Mantarraya: un puente definitivo

El subrayado auge que ha alcanzado la industria cinematográfica en el país es un asunto sobre el que no haría falta discutir. Tendríamos que acotar, sin embargo, que se debe únicamente a una serie de productos de fácil acceso y cuya fórmula resulta por demás evidente. En México, pensar en el cine independiente es adentrarnos en un terreno lúgubre, espinoso. Hacer o distribuir películas fuera de los estándares comerciales aún es una labor casi suicida.

heli_stillEn un panorama tan poco alentador, Mantarraya se erige como una apuesta valiente y luminosa. Tras dieciséis años de existencia, la empresa fundada por Jaime Romandía (quien poco a poco fue sumando piezas claves al proyecto) se ha ramificado para cubrir las tres etapas previas a la exhibición de una película: producción, venta y distribución. De forma paralela, Mantarraya se ha consolidado como una alternativa concreta para los realizadores mexicanos y una ventana prodigiosa para los espectadores ávidos de nuevos discursos.

Hablar de Mantarraya sería imposible sin mencionar nombres como el de Carlos Reygadas —uno de los directores más importantes que ha dejado este país en lo que va del siglo—, quien a su vez codirige el área de producciones junto con Romandía, y el tapatío Pablo Aldrete. La casa productora alberga entre sus títulos la filmografía completa de Reygadas: filmes tan sobresalientes como Luz silenciosa (2007) y Post tenebras lux (2012), que en su momento fueran acreedores en el Festival de Cannes al Premio del Jurado y a la Palma de Oro al mejor director, respectivamente. Del mismo modo, Mantarraya estuvo detrás de la incisiva y multilaureada cinta de Amat Escalante, Heli (2013), así como de las dos piezas anteriores del joven director mexicano (Sangre, 2005; Los bastardos, 2008).

Luz silenciosa 6Otro de los grandes aciertos de Mantarraya está en su labor como distribuidora. La precisión con la que selecciona las cintas que trae al país es casi quirúrgica. En los últimos dos años ha sido la propietaria de los derechos de las Palmas de Oro: Amour (Haneke, 2012) y La vie d’Adèle (Kechiche, 2013). Asimismo, ha distribuido en México películas tan significativas como la ganadora del Óscar a mejor película extranjera, La grande belleza (Sorrentino, 2013) y Alps (Lanthimos, 2011), una de las obras más brillantes y auténticas que ha dejado la cinematografía en nuestros días. En el pasado Festival de Cannes, Mantarraya adquirió los derechos del quinto largometraje de Xavier Dolan, la promisoria Mommy (algunos de nosotros ya contamos ansiosamente los días).

El mérito de Mantarraya es más que claro: una inteligente estrategia que reconcilia el cine de autor con la industria, gracias a su visión y sólida presencia en festivales internacionales. La supervivencia y el éxito de Mantarraya resultan un faro para quienes contemplan el cine como proyecto, sin importar si es enfrente o detrás de la pantalla.

Festival de Cine de Tapalpa

SONY DSCEl pueblo de Tapalpa encontró en el cine un nuevo pretexto para celebrarse a sí mismo.

En su segunda edición, el Festival de Cine de Tapalpa (FCT) continúa apostando por la calidez y el entusiasmo de quienes aman el cine. Dolores Tapia, directora del Festival, nos recibió como en casa y estuvo al pendiente de cualquier detalle durante los tres días de actividades. Nos platicó que el proyecto es iniciativa de la productora local El Juguetero y tiene la intención de sumar a Tapalpa al lenguaje universal de nuestro tiempo: el cine. La visión a futuro es construir un evento multidisciplinario que involucre diversas ramas —tanto del arte como de la gastronomía y la cultura—, en aras de otorgarle al pueblo nuevas miradas y nuevos significados.

