JOSÉ MANUEL CIRIA

La cita para entrevistar a José Manuel es en el Museo de Arte Raúl Anguiano(MURA). Llego a la sala y ahí está, rodeado de gente, pendiente de cada detalle del montaje de los cuadros de su última exposición, Miradas Especulares. Me presento y me dice que nos sentemos fuera de la galería para poder platicar sin interrupciones. Le pregunto si es la primera vez que visita Guadalajara y dice que, aunque ha visitado México varias veces y ha expuesto su obra en ciudades como Zacatecas, Chihuahua y Mérida, ésta es la primera vez que visita la ciudad. Saca un cigarro, no sin antes preguntarme si me molesta el humo, y empieza nuestra charla.

Hace unos meses concluyó la serie de las cabezas de Rorschach y ha entrado en una fase que ha llamado el interludio. “Por no llamarla de vacaciones, quizá. No es que quiera tomarme una año sabático y no trabajar, más bien lo que ambiciono es salirme del formato de las series y dedicarme durante un año o año y medio a investigar, porque hace tiempo que no lo hago, levantarme por la mañana y poder entrar a trabajar sin ningún tipo de impedimento ni norma.”

Que una pieza se coma la composición, y lo abstracto se convierta en decorativo le molesta enormemente. “Yo siempre he tratado de que mi pintura abstracta sea ácida, que tenga mucha garra, mucha fuerza, que no sean cuadros contemplativos, que te provoquen una sensación.”

Su historia con el arte empezó cuando era niño y vivía en Inglaterra, con sus padres. La mayoría de los amigos de la pareja no tenía hijos, así que le daban un bolígrafo y un papel para dibujar. “El recuerdo que yo tengo de mi infancia es estar siempre dibujando. Yo he nacido con esto. A mí si me pinchan no sale sangre, sale pintura. Dicen que el que recibe el don recibe la maldición. A mí siempre me ha gustado ser anormal, soy artista, me encanta mi vida.”

Sabe que es muy afortunado porque puede vivir de su profesión, especialmente en España, y eso le da orgullo. “Esta profesión es muy dura. Al final conseguimos vivir de ella cuatro, el resto tiene que trabajar en otra cosa a pesar de tener una carrera consolidada.

Me explica que existen dos sistemas para alcanzar el éxito al dedicarse a pintar. “Unos pocos afortunados que están en el lugar oportuno, en el momento oportuno; están tocados por el dedo divino, trabajando en las mejores galerías. El otro, trata de pintar 600 cuados. Coges el primer cuadro, cuando terminas lo pones en el suelo de forma horizontal y pintas otro y lo pones encima y el siguiente encima y el siguiente, y llegas a 600 cuadros hasta que se te caen encima… es una cuestión de trabajo.”

Para meterse a sí mismo, para que su memoria esté incluida en sus series abstractas, recurre a los títulos. Los utiliza como una especie de diario, de cosas que le han ocurrido, de viajes que ha realizado, de personas a las que ha conocido.

Las cabezas de Rorschach
La primera cabeza que pintó Ciria surgió de una enfermedad que tenía su padre, un tumor cerebral, y de un viaje que hizo a la Isla de Pascua en Chile.

“A la vuelta a mi estudio en Nueva York estaba afligido, dolido con la situación que vivía mi padre. Pensando en las representaciones de la muerte que había visto en Chile, decidí pintar una cabeza. Una cabeza que representaba la muerte, tenía una gran mancha en la frente como símbolo del tumor que tenía mi padre. Pensaba que iba a ser una serie íntima. Aquella experiencia me sorprendió, me sobrecogió, y empecé a hacer más cabezas y las fui creciendo y creciendo.”

El título de la serie está inspirado en el test de Rorschach, del psicoanalista suizo, Hermann Rorschach, para conocer el perfil psicológico que pueda tener un individuo. A Ciria le interesa mucho ese juego, al poner ese título está expresando que las cabezas son proyectivas. Quiere que la gente interprete lo que ve en ellas.

“Mucha gente dice que las cabezas le dan miedo, cuando lo que yo intento es todo lo contrario: lo que quiero es mostrar gente o figuras con miedo. El miedo está dentro de los cuadros, no fuera; ellos tienen miedo a lo que ven afuera.”

A la mitad de la charla nos interrumpen para entregarle unas latas de cervezas que acepta con gusto. Está claro que su trabajo lo tiene dominado, y que también viene a disfrutar de su viaje a la ciudad. Le pregunto que si se ha topado con algún personaje inolvidable en todos estos años y me cuenta que atesora en su memoria los encuentros que tuvo con Antonio Saura. “Siempre tuvo fama de der un hombre difícil y duro, y yo tuve con él una relación maravillosa. Sus consejos y su forma de ser, la forma en la que se expresaba…”

Sobre la situación actual de México dice que no es sólo nuestro país, sino que el planeta entero está en un momento muy delicado debido a la crisis global. “Los políticos deben intentar ahorrar el gasto −que es absolutamente desmedido− sin repercutir en lo social. Estamos acostumbrados a gastar. Es como aquel que tiene un sueldo de mil y se gasta dos mil todos los meses. En algún momento tiene que terminar en la calle pidiendo dinero. Europa está bastante tocada.”

