y las extremidades surgen con una belleza que remite al tránsito del sueño al letargo.

Los materiales de la obra son una propuesta de diálogo entre tradición artesanal (hoja de oro y pintura) y modernidad (estampado textil y en papel mediante técnicas digitales de alta calidad y piezas de instalación). La capacidad de soñar es una virtud en periodos aciagos. Ahí se impone la disyuntiva de vivir o abandonar el sueño.

c29_artrl_03Sueña el rico en su riqueza,
que más cuidados le ofrece;
sueña el pobre que padece
su miseria y su pobreza;
sueña el que a medrar empieza,
sueña el que afana y pretende,
sueña el que agravia y ofende,
y en el mundo, en conclusión,
todos sueñan lo que son,
aunque ninguno lo entiende.

 

La vida es sueño de Pedro Calderón de la Barca

Y el sueño, que a veces duerme nuestras penas, de mí misma un rato liberarme quiera.

Helena en Sueño de una noche de verano, William Shakespeare

No te permitas soñar, porque vas a despertar con tu triste realidad.

“Día de reyes” de Pablo Milanés (fragmento)

c29_artrl_02Ricardo Luévanos es artista gráfico. Vive y trabaja en Guadalajara, México. Cuenta con más de diez años en el campo de la ilustración y el diseño. Su estilo lo sitúa como uno de los profesionales del diseño más propositivos de la escena actual. En su obra explora inquietudes y anhelos que coinciden con los del espectador. La saturación maximalista y las referencias visuales provenientes de la flora y la fauna son preponderantes en su obra y aparecen articuladas a través de diversas técnicas como el collage, la ilustración, y la digitalización de dibujo y fotografía. Su afán por explorar conceptualmente aspectos emocionales y metáforas visuales sobre la belleza, le ha conducido a incursionar en el mundo del arte contemporáneo. Desde el 25 de noviembre presenta su cuarta exposición individual La capacidad de soñar, en Larva, Sala Juárez.

 

Cromascopios: eventos de transmisión y anulación

c29_arttab_04Gustavo Artigas nació el 27 de abril de 1970 en la Ciudad de México, donde reside actualmente. Ha participado en la Bienal de las Américas en Moscú, La Habana, Praga, Buenos Aires y Venecia, entre otras ciudades. Él mismo comenta que su segundo nombre es Dada, en referencia al dadaísmo.

c29_arttab_03Este dato sentido después de conocer las cuatro piezas del artista, presentadas en Guadalajara, en la expo “Cromascopios” de la galería Tiro al Blanco. En ellas, Artigas deja a un lado el discurso político o social, como muchos otros creadores, y opta por manipular deliberadamente el espectro RVA para denotar las cualidades de un evento programático. Esto conlleva a la suspensión-anulación de las ideas de tiempo y de cuerpo en un lugar determinado.

A partir de una profunda investigación sobre el color y sus posibilidades, la cual comenzó hace una década, Artigas propone en “Cromascopios” lo siguiente: anular significa someter, y en el caso de los fenómenos lumínicos perceptibles, esta acción se relaciona con la desaparición controlada de color-luz, ante colores complementarios y/o equivalentes, y con la descomposición tonal en estructuras de repetición que impactarán en el espectador, de distintas maneras, cada vez que recorra las salas de la galería.

c29_arttab_02Así, el juego dialógico de anular y provocar ciertas sensaciones a través de cambios controlados en la transmisión de un espectro lumínico, termina por invocar en el contexto de esta exposición: series de atmósferas y respuestas óptico-fisiológicas que ponen en duda nuestra percepción del espacio y del tiempo.

Festival Sucede

c29_sucede_02En 2015, un equipo interdisciplinario se propuso intentar un cambio en la percepción que los tapatíos tienen de su ciudad, a partir de la cultura, para que la gente se apropiara de ella. Gracias a programas como “Sucede en tu barrio”, “Sucede en la calle”, “Arte sin paredes”, “Haz que suceda” y “Sucede en Guadalajara”, el cine, la danza, el cine, el teatro, la música, la literatura, han encontrado su lugar en más de 100 espacios públicos, entre casi 90 mil personas. De esta misma intención surgió Sucede Festival Cultural, que se llevó a cabo este año, del 8 de octubre al 26 de noviembre.