Los puntos de encuentro en el FCT buscaron hacer énfasis en el carácter agreste de Tapalpa: algunas de las proyecciones fueron al aire libre, y otras ocurrieron en un granero debidamente equipado. Vivir el Festival se trataba no solo de ver películas, sino de disfrutar los traslados, la comida, el clima, la gente…

SONY DSCMi momento favorito quedó claro desde que me enviaron el programa: finalmente tuve la oportunidad de ver Todos somos Mari Pepa, el largometraje de Samuel Kishi, uno de los invitados especiales del Festival. La versión extendida del imprescindible cortometraje Mari Pepa (2011) resultó una obra llena de sorpresas y aciertos, capaz de provocar empatía en cualquiera de nosotros y que, indudablemente, coloca a Kishi como uno de los cineastas mexicanos más prometedores. En una breve conversación, Samuel aplaudió la honestidad del evento y nos dejó claro su interés por hacer del cine un oficio menos intocable. Más autores como él para nuestro país.

Además de proyecciones, el festival incluyó una serie de interesantes alternativas. Una de ellas nos condujo al Centro de Integración Tapalpa (CITAC) para presenciar una especie de ensayo del taller de teatro —un programa que invita a niños de la localidad no solo a practicar actuación, sino a convertirse en autores de sus obras (lo que nos permite contemplar, de alguna forma, cómo se vive el pueblo desde adentro).

SONY DSCLa fiesta de clausura tomó lugar en el parque La Ceja, un sitio a doce kilómetros del Centro, en el que es posible volar en parapente, escalar en roca o hacer ciclismo de montaña (y que, además, tiene una vista nocturna inigualable). Ahí pudimos disfrutar la proyección al aire libre de la multilaureada Blancanieves (2012) de Pablo Berger, una adaptación silente y encantadora del clásico infantil.

SONY DSCEl Festival nos deja un sabor tan grato como el clima de Tapalpa. Que sean muchos los años —y los nombres— que se sumen a este proyecto.

Voces de nuestro tiempo

Una caprichosa revisión de los directores jóvenes (al menos con base en la edad de sus películas), cuya perspectiva, auténtica y entrañable, ha venido a reformular la cinematografía de nuestros días. Diez autores de aparición reciente que se antojan imprescindibles.

Hablamos, nuevamente, de posibilidad y promesas:

1. Giorgos Lanthimos (Grecia, 1973)

Se trata, acaso, de la visión más peculiar (en tanto ridícula y potente) con la que nos hayamos topado en años. Su método consiste en retratar con minucia la incómoda cotidianidad de universos que difícilmente nos plantearíamos. Tras Kynódontas (2009) y Alpeis (2011), dos piezas perturbadoras y brillantes, Giorgos Lanthimos maquila su quinto largometraje, The Lobster (cuya premisa alienta por descabellada), esta vez fuera de su tierra e idioma natales, y al mando de figuras de alto reconocimiento como Rachel Weisz, Ben Whishaw y John C. Reilly.

2. Nicolas Winding Refn (Dinamarca, 1970)

Gracias a su brillante manejo de la violencia poética, el segundo largometraje de Winding Refn, Drive (2011), se convirtió inmediatamente en una de las piezas más icónicas de la cinematografía contemporánea. Por su parte, su tercera entrega, Only God Forgives (2013), dividió de manera tajante tanto al público como a la crítica (se trata de un planteamiento mucho menos accesible, por principio de cuentas). Sea cual fuera nuestra postura con respecto a su última cinta, resulta innegable que estamos frente a un director con una estética particular, impecable y sólida.

3. Miranda July (Estado Unidos, 1974)

Miranda July posee uno de los discursos más latentes de su generación: una autora incandescente que camina desenfadada entre el cine, la literatura, el arte contemporáneo y la digitalidad. En sus dos largometrajes (Me and You and Everyone We Know, 2005; The Future, 2011), July retrata el vacío y la desolación propios de este tiempo, desde una ingenuidad que enamora e irrita casi a iguales proporciones.