Para él, parte del problema que tenemos es que la política que se ha ejercido desde un bando o desde el otro, siempre ha sido muy radical. “Sinceramente lo que pienso es que a los políticos les falta sentido común, y en el caso de México no es la excepción.”

Le cuestiono si cree que la legalización de las drogas sea parte de la solución y después de prender otro cigarro me dice muy serio: “Yo pienso que el drogadicto se va a seguir drogando. Lo que se puede evitar con la legalización es el contrabando. ¿Por qué no hacerlas libres?”

Antes de despedirnos le pregunto cuáles son sus placeres. Me dice que le encanta la buena comida y la buena bebida, y que está feliz porque las dos las puede encontrar en la ciudad. Me entrega una tarjeta con sus datos y me dice que si un día de estos estoy en Nueva York, le llame.

José Manuel Ciria es uno de los pintores españoles más apreciados y consolidados, la confianza se le nota al hablar y expresarse sobre sí mismo y su arte. Actualmente divide su tiempo entre Nueva York y Madrid.

Si quieres conocer mas sobre su trabajo, visita:
www.jmciria.com

MR. BRAINWASH EN GALERÍA DIÉRESIS

Recibí la llamada de la editora de la revista a las 4 de la tarde: “se confirmó la entrevista, ¿puedes ir?”. Yo, que había hecho un poco de investigación previa brinqué de emoción y nervios y me preparé para llegar.

La cita era a las 8:30 de la noche y, como es habitual en mí, llegue un poco tarde y preocupada por no saber como sería la dinámica de la entrevista. ¿Cuánto tiempo tendría para hacer preguntas? ¿ Y si se me olvidaba el inglés? ¿Habría traductor? ¿Cómo sería entrevistar a un figura de esa talla?

Desde afuera la Galería Diéresis parecía tranquila, había una pequeña alfombra roja que anticipaba la gran noche. Del lado izquierdo, el acceso a la sala de exhibición estaba cerrada. Cuando ingresé al patio central de la galería mi sorpresa no pudo ser mayor, estaba abarrotada de gente a pesar de ser muy temprano. Tuve que esperar un par de horas para toparme de frente con Mr. Brainwash.

Mr. Brainwash es un fenómeno mediático, un artista callejero que ha sacado de la calle su trabajo para exhibirlo en galerías y museos. Su nombre real es Thierry Guetta y es de origen francés, radicado en la ciudad de Los Ángeles desde hace poco más de 25 años. A pesar de tener una corta carrera en el arte ha logrado exposiciones que le han redituado, en una sola noche, más de un millón de dólares en ventas y además ha convocado a 5 mil personas en la apertura de un show, como él le llama.

El trabajo de Brainwash es muy polémico. Para algunos, como Madonna o Stella McCartney, el tipo es un artista y es por eso que coleccionan su trabajo y han hecho colaboraciones con él. Madonna le pidió la portada de su disco Celebration y Stella McCartney lo buscó para hacer dos bolsas para la 2012 Christie’s Green Auction. Para otros, incluidos artistas urbanos, es un farsante, un copycat. Su primera exposición “Life is Beautiful” (2008) fue la punta de lanza para comenzar con su vertiginoso vuelo, y terminó por afianzarse en 2010 a raíz del falso documental Exit Througth The Gift Shop.

Thierry estaba obsesionado con las imágenes, así que un día decidió grabar todo lo que sucedía en su vida. Esto incluyó a su primo Space Invader, otro artista callejero también afincado en Los Ángeles. Con cámara en mano, Thierry logra adentrarse en el mundo secreto del street art y tiene contacto con gente como Shepard Fairey y el mismísimo Banksy, el Rey de los artistas urbanos.

When Thierry mets Banksy 
Banksy es un artista inglés del que nadie conoce su rostro ni su verdadero nombre. Su trabajo está plasmado en muchas partes del mundo y los londinenses  consideran su obra patrimonio de la ciudad. La transgresión de la calle a través del grafiti y de empapelados gigantes son parte de la obra de Banksy. Imágenes pop con un sentido irónico son parte del fondo ideológico y estético de este personaje.

Cuenta la leyenda que cuando Thierry conoció a Banksy quiso saber más de su proceso artístico y éste le permitió adentrarse a su mundo con la cámara. La idea de Thierry era hacer un documental de arte callejero. Durante este proceso, Banksy le sugirió a Thierry comenzar a explorar su lado de artístico y así nació Mr. Brainwash. Al tener listo el primer corte de su documental, Banksy encontró un proyecto sin sentido, con imágenes que no decían nada, enganchadas en lo absurdo. Banksy tomó la batuta del proyecto y comenzó a hacer el documental Exit Througth The Gift Shop, un filme que narra el proceso artístico de Mr. Brainwash mezclado con secuencias del trabajo del mismo Banksy y otros artistas urbanos. Este filme nominado al Oscar en 2010, y como todo lo que hace Thierry, está lleno de controversia. Existe una hipótesis de que el mismo Mr. Brainwash es Banksy –en el documental nunca aparece su rostro y la voz esta distorsionada- y, al igual que su trabajo, lo amas o lo odias.