c29_sucede_04Sucede reunió a artistas provenientes de diez países y a artistas locales seleccionados mediante convocatoria, en 794 actividades gratuitas. El mensaje que se envió es contundente: la cultura no es propiedad de quienes pueden pagarla, sino que debe llegar los espacios públicos y las colonias tapatías. Durante ocho semanas de actividades que sucedieron en 71 colonias diferentes, fue posible conocer el trabajo de artistas provenientes de Alemania, Argentina, España, Brasil, Chile, Francia, Italia, República Checa, Uruguay y México, sin tener que pagar por ello. Además Sucede nos puso en contacto con el talento local, para recordarnos que Guadalajara es una ciudad generadora de cultura.

8 Oct 2016 . Inauguración del Festival Cultural Guadalajara SucDurante las semanas en que Sucede llenó nuestras calles, el ayuntamiento ofreció un sistema de transporte para quienes viven al oriente del municipio. De esta forma se facilitaron los traslados al Centro Histórico. En la inauguración, en la Plaza de la Liberación, la compañía española La Fura dels Baus presentó el espectáculo Afrodita y el juicio de Paris, que contó con la colaboración de artistas locales. Destacaron también las intervenciones públicas de Olivier Grossetête, una muestra de Lorena Wolffer y el espectáculo Travelling de la compañía argentina La Arena y el Centro Cultural San Martín de Buenos Aires, como parte del programa del Festival Latinoamericano de las Artes, con motivo de los 30 años de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara.

8 Oct 2016 . Inauguración del Festival Cultural Guadalajara SucSucede contó también con la presentación de tres compañías alemanas: Jared Gradinger y Angela Schubot, con la obra What They Are Instead of; Lupita Pulpo con Retrato de un monstruo, y Anja Müller con La mula. Por su parte, las compañías mexicanas estuvieron representadas por Chivo Verde, que montó los espectáculos Un cambio de piel y Caballeros y dragones. Los tapatíos presenciaron además el trabajo de las compañías Triciclo Rojo, Musartetti y El Tlacuache, con puestas en escena como Los osos apestosos y Ése es mi gallo. Así fue como Sucede incrementó la oferta cultural en la ciudad.

López y François Bucher: la visión relativa del mundo

Durante el verano pasado, el maz albergó la exposición “El mundo fue plano, ahora es redondo y será un holograma”, que reunió piezas de unos veinte artistas internacionales, seleccionadas por los colombianos Lina López y François Bucher. El tema de la muestra: la manera en que ha cambiado la percepción humana en cuanto al tiempo y el espacio.

c28_artmaz_04El tiempo es relativo. Si eres niño y estás aburrido, la lentitud con la que transcurren las horas es insoportable. Si eres adulto y estás ocupado, el tiempo no te alcanza para nada, se va como si no existiera. Esta misma relatividad ha sido aplicada a las percepciones humanas sobre la realidad y el mundo. Los antiguos viajeros se encargaron de descubrir el mundo de manera que ahora podemos considerar históricos los hallazgos de tales aventureros. Ellos fueron revelando el mundo de manera que la humanidad tuvo que replantearse su pensamiento.

En una escena de la serie de Netflix Stranger Things, un profesor de física explica a un grupo de niños cómo la dimensión en la que vivimos es un trozo de la realidad. Habla de una dimensión alterna, algo que los científicos piensan se puede encontrar al abrir un portal. Esta visión es muy similar a las observaciones chamánicas inducidas por plantas sagradas. Los chamanes de todo el mundo coinciden sin ponerse de acuerdo. Nuestra realidad es una red, todo se conecta, todo respira y vive a través del movimiento y la energía. Nada es permanente, todo es mutable: el mundo primero era plano, luego fue redondo y un día…

c28_artmaz_01El mundo fue plano, ahora es redondo y será un holograma

La exposición curada por Lina y François está dividida en tres partes: el pasado, el presente y el futuro. El mundo plano es el pasado, es la mirada del hombre antiguo sobre todas las cosas, es la percepción, las ideas y los instrumentos que nos ayudaron a los hombres del presente a crear nuestra realidad. El presente es el nuestro: la deformación del mundo, el híbrido de una realidad orgánica y una realidad virtual, las redes extendidas a través de lo intangible, la modernidad entendida como una premisa vital. El futuro es holográfico. Es una realidad impalpable, lo que la transforma en algo inexistente, es ese lugar al que no sabemos cómo o cuándo vamos a llegar.