C18_Cinema_SMcQ4. Steve McQueen (Reino Unido, 1969)

No fue necesario el Óscar a 12 Years a Slave (2013) para reconocer el definitivo talento de Steve McQueen: sus dos cintas iniciales (Hunger, 2008; Shame, 2011) eran una prueba clara de lucidez y agudeza. Su mérito se encuentra en la honesta brutalidad con la que delinea la condición humana (y en su indisoluble vínculo con Michael Fassbender, acaso).

5. Xavier Dolan (Canadá, 1989)

Una especie de joven Lars von Trier. A sus 25 años, Xavier Dolan ha construido una carrera capaz de ahogar de envidia a muchos de nosotros. Egocéntrico, pedante y, además, prolífico. Si bien pudo ser contemplado como uno de los autores de cine gay más importantes de nuestros días, sus piezas han transgredido los límites del género, alcanzando una narrativa portentosa y consistente.

6. Fernando Eimbcke (México, 1970)

La cinematografía más sólida, honesta, sutil e íntima que ha dado nuestro país en sus últimos años. Pocos como Fernando Eimbcke para captar la adolescencia y los códigos intrafamiliares. La belleza de sus filmes radica tanto en la desprovisión y franqueza de sus premisas, como en la exquisita sencillez de su ejecución.

7. Andrew Haigh (Reino Unido, 1974)

La mente detrás de Weekend (2011) y Looking (serie para HBO). Sin más, nadie había abordado la experiencia gay en nuestro contexto de forma tan entrañable y oportuna.

8. Mike Mills (Estados Unidos, 1966)

Con sólo dos largometrajes de ficción (Thumbsucker, 2005; Beginners, 2010), Mike Mills ha demostrado ser un cineasta encantador y promisorio. No será coincidencia que esté casado con otra integrante de esta lista: Miranda July.

9. Jeff Nichols (Estado Unidos, 1978)

Con su segunda cinta, la brillante Take Shelter (2011), Jeff Nichols alcanzó el reconocimiento internacional, al colocarse en la mayoría de los recuentos anuales de lo mejor del cine. Aunque de forma menos espectacular, su última pieza, Mud (2012), fue también amablemente recibida, por lo que podríamos augurarle un futuro firme dentro de la industria independiente.

10. Clio Barnard (Estado Unidos, 1965)

La última integrante de esta lista nos entregó uno de los filmes más conmovedores y sobresalientes en lo que va del año: The Selfish Giant; una audaz y atinada reinterpretación del cuento de Wilde. Tratándose de su primera ficción de larga duración, no necesitamos más motivos para depositar en ella nuestra convencida fe.

Ambulante: documentales para descubrir, compartir y transformar

La definición exacta de ambulante es la de una persona que va de un lugar a otro sin tener asiento fijo. En México se refiere también a un comerciante no establecido y la mayor parte del tiempo ilegal, tema polémico hoy en día. Pero también hace alusión a una gira de documentales que recorre doce estados de la República, del 30 de enero al 4 de mayo, con un programa internacional conformado por alrededor de 100 títulos.

Desde 2005, Ambulante viaja a lugares que cuentan con poca oferta de exhibición y formación en cine documental, con el fin de crear una audiencia participativa, crítica e informada, y abrir nuevos canales de expresión y reflexión en México y en el extranjero.

La gira también estará presente, por cuarto año consecutivo, en el festival de música Vive Latino, del 27 al 30 de marzo, con una selección de documentales que se exhibirán en la Carpa Ambulante.

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Además de proyecciones en salas comerciales, sedes alternativas y plazas públicas, se programarán mesas redondas, clases magistrales y talleres, sumando alrededor de mil actividades. Más del 60 por ciento de los eventos serán gratuitos: puedes consultar el programa en la página web oficial.

Dos características distinguen a esta novena edición. La primera es el tiempo como eje temático; la segunda es la sección Retrospectiva, que se enfocará en películas clásicas de ficción, provenientes de lugares marginales: se trata de filmes que por su valor histórico adquieren un importante carácter documental.