Mr. Brainwash en Galería Diéresis
Cerca de las 11 de la noche nos avisaron que se llevaría a cabo una pequeña rueda de prensa. La exposición ya había sido inaugurada, por lo que tuve oportunidad de dar una vuelta por la galería, Thierry en su papel de Brainwash es un rockstar. Ataviado con lentes Ray Ban tipo aviator, y con su ropa y manos estratégicamente manchadas de pintura, se toma fotografías y da autógrafos a todo mundo. Como si de una estrella de cine se tratará, a donde quiera que se mueve un grupo de gente sea adhieren a él como rémoras, no lo dejan ni un momento, la lucha por una fotografía con él la gana el que más empuja. Hay flashes por todos lados y se le pone más atención a él que a su trabajo.

“Nosotros nos acercamos a Thierry porque nos interesaba su trabajo. Estuvimos tras de él cerca de un año”, comenta Pablo Guerrero, director de Galería Diéresis, “la idea era ampliar la cartera de artistas que representamos y por eso lo buscamos”.

La exposición está formada por aproximadamente 55 piezas, de las cuales hay 9 retratos de la mismísima Ximena Navarrete, la ex Miss Universo tapatía. Pablo cuenta: “Queríamos que Thierry retratará a una figura latina contemporánea. Al principio como que no le latía la idea, pero pensábamos en sus musas, mujeres como Madonna o Kate Moss, y nos parecía importante tener a una mujer latina contemporánea. Le mandamos fotografías y le gustó, pero nos dijo que no nos prometía nada, luego prometió una pieza y al final llegó con 20”.

Para Galería Diéresis, el proyecto de Mr. Brainwash ya es un proyecto a largo plazo, la relación quedó cimentada con esta primera antología del artista urbano: “Tenemos planeado traer a Thierry de vuelta con un show completo, los requerimientos de espacio para este proyecto son de mínimo 1500 metros cuadrados, intervendrá por completo el lugar, hará esculturas de grandes dimensiones, hará lo que hace en otros lugares del mundo”, explica Pablo.

Con una sencillez muy particular, Thierry es un personaje en sí mismo. Como algunas sinopsis del famoso documental lo describen, es un excéntrico francés viviendo en Los Ángeles y es un apasionado del arte urbano. Para mí, Thierry es eso y además es brillante. Se burla de nosotros haciendo evidente como las brutales fuerzas mediáticas pueden convertir en suceso cualquier cosa. También hace evidente una falsa simplicidad de su obra, y que en una primera mirada, aparenta ser un copia de todo el arte pop hasta ahora conocido. Para mí, Mr. Brainwash se atrevió a hacer lo que pocos hacen, se atrevió a exponerse a sí mismo como parte integral de su trabajo y según hemos podido apreciar, no le va nada mal.

Twitter: @beckyandthecat

FRANCISCO UGARTE

Desde mi perspectiva, hay cosas que sin contexto son difíciles de comprender. Pueden parecer absurdas, sin sentido, ridículas incluso. Cierto tipo de arte tiende a carecer de información o conceptos claros para poder apreciarse a plenitud. Una expresión que viene desde el fondo de una historia personal y que es extraída de una sensibilidad particularmente diferente a la nuestra, puede ser una experiencia un tanto complicada.

En un primer acercamiento a la obra de Francisco Ugarte pude ser partícipe de una experiencia estética, pero no podía descifrarla del todo. Me faltaban pedazos para poder completar la visión de este artista que se refiere a la luz como un todo muy personal, a la naturaleza como un aspecto imprescindible en su vida, a los espacios como un motivo de exaltación. Su vinculación con lo cotidiano nace de estos elementos, que si bien no son ajenos a nadie, el artista los vuelve evidentes al hacerlos parte fundamental de su trabajo.

Francisco Ugarte comienza su recorrido artístico con un grupo de compañeros al estudiar la Licenciatura en Arquitectura en el ITESO. Apoyados por Guillermo Santamarina, crean el grupo Incidental. Una de las primeras piezas realizadas por ellos es una intervención en la azotea del Condominio Guadalajara, misma que marca un antecedente importante en la carrera del artista.

A partir de ahí, y apoyado por curadores como Guillermo Santamarina y Carlos Ashida, Francisco desarrolla una carrera sólida que lo ha llevado a posicionarse como un artista de proyección internacional, hoy representado por la galería española Inés Barrenechea. Para estos promotores de arte, el proyecto de Ugarte es tan importante que presentarán como pieza única su trabajo más reciente, dentro del marco de la feria mexicana de arte contemporáneo Zona Maco 2012.

LA LUZ A TRAVÉS DE UNA VENTANA
Cuando la naturaleza es sacada de contexto y un pedacito de ella es llevado a otro lado, podemos observar movimientos sutiles que, por las presiones en la vida cotidiana, difícilmente podemos ver en cualquier momento.

El uso de proyectores en algunas de las piezas de Ugarte son fundamentales para este efecto: “El campo, la naturaleza, la luz son temas que me han interesado desde niño. Me llamaba mucho la atención el efecto de la luz cuando ingresaba por una ventana y evidenciaba el polvito que flota en la atmósfera. También observaba con avidez la refracción de la luz sobre un vidrio. Me gusta mucho percibir el espacio donde estoy y los cambios que se producen en él.”