“Esta es una exhibición muy orgánica, fue lentamente reconociendo qué cosas podían caer dentro de la red y esto se dio a medida que nosotros deambulábamos por el mundo. No es lo mismo concebir un concepto como este desde una mesa que desde una concepción global, a través de experiencias personales que nos acercan a diferentes partes del mundo”, nos comenta François.

c28_artmaz_03Después de tres años de buscar y reconocer las obras y proyectos que transmitían el lenguaje que buscaban representar, François y Lina lograron concretar el proyecto curatorial que habían concebido. Ella nos cuenta: “La propuesta es muy seria, pero poética. Proponemos una visión acerca de cómo en este momento estamos en pleno proceso de mutación, a eso es a lo que llamaríamos holográfico. Lo holográfico es lo no local, es un espacio donde se excede el espacio y el tiempo.” Esta sencilla premisa nos hace reflexionar sobre la realidad desde un punto de vista diferente. Con tanta información a nuestro alcance, ¿cómo percibiremos el mundo en el futuro? Nadie lo sabe.

Cuatro propuestas emergentes presentadas por Tequila Don Julio

Curaduría de Viviana Kuri

Semblanzas de José Enrique Acévez

Ranchito Finlandia Cuba Japón. Nave 16. Matadero Madrid. 28 marzo 2016Si fuera necesario que los artistas elegidos tuvieran algo en común, podría decirse de su trabajo que en un sentido revela el fracaso irreductible de la sociedad contemporánea. Al ridiculizar los sistemas sociales, evidenciar las tragedias cotidianas y también las historias excluidas, de alguna manera señalan la complicidad compartida que permite que las estructuras del absurdo persistan.

Disímiles en algunos puntos de vista y soluciones, los 4 artistas se afanan en la lucidez y arrojan resultados insólitos a los que conviene estar atentos.

Viviana Kuri

C27_2013_RM02Samara Guzmán
Podría afirmarse que la obra de N. Samara Guzmán ahonda en esa tensión que se genera cuando nos hacemos conscientes de nuestra individualidad al confrontarnos con instituciones que coaccionan al sujeto con el fin de tener mayor “control social” —la extensión de la burocracia a todos los ámbitos de la vida. Son tres las exposiciones que han revelado esta reflexión: Regrese mañana (Museo de Arte de Zapopan, 2014), Not Wild, But Still Life (galería Chambre Blanche, Quebec, 2014) y Fan Art (galería Juan Soriano, Guadalajara, 2015). En la primera instalación, la artista recreó la pesadilla de las filas, el papeleo asfixiante, las copias innecesarias y los trámites del vaivén, para que, desde un contacto con la pieza, el espectador recree (o haga latente) el absurdo de su propia subjetividad, sofocada y segmentada, en un sistema que lo vincula con la regularidad de las masas. Durante su estancia en Canadá, la artista colaboró con Rodrigo Frías Becerra en una instalación que reinterpreta una oficina de gobierno, desde la segregación de sus elementos en un intento por “darle” vida a lo que, en premisa, incita al tedio (un memorándum, quizá, de que todos somos Josef K.). En la exposición del 2015, por su parte, Guzmán coloca en el escenario uno de los conceptos más paradójicos de la modernidad burocrática: la identidad. Y, por medio de más de 200 retratos hechos a lápiz de credenciales de elector encontradas en la basura, la artista pone el dedo en el carácter “historisible” del ser social, donde la interconexión —en este caso la frialdad de un documento de identidad—, posibilita recrear las particularidades de cada sujeto que fincó una historia previa y posterior a su “identidad”.