Esta sección se logró gracias a la alianza de Ambulante con la World Cinema Foundation (Fondo para la Cinematografía Mundial), creada por Martin Scorsese, cuyo objetivo es preservar y restaurar películas olvidadas y abandonadas, procedentes de países en vías de desarrollo o del tercer mundo.

También existe una sección dedicada a los niños, llamada Ambulantito: una selección de cortometrajes documentales y animaciones que este año presenta dos programas para animar la relación entre el tiempo y el cine, donde se exhibirán videocartas realizadas por niños de México y Cuba, y se abordará el fascinante mundo de los insectos en una serie de cortometrajes.

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La sección Reflector, creada recientemente, expondrá cintas dolorosas para el sistema como El acto de matar (Joshua Oppenheimer), Criminólogos: una mirada al abismo (Barbara Eder), Cutie y el boxeador (Zachary Heinzerling), Lo conocido desconocido (Errol Morris), Narco cultura (Shaul Schwarz), Pez negro (Gabriela Cowperthwaite), El reencuentro (Anna Odell) y Robamos secretos: la historia de WikiLeaks (Alex Gibney).

En Sonidero, sección que reúne producciones sobre diversas corrientes musicales, desde propuestas con contenido social y político, hasta conciertos delirantes para miles de ávidos seguidores, encontraremos cinco títulos entre los que destacan: The Punk Singer, del director Sini Anderson, un documental, que retrata la singular estética del movimiento riot grrrl y, al mismo tiempo, hace un tributo al legado de Kathleen Hannah; Expreso a Nueva Orleans, un road movie-concierto dirigido por Emmett Malloy, en el que podremos ver el recorrido de un tren que sale de Oakland rumbo a Nueva Orleans y que es abordado por las bandas más representativas del indie folk: Edward Sharpe and The Magnetic Zeros, Old Crow Medicine Show y Mumford and Sons, y Snoop Dogg: Reincarnated, un título dirigido por Andy Capper en el que se registra la exploración personal y de la corriente rastafari de Snoop Lion, antes Snoop Dogg.

La programación de Ambulante de este año es indispensable y va mucho más allá de este resumen. Sigue las redes sociales del festival para conocer el programa actualizado.

Festival Ambulante
ambulante.com.mx
Twitter: @ambulante
Facebook: /GiradeDocumentalesAmbulante
Vimeo: /ambulanteonline

LAS FECHAS

• Distrito Federal (30 de enero al 13 de febrero)
• Guerrero (13 al 20 de febrero)
• Zacatecas (13 al 20 de febrero)
• Puebla (20 al 27 de febrero)
• Veracruz (27 de febrero al 6 de marzo)
• Nuevo León (6 al 13 de marzo)
• Coahuila (13 al 20 de marzo)
• Michoacán (20 al 27 de marzo)
• Chiapas (27 de marzo al 3 de abril)
• Jalisco (3 al 10 de abril)
• Baja California (10 al 17 de abril)
• Oaxaca (24 de abril al 4 de mayo)

 

 

MAURICIO VALLE

A Mauricio desde que era niño lo único que le interesaba era la música y el cine. Intentó tomar otro camino en la universidad, pero la vida lo obligó a tomar el del arte: “Fue algo natural, pero si tuviera que escoger algo más específico, sería el año de 1998, cuando vi Breaking the Waves. Salí de la sala y mi visión del mundo había sido transformada. Meses después vi Happy Together y no había vuelta atrás.”