Esto se hace evidente en la pieza 9th January 2009, exhibida en la galería londinense Post Box, ese mismo año. El artista hace una maqueta, con tres ventanas, que coloca en la azotea de su casa. Hace una grabación de un día entero que registra el movimiento solar en el interior de la maqueta. Al ser proyectada en una habitación similar a la maqueta, se genera un espacio nuevo en el espacio ya existente. El observador, ajeno al proceso de grabación, podría pensar que no sucede nada, pero el movimiento del sol genera cambios en las sombras que suceden a un ritmo natural, modificando el espacio de manera casi imperceptible o azarosa. “Son piezas en donde siempre sucede algo, no son para observar en tiempo real. Tampoco estaban pensadas para verlas de principio o fin, como en un video o en una película. Mi propuesta es lograr que el espacio se modifique a través de una ventana. Son ideas básicas, que al hacerlas, cobran una importancia estética. La percepción del espacio te ayuda a relacionarte directamente con él. La consciencia de estar ahí, el aquí y el ahora, los cambios cotidianos, la consciencia de cómo cambia todo.”

SITE SPECIFIC INTERVENTION
“Site Specific Intervention es una expresión artística que se ha usado desde hace tiempo. Reúne piezas concebidas a partir de un lugar específico y que, además, generan un diálogo con el espacio donde están. A mí me gusta que una idea se genere a partir de ese lugar especifico.” Como arquitecto, Ugarte tiene un aprecio particular por este tipo de proyectos. La pieza Senda Negra, realizada en 2009 para el programa Cubo Abierto del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO), es un ejemplo de esto: “Este proyecto me gusta mucho, por el espacio donde lo hice y la suma de la intervención. La creación de nuevas perspectivas, dimensiones, detalles y el uso de los materiales.” Y es que esta pieza tiene una espectacularidad particular. Una estructura de vidrio negro de ocho metros de largo por 2.15 de alto, forman una L alrededor del patio del museo, un pasillo entre los muros del lugar y la muralla de cristal. De esta manera, se crea un contraste y un diálogo particular entre las dos paredes pero, sobre todo, permite al espectador ingresar y percibir el entorno como nunca antes lo había sentido. Los pasillos interiores del mismo lugar fueron pintados de negro para evidenciar los ingresos de la luz, creando la sensación de que los ases lumínicos se pueden materializar.

EL AQUÍ Y EL AHORA
“Estoy en un parte aguas, estoy buscando nuevos caminos en mi trabajo. La pieza para Maco se llama No Man is an Island, y la concibo como una pieza más humana, más personal. La construcción es de manera colectiva y busco resaltar las características personales de cada uno de los que participan en el proyecto. Lo que eres tiene que ver con la gente con la que te relacionas.”

Aunque, a primera instancia, la obra de Francisco Ugarte pudiera parecer fría y poco personal, en realidad es todo lo contrario. Se acerca a lo cotidiano, a lo natural, desde una perspectiva de limpieza, de simplicidad, ligereza visual, elegancia, y como él mismo lo define: “en el arte la idea es más pura, más puntual.”
Si quieres conocer más de la obra de Francisco Ugarte vista: www.franciscougarte.com

CYNTHIA GUTIÉRREZ Y JUAN CAPISTRÁN

Zona Maco no es sólo la feria de arte contemporáneo más grande del país, sino de toda Latinoamérica. Dirigida y fundada por Zélica García, la feria nació con el propósito de acercar tanto a coleccionistas como a público en general, al trabajo de los principales artistas representados por las galerías concurrentes.

La feria se llevó a cabo del 18 al 22 de abril en la Ciudad de México, y contó con la participación de 95 galerías de 19 países, representando a más de 900 artistas.
Una de las exposiciones paralelas dentro de la feria fue Zona Maco Sur, sección de proyectos, bajo rigurosa invitación. Después de tres años consecutivos, curada y coordinada por el brasileño Adriano Pedrosa, Zona Maco Sur se renovó y enriqueció bajo la tutela de Patrick Charpenel, curador y coleccionista a cargo de la Colección Júmex.

Charpenel nos platicó sobre el planteamiento que germinó en la selección de proyectos que tendremos oportunidad de apreciar en la feria.
“Para la edición 2012 se planteó enriquecer la muestra de dos maneras: una, al romper con la monotonía de la distribución arquitectónica lineal, ofreciendo ahora espacios diseñados para cada obra, y al generar un diálogo en el que que dos artistas de generaciones opuestas se confrontan estratégicamente; así, el primer grupo se conformó con once personas menores de 36 años, y el segundo, con once mayores de 54. Como consecuencia quedaron excluidos los creadores que van a la mitad de sus carreras, para concentrarnos exclusivamente en productores jóvenes o artistas maduros.

El presente proyecto muestra veintidós galerías internacionales con artistas que trabajan en condiciones material y culturalmente difíciles. La estructura del montaje permite resaltar así, posiciones críticas y exaltadas, a la vez que universos subjetivos y personales. Zona Maco Sur 2012 ofrece una visión distinta del concepto hemisferio sur, permitiendo así que el público descubra nuevas o consolidadas perspectivas de nuestro presente histórico.”

Dentro de estos proyectos, dos pertenecen a artistas tapatíos. Citando las palabras de Charpenel, tanto Cynthia Gutiérrez, como Juan Capistrán “abordan sus proyectos desde una posición crítica y de resistencia”.