C27_FJLFermín Jiménez Landa
Originario de Pamplona, España, este artista se ha caracterizado por su interdisciplinariedad, la cual abarca dibujo, fotografía, video, instalaciones, intervenciones en espacios públicos y performance. Sus piezas se consolidan en la intersección entre lo absurdo y lo prudente, lo fáctico y lo metafórico, lo risible y lo vacío, el dolor y la resiliencia: conforman, pues, una experiencia de la modernidad como etapa histórica cuyos sentidos fracasaron o se desviaron. Y es bajo la sombra de esta duda que el espectador transita su obra. Su vasta y prolífica carrera —que incluye piezas tan diversas como un árbol que desempodera la magnificencia de los rascacielos barceloneses; una instalación fotográfica a propósito de la gravedad que nos orilla a aceptar el fracaso como única salida; una línea imaginaria hecha de albercas que recorre en diagonal todo el territorio español; un viaje que se realiza en diversos medios de transporte (uno sobre otro) y que roza la infinitud hasta que contempla el factor combustible— provoca esa legítima duda surgida del sinsentido posmoderno: ¿todo lo que hemos logrado como “civilización” ha resuelto nuestra vaguedad en el mundo o estamos condenados a soportar la incomprensión de la existencia y, por consecuencia, de la historia? Sus piezas se antojan tan depresivas como insólitas, y su lucidez reside, justo, en un tratamiento sensible de la experiencia y deja de lado la reflexión consensuada de esta (a pesar de que, para acceder a ellas, se necesite un detenimiento inteligible). Al final, la sensación que el artista evoca es la de un abrazo a la tediosa resignación.

C27_JavierB_HdeOro_1Javier Barrios
Formado en soma, uno de los proyectos de arte joven más interesantes de la capital mexicana, el trabajo de Javier explora los bemoles de la organización: tanto social, como orgánica, material, y, en última instancia, estética. Nacido en 1989, no sería arriesgado afirmar que su trabajo contiene los golpes simbólicos que provocaron el fin de la Guerra Fría y el desdibujamiento de categorías maniqueas que dominaron, por años, el devenir político, pero también intelectual y artístico en Occidente. En Habitación de oro (galería Diéresis, ahora Páramo, 2014), por ejemplo, Barrios toma como concepto rector el progreso para desarrollar una serie de piezas (gráficas, tipográficas, ilustraciones y técnicas mixtas) que buscan desmitificar las alabanzas del ingenio moderno. Así, vemos reflejado cómo el consumo, la explotación natural, la sobreproducción y el desecho contaminante acaban por asfixiar lo que alguna vez se concibió como el único camino del porvenir humano para convertirlo, muy al contrario, en la mayor crisis civilizatoria jamás vivida. En el trabajo de Javier se denota una crítica persistente a las formas en que se han conformado las sociedades y, sin proponer otras alternativas, deja en claro su hartazgo a un modelo que devora su propio hábitat. Su trabajo no se restringe a lo plástico: en la pieza Casa de lágrimas (2013), recrea en una instalación un “escenario ideal” donde, en la completa escasez, el humano acabaría por refugiarse —o volver a comenzar. Además de su trabajo como artista, coordina Ediciones Barrio Boy’z, un proyecto editorial independiente de colaboración entre artistas de la escena local tapatía.

C27_AndreaG_introAndrea Geyer
Oriunda de Stuttgart, Alemania, actualmente vive y reside en Nueva York, y es representada por Parque Galería en la Ciudad de México. Su trabajo ha sido expuesto en el MoMA, en el RedCat de Los Ángeles, en el tate y la galería Serpentine de Londres, en la secesión de Viena, y en las bienales de Atenas y Turín. Podríamos considerarla como una de las creadoras que actualmente aportan con mayor vehemencia al desarrollo de las reflexiones feministas desde el arte contemporáneo. Con diversas técnicas audiovisuales y pictóricas, así como collage e instalación, la artista ha insertado su trabajo en la confluencia de la política, la cultura y la historia, para disgregar aquellos procesos ideológicos que han llevado a agentes con poder a adueñarse y moldear el cuerpo de la mujer. Su trabajo resulta luminoso no solo para el campo del arte, sino para los estudios de género, pues su enfoque particular y crítico de lo femenino la han llevado a cuestionar las omisiones y deficiencias de quienes narran la vida del humano, para ver por qué en las historias que prevalecen la mujer tiene un papel secundario: sus piezas funcionan como un caleidoscopio que entrelaza ideología y cultura para detonar las deudas que tiene la historia con las mujeres. Como consecuencia, su trabajo celebra el papel que han tenido aquellas visionarias que han retomado el camino del empoderamiento a pesar de su sexo, y, más que un mapa, construye homenajes cronológicos. Sus contribuciones también han estado en el ámbito académico y literario, con varias publicaciones destacables.