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Lo que más le apasiona del cine es que lo lleva a un estado de contemplación, de reflexión y de gozo, que no encuentra a través de ninguna otra actividad en la vida:
“Me apasiona crear universos, es como jugar a ser Dios. Primero en soledad escribes una idea que poco a poco desarrollas en guion. En mi caso, luego la comparto y desarrollo con la gente que más admiro. Mi primer guion lo trabajé con Mogens Rukov (Festen, Reconstruction) y Jorgen Leth (The Five Obstructions), y el último con Jean-Claude Carrière (El discreto encanto de la burguesía, La insoportable levedad del ser). Esto no solamente hace crecer el proyecto, también a mí. Y en cada proceso cinematográfico hay un viaje similar, el de exponer, compartir, evolucionar las ideas y crecer: no solo las ideas, también tú como persona.”

Mauricio cree que el trabajo que se realiza en una película, mucha gente no lo haría en una vida entera:
“Escribir, dibujar, construir, decorar, musicalizar, trabajar con actores, técnicos, contadores, fotógrafos, editores, diseñadores, tal vez algunos músicos, tal vez una orquesta, una banda de rock, mercadólogos, distribuidores, exhibidores, y luego lo dejas ir, y estás expuesto. La gente puede hacer lo que sea con tu proyecto, amarlo, odiarlo, destruirlo, y tú vuelves a empezar, sin miedo a la vida que este vaya a tener. Lo haces por el proceso, por el crecimiento y por el momento y el espacio por los que estabas transitando en tu vida.”

Las historias que le interesa contar, las que lo obsesionan, son las que tienen que ver con el hombre y su comportamiento: “Me gusta reflexionar mediante el cine sobre su sometimiento ante sus sueños, sus pasiones, ante el poder. Me conmueve lo trágico, la vocación trágica del hombre. Me gusta hablar sobre las esperanzas humanas, la búsqueda de lo esencial y la atrocidad del destino humano.”

Las historias que aborda no son nuevas; la importancia está en cómo las cuenta. Disfruta mucho jugar con ritmos rotos y una escritura cinematográfica más libre. “Sobre ella está terriblemente influenciada por la etapa de Jean-Luc Godard al lado de Anna Karina, aproximadamente de 1961 a 1966, y por la técnica o falta de ella en John Cassavetes. Daniela los martes, mucho más en Un hombre y una mujer de Lelouch y Chloe por las tardes de Rohmer. Pero Todos los días del tiempo está muy alejada de estos universos tal vez pequeños, que pretenden reflexionar sobre la inmadurez de mi generación, sobre estos adolescentes profesionales. Creo que Todos los días del tiempo es mi primer acercamiento al cine. Tal vez la gran diferencia es que el cine en México está polarizado por el circuito comercial, de imitación a la industria estadounidense, y por el artesanal, el cine de las clases bajas y la miseria humana, y lo que yo hago está en el centro.”

En sus películas vemos una referencia al cine norteamericano independiente y al cine francés. Mauricio considera que en México no existe el cine independiente, pues independiente nos significa una estructura financiera fuera de los grandes estudios, y entonces todo sería independiente: “Independiente es un leguaje, es una narrativa con exploración personal, de fácil acceso a la audiencia y con las grandes herramientas de la industria. Eso me interesaba a mí en esta etapa: un cine en el que pudiera encontrarme y encontrar las herramientas que me acomodaran para dar con un estilo, y sobre todo para no repetir lo que estaba sucediendo en México, para no acomodarme dentro de esos dos círculos.”

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En el cine mexicano actual están pasando cosas muy interesantes, y a Mauricio le gustaría creer que muy pronto existirá una verdadera industria, porque cada vez hay más creadores y más propuestas relevantes. “El mundo del cine tiene los ojos puestos en nuestro país y por primera vez tenemos un público interesado en ir a ver estas películas. Desde El crimen del padre Amaro no se rompía un récord de taquilla… ¡más de diez años! Y en 2013 se rompió dos veces, y no por poco. Claro, tenemos el cine de autor que con trabajo consigue diez mil espectadores… Estaría bien que la gente se acercara más a este tipo de cine, pero poco a poco las cosas han ido cambiando.”