Cynthia Gutiérrez

The material of memory, then, cannot be a
concrete image of plenitude, but only an
image of loss.

Hartwig Isernhagen

Para Cynthia Gutiérrez, la contemplación es un hábito diario. Una peregrinación que nos invita a ver los objetos cotidianos para, después, mirarlos de nuevo y percibir aquello que no habíamos observado. La obra de la artista nos revela los secretos más sublimes de las cosas e ilumina esa fuerza desconocida que encierran: la memoria. La memoria como visión dualista, como apreciación distintiva a la comprensión unitiva, como ausencia que crea materia, forma y función, como construcción truculenta que condiciona nuestra interacción con la realidad.

¿Cuándo nace tu pasión por el arte? He tenido un acercamiento con el arte desde chica, mi papá es escultor y una tía pinta, así que siempre estuve próxima al ámbito creativo.

¿Qué estudiaste y dónde? Estudié Artes Visuales, con orientación a Escultura, en la Universidad de Guadalajara.

¿Cómo le explicarías a un niño qué es lo que haces para vivir? Hago conexiones entre mi cabeza y el mundo, y las muestro de alguna forma. Muchas veces son preguntas o posibilidades. Cuando tengo cierta preocupación o interés, empiezo a buscar y, aunque a veces parece que no sucede nada durante esas búsquedas, el material se va acumulando, y en algún momento funciona.

¿Qué rituales te ayudan en tus procesos creativos? Los ratos de esparcimiento sin un fin específico me ayudan mucho a poder pensar en ideas nuevas, a poder generar conexiones con otras cosas… Tener tiempo libre para caminar.

Aparte de la producción de tu obra personal, sé que has colaborado en la consolidación de diversos proyectos artísticos ¿recuerdas alguno que hayas disfrutado mucho? El proyecto del jardín botánico de Culiacán.

Platícanos un poco sobre el proyecto que presentas en Maco Sur. Es un proyecto que he titulado El fracaso de la memoria, que pretende cuestionar los sistemas centralistas impuestos que nos rigen, ofreciendo una visión alterna que ponga en entredicho la historia unilateral. La idea es recuperar elementos con cierto valor artístico, histórico o social, y desplazarlos, contrastarlos, desarticularlos y rearticularlos en una nueva forma o en un contexto distinto que los resignifique. La carga intrínseca de estos símbolos, traslapada y conjugada con distintos tiempos y contextos, genera fuertes choques y dinámicas distintas.
Un conjunto de obras, en diferentes medios y soportes, que desarrollé en torno al Obelisco de Aksum (en realidad una estela funeraria) que, en 1935, fue llevado a Roma por el ejército de Mussolini como trofeo de guerra. Después de muchos años de negociaciones, trámites y trabajo arduo, en el 2008 finalmente se erigió de vuelta en Etiopía.

¿Cuáles son tus proyectos a futuro? Pienso seguir trabajando sobre El fracaso de la memoria, seguir explorando el tema desde otros ángulos y ver a dónde me lleva.

¿Qué galería te representa? Plataforma Arte Contemporáneo.

¿Cuáles son tus lugares favoritos en la ciudad? Mi casa, la Comercial Mexicana, Karnes Garibaldi, Fantasías Miguel y el Diente.

¿Qué te gusta hacer en tus ratos libres? Descansar, caminar, pensar, comer botana y ver películas; ver plantas y leer.

¿Tienes algún guilty pleasure? ¿Cuál? Acomodar las cosas por colores o materiales…. Cuando compro productos, a veces me importa más el envase porque imagino dónde lo voy a colocar y cómo se va a ver entre las cosas que ya tengo allí.

¿A quién admiras? A la gente trabajadora y justa.

¿Has conocido a alguien a quien admires mucho? A mis padres.

Juan Capistrán

«We declare our right on this earth…to be a human being, to be respected as a human being, to be given the rights of a human being in this society, on this earth, in this day, which we intend to bring into existence by any means necessary.»
Malcom X

¿Dónde naciste? Nací en Zapopan, pero el resto de mi familia es de un pueblo fuera de Guadalajara llamado Tecolotlán.

¿Cuándo te fuiste a vivir a California? Cuando cumplí tres años, mi familia y yo alcanzamos a mi padre en Los Ángeles.

¿Qué estudiaste y en dónde? Tengo una licenciatura en New Genres, en la Universidad de Arte y Diseño Otis, y una maestría en Studio Art, en la Universidad de California, en Irvine.

¿Cuándo supiste que querías ser artista? Creo que desde muy pequeño lo supe. Recuerdo que siempre dibujaba; deseaba aprender a dibujar todo aquello que veía. Como a los trece años empecé a grafitear, y no fue hasta entonces que me interesé en el arte de una manera más formal. Tal vez si no hubiese sido por el grafiti, jamás hubiera entrado a la escuela de arte.

He observado que la mayoría de tus proyectos se relacionan con la música ¿podrías hablarnos un poco al respecto? Así es. Casi todos mis proyectos, de alguna u otra manera, están relacionados con la música, ya sea en el título o porque hay una referencia directa a la letra de alguna canción, género musical o subcultura. La música ha jugado un papel muy importante en mi vida. He sido partícipe de distintas subculturas musicales, así como dj durante mucho tiempo. Hasta cierto punto, estas subculturas me han ayudado a definir mi identidad.

¿Cómo te relacionas con la identidad mexicana al haber crecido en Los Ángeles y cómo influye esta circunstancia en tu trabajo? La identidad mexicana con la cual yo me identifico es muy distinta a la de mis padres y a la cultura de la cual provienen. Por ejemplo, el español que yo hablo es el español que se habla en Los Ángeles. Creo que mucha gente se aferra a una idea, a un ideal, de lo que significa ser mexicano y, como resultado, se crea una cultura totalmente distinta a ésta. Yo crecí en un área de Los Ángeles que era principalmente afroamericana y, por lo mismo, siento que esta cultura me ha marcado más que cualquier otra.

¿Cómo es tu proceso creativo? Leo y escribo mucho, también veo un montón de películas. Constantemente estoy observando las cosas y escucho música todo el tiempo. Además, mantengo un diálogo constante con otros artistas.

¿Cómo y cuándo comienzas a trabajar con Curro y Poncho? Fue gracias a Patrick Charpenel que comencé a trabajar con ellos el año pasado. Patrick vio mi obra y sintió que la galería y yo podríamos trabajar bien, juntos.

Gran parte de tu trabajo contiene fuertes referencias personales y subculturales. Pensando en las piezas que exhibirás en Zona Maco Sur, me gustaría preguntarte ¿qué inspira este proyecto, cuál es la idea que lo determina? Toda la obra que realizo proviene de un espacio muy personal. El proyecto para Zona Maco Sur conmemora dos eventos que acontecieron hace veinte años. El primero es el asesinato de Latasha Harlins, una amiga de la infancia; y el segundo, los disturbios ocurridos en Los Ángeles en 1992. Las piezas abordan las ideas de justicia y rebelión, ideas con las cuales todos podemos relacionarnos.

¿Qué opinas de la escena artística en Guadalajara? Encuentro muchas similitudes entre Los Ángeles y Guadalajara. Creo que la ciudad tiene mucho que ofrecer. A pesar de que la escena artística continúa siendo pequeña y creciendo poco a poco, tiene muchísima energía. Creo que es un excelente lugar para que los artistas jóvenes trabajen, ya que tiene un gran potencial.

¿Cuáles son tus lugares favoritos en Guadalajara? Anita Li y Karnes Garibaldi, también tuve la fortuna de probar la nueva cerveza de Eduardo Sarabia, Ventura y ¡me encantó!

¿Qué te inspira? Creo que hay muchísimas personas y cosas que me inspiran. Todos y todo tienen algo que ofrecer.

¿Has tenido la oportunidad de trabajar con alguien a quien admires? Sí, uno de los mejores artistas con quien he tenido la oportunidad de trabajar es con Daniel Joseph Martinez. Él vive en Los Ángeles y fue uno de mis mentores durante la carrera.

¿Qué consejo les darías a los artistas que apenas comienzan? Que lean, observen y que nunca dejen de aprender ¡ni de cuestionarse!

 

RODRIGO DE ANDA

Rodrigo es originario de Morelia, Michoacán. Vive en Guadalajara desde 2005, año en que llegó a estudiar la universidad. En 2010 se fue a Madrid, España a hacer un máster en Fotografía, el cual duró un año, y después regresó a vivir a nuestra ciudad.

Su proyecto consiste en hacer un autorretrato al día durante todo el 2012, desde el 1º de enero hasta el 31 de diciembre. Principalmente lo está haciendo como un reto personal; es una tarea que exige una consistencia diaria y no se puede dar el lujo de fallar un solo día. Rodrigo sabe que este tipo de proyecto ha sido llevado a cabo por mucha gente, y su mayor inspiración vino del mismo trabajo que realizó Lauren Lemon en 2009. Sus fotos le llamaron tanto la atención, que decidió realizar algo parecido en cuanto a la idea general de un autorretrato al día, pero con diferentes estilo y discurso a los que ella manejó. Les presentamos una selección de las fotos que lleva hasta ahora.

Para conocer más sobre su proyecto visiten: www.rodrigodeanda.com/366.php

Twitter: @rodrigodeanda

https://www.facebook.com/fotorodrigodeanda

LE PORC SHOP Y EOS MÉXICO

Destination: Mexico, diseñadores tapatíos en el MoMA

El Museum of Modern Art de Nueva York (MoMA) se fundó en el año 1929. La principal intención de este espacio era generar un lugar donde las artes visuales contemporáneas se pudieran entender, aprender y disfrutar. Actualmente cuenta con alrededor de 150 mil obras individuales, y alberga piezas de artistas modernos tan diversos como Pablo Picasso, Vincent Van Gogh, Diego Rivera, Chris Cunningham, Yoko Ono e Isamu Noguchi.

El MoMA es el referente más importante del arte moderno en el mundo, y aún sorprende por medio de exposiciones y su apoyo a proyectos innovadores y de vanguardia.