Para el cineasta la falta de apoyos a la comunidad cinematográfica no es un problema, pues existe dinero en el país para hacer cine. En lo que no confía es en el proceso de repartición de los fondos, ya que en su opinión no es el ideal. “Vivimos en un país en el que todo lo que tenga que ver con fondos públicos está viciado, así que no tendría por qué ser diferente en el cine. El punto es que no porque haya más dinero, vamos a tener un mejor cine. El 80 por ciento de lo que se hace es fallido. Eso tal vez indica que no necesitamos más dinero, tal vez necesitamos mejores propuestas, u otra forma de repartir esos fondos.

“Los mejores cortometrajistas o directores jóvenes, muchas veces o nunca logran conseguir el dinero para hacer su película. Creo que eso está mal. Es un talento conseguir el dinero para hacer cine, pero no debería ser el más importante, porque tal vez hay talentos que se están mutilando antes de poder comenzar a expresarse.”

Sobre ella, su primer largometraje

Hay muchas cosas que le gustan de la película, otras más que no. Pero ahí nacieron o se reafirmaron algunas de sus relaciones personales y profesionales más sólidas: Juan Pablo Medina y Ricardo Palacio (quienes han actuado en todo lo que Mauricio ha hecho), Alejandro Camacho, Joanna House (vestuarista), Niels Buchholzer (director de fotografía), Marco Polo Constandse (con quien siempre produce sus películas) y Geminiano Pineda (su distribuidor).
“Supongo que siempre será lo mismo, uno crece y las películas se quedan atrás. Lo importante es hacerlas, y como dijo Almodóvar en Los abrazos rotos (tal vez lo único que me gusta de esa película es la cita): ‘Las películas hay que terminarlas aunque sea a ciegas.’
“Sobre ella para mí fue como la preparatoria: te gusta entrar porque te sientes ya parte de los grandes, pero muy pronto en lo único que puedes pensar es en salir. Es el único de mis guiones que he escrito solo y posiblemente será la única película en la que haya tenido a mis actores/amigos tanto tiempo trabajando en lecturas y desarrollo de personaje y guion, porque en el mundo real eso cuesta. Tal vez lo más encantador de Sobre ella es su ingenuidad, en todos los sentidos. El tema del dinero nos retrasó, así que pude editar durante más de un año. Tenía 66 horas de material y el primer corte duraba cuatro, así que tuve tiempo de divertirme, cosa que tampoco volverá a pasar. Me refiero a los tiempos, la diversión siempre volverá.”

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Lo que viene

A finales de 2012, Mauricio comenzó con el rodaje de Daniela los martes, una película a la que quiere mucho, inspirada al 100 por ciento en el mublecore, que se estrenará los primeros meses de 2014: “La hicimos en México, Nueva York, París y Étretat. Es la historia de dos personas que no quieren repetir todos los errores que han cometido como pareja en sus relaciones anteriores, así que deciden ser amantes y solo verse los martes.
“Paola Núñez y yo viajábamos con el equipo y un fotógrafo nos esperaba en cada país. No había guion, solo una idea, y todas las noches revisábamos lo que grabábamos para saber qué hacer al día siguiente. Nosotros hicimos vestuario, sonido directo, y yo dirigí, actué, fotografié varias secuencias y edité.”
Mauricio produce sus películas a través de B.A.L.A. Pictures. También realiza algunos comerciales, fotografía fija, y este año empieza a producir cine para otros directores, en el extranjero, lo cual lo llena de emoción, pues según dice ya se estaba cansando de él mismo.
Actualmente se encuentra en posproducción de Daniela los martes, y en pre-soft de Todos los días del tiempo, su tercer largometraje. También está preparando una obra de teatro, su primera como director, con un texto de Alexis Kaye Campbell, titulado The Pride, que se estrenará antes del mes de julio de 2014. Mientras tanto, produce una película de una gran amiga suya de Nueva York, Darya Zhuk, que filmará en Bielorrusia en verano de