Destination: Design
Uno de estos proyectos comenzó a producirse en el año 2005, y tiene como objetivo promocionar a diseñadores de diversas partes del mundo. Su nombre es Destination:Design. Con propuestas de ciudades y países tan diversos como Finlandia, Portugal, Seúl, Dinamarca, Buenos Aires y Japón busca propuestas de diseño que van desde la joyería, hasta objetos de escritorio o muebles. La idea es vender las piezas durante un periodo de tres meses en las tiendas del museo, y adquirir para su catálogo aproximadamente el 25 por ciento de las mismas.

Destination: Mexico
A principios de 2010, Kathy Thornton-Bias, directora de la tienda del MoMA, contactó a una de las más importantes investigadoras y curadoras de diseño en nuestro país: Ana Elena Mallet, y comentaron la posibilidad de hacer realidad este proyecto. Ana Elena curó una exposición en Washington llamada “Rethinking Tradition. Contemporary Design from Mexico” e invitó a Kathy a ser testigo del talento mexicano. A ella, el diseño mexicano le pareció interesante, sólido, creativo, innovador y de muy buena calidad.

A partir de ese momento pasaron casi dos años y la convocatoria exigió la participación de la Universidad Centro, ProMéxico, la Embajada de México en Estados Unidos, así como la revisión exhaustiva de más 600 productos y 300 diseñadores de todo el país.

Ana Elena fue contratada como asesora curatorial y se encargó de hacer las propuestas de diseñadores y productos. “La gente de la tienda del MoMA las revisó y las estudió de acuerdo a sus intereses y así se fue conformando la selección final. No hay que perder de vista que éste es un proyecto comercial y ellos saben muy bien qué tipo de clientes tienen, qué precios están dispuestos a pagar y qué les puede interesar”.

Se seleccionaron más de 150 productos y 68 diseñadores de lugares como Guanajuato, Nuevo León, Querétaro, Oaxaca, Baja California, Zacatecas, Distrito Federal y Jalisco.

Tapatíos en el MoMA
Dos talleres y estudios de diseño tapatío fueron seleccionadas para esta ventana de exhibición, Le Porc Shop y eos méxico. De contextos e ideas muy diferentes, estas dos propuestas estarán a la venta en las tiendas del MoMA, en Nueva York a partir del mes de abril de este año.

eos méxico
Los hermanos Mauricio y Sebastián Lara son diseñadores industriales por la Universidad Autónoma de Guadalajara. En su etapa inicial (1998), Mauricio comienza, junto con Edith Brabata, eos méxico. En el 2004, y a partir de necesidades muy específicas, se integra Sebastián, y se constituyen como estudio de diseño. Juntos, hacen de su marca un proyecto de diseño integral, que desarrolla productos que concretan la visión de sus clientes. Es un estudio de diseño versátil, que integra lo multidisciplinario como parte del enriquecimiento de los procesos creativos.
Arte objeto, decoración, intervenciones arquitectónicas y branding llevado al punto final de su ejecución son algunos de los alcances de esta firma. La estilización de conceptos que justifican el todo, materias primas diversas, exploración técnica, sentido del humor y funcionalidad forman el estilo de trabajo de eos méxico.

Las piezas del MoMA
Paper Cup, Barrilitos, Erizo, y Sombrero (de la colección 20/20 de Galería Mexicana de Diseño) son las cuatro piezas elegidas por MoMA para la venta en el museo. Son piezas que reinterpretan lo cotidiano y le dan un giro a su origen. La taza desechable de café y los saleros de las taquerías hechos en cerámica, los cepillos de limpieza usados como portalápices, el típico sombrero mexicano que sirve como botanero. Objetos que se ganaron un lugar estético particular y que además tienen un carácter utilitario.

Le Porc Shop
El taller Le Porc Shop comenzó en el año 2008. Formado por los egresados del ITESO, Paula Silva Ruvalcaba y Rodrigo Vázquez Guerrero dan el nombre a la marca, y buscan plasmar la ironía que los caracteriza. De oficios y formaciones lejanos al diseño, logran dar una identidad única a los muebles que elaboran. La madera es el material con el que trabajan y, de alguna manera, hacen que este componente regrese a su origen. El proceso artesanal forma parte de la identidad de este taller.

Sienten respeto por la materia prima con la que trabajan, y como resultado obtienen muebles donde lo natural es lo más importante. Resaltan la textura, la suavidad y la fortaleza que la madera tiene de manera intrínseca. Una visión noble y flexible que les permite desarrollar piezas totalmente recicladas o completamente nuevas. Las personas con su cultura, su sentido del humor y su contexto forman parte del marco conceptual para desarrollar objetos y muebles.

Las piezas del MoMa
Dos piezas de madera reciclada fueron elegidas para su venta en el MoMA. De la línea OVNI (Objetos Vernáculos No Identificados) desarrollada por Paula Silva surge Charola, pieza sencilla y multifuncional de uso cotidiano, que como su nombre lo indica, no es otra cosa que una charola para servir tragos, comida, o que puede usarse incluso como frutero.

La otra pieza que estará en el museo es Bancarrota (de la colección 20/20 de Galería de Diseño Mexicano). Éste es un objeto que puede ser un banco, un bote de basura o una mesita lateral e incluye dos versiones: natural y de color. Del tipo do it yourself, Bancarrota se compone de diez piezas sueltas que se ensamblan con cinchos de plástico y forman la pieza.

 

 

 

 

Identidad y diseño mexicano
“Creo que los asuntos identitarios quedaron atrás. Hoy es necesario insertarse en el mercado global y lo que queremos y debemos hacer es buen diseño, más allá de que tenga características nacionalistas. El diseño mexicano es ya mexicano si se hace en México. Lo importante es que sea estupendo en factura y calidad para poder competir a nivel mundial. Sin duda alguna habrá un antes y un después para el diseño mexicano luego de Destination: Mexico”. Ana Elena Mallet.

Si quieres más información sobre su trabajo visita:
www.eosmexico.com
www.leporcshop.com

CECILIA REBORA

Profesión: ilustradora infantil
Estudios: ilustración en Barcelona

¿Cómo te convertiste en ilustradora? Toda la vida me gustó dibujar pero, como en mi casa mis hermanos son pintores, me negaba a mí misma. Empecé estudiando arquitectura y desistí. Luego me fui a vivir a Barcelona, y ahí quería estudiar letras, pero como todo era en catalán, se me complicó. Un día, vi un letrero de inscripciones para una escuela en donde enseñaban ilustración, y desde ese día que empecé a estudiar, me dedico a esto… ¡me encantó!

 Sueño de Luna

¿En qué estás trabajando actualmente? Acabo de terminar un proyecto de un libro de poesía, que me costó muchísimo trabajo. Gracias a él, decidí que me quería dedicar sólo a proyectos como autora integral. Estoy desempolvando cuentos que escribí hace tiempo y los estoy ilustrando, y estoy en un proyecto escolar para National Geographic y un libro-álbum para Estados Unidos.

¿En qué te inspiras para crear tus ilustraciones? Cuando es un encargo, leo el texto y trato de interpretarlo a mi manera; luego sigue la investigación de personajes, atmósferas, lugares, etc. Para mis proyectos personales, un poco lo mismo, pero son siempre más intuitivos, más libres.

¿Ahora que eres mamá, tus hijos son parte de tu proceso creativo? Sí, por eso cambié de estilo; todo ha sido diferente a raíz de que nació mi hijo Mateo. Es muy crítico, le encantan los libros de animales, pero no le gustan ciertos gestos y cierto tipo de historias. Muchas veces, rehago a partir de su crítica porque más o menos me doy cuenta de lo que funciona o no, y como ahora cuido niños, trato de ser más rápida y concisa.

¿A qué ilustradores o autores admiras? Mmm, la lista es interminable: Beatrice Alemagna, Chiara Carrer, Javier Zabala, Svetlan Junakovic, Helga Banch, Jutta Bauer. De aquí, Manuel Monroy, Valeria Gallo… me agobia nombrar pocos porque son demasiados a los que admiro.

¿Conoces a alguno de ellos? Javier Zabala fue mi maestro en la FIL y dio un taller increíble el año pasado. Justo ahora vengo de tomar un taller de Junakovic en la FILIJ, en México. Por medio de Facebook conocí a Carll Cneutt. Twitter también me ha permitido conocer a muchos ilustradores como Dipacho, colombiano; me encanta su trabajo.

¿Qué técnica usas para hacer tus ilustraciones? Monotipia y collage, generalmente mixtas.

¿En cuáles países se distribuyen los libros que has ilustrado? Acabo de hacer un libro para Corea, trabajo con una editorial en Brasil, y tengo una representante en Nueva York, que es quien me representa en los países de habla inglesa.

¿Con quién te gustaría trabajar? Con Kalandraka, sería mi sueño. Ahora le estoy apostando a Daniel Goldin, de Océano Travesía. Para cualquier editorial francesa, y en Corea, para Yukon Media.

¿Cuáles son tus libros infantiles favoritos? ¡Es imposible decir! De los que he hecho yo, le tengo mucho cariño a Aquí viene Lucas, porque fue el libro que me abrió las puertas como ilustradora. De los que me fascinan, El Árbol rojo de Shuan Tan, Uno y siete de Beatrice Alemagna, etc.

 Pensando

¿Cuántos libros tienes publicados?Tengo 26 libros, más los libros de texto.

¿Qué te gusta hacer en tu tiempo libre? No tengo tiempo libre, jaja, cuido niños. Cuando lo tenía, me gustaba ir al cine o tomarme un capuchino por las mañanas ¡Ahora en mi tiempo libre trabajo!

¿Qué es lo que más te gusta de tu profesión? Vivo en un mundo de fantasía porque se van mis horas entre ranas, peces e hipopótamos. Puedo trabajar en mi casa, y es un trabajo creativo que me llena de satisfacciones.

¿Lo que menos te gusta? Los límites de tiempo que me condicionan. Siempre tenemos prisa porque la mayoría de los editores quieren todo “para ayer”. Y que, cuando vienen tiempos de entregas ¡no duermo nada!

Deseos

Premios
-Ganadora del segundo Catálogo Iberoamericano de
Ilustración, 2011
-Mención honorífica en el Catálogo Iberoamericano de Illustración, 2010
Seleccionada nueve años en el Catálogo de Publicaciones Infantiles y Juveniles DGP CONACULTA, obteniendo en cuatro ocasiones mención honorífica.

Vista el blog de Cecilia: crebora.blogspot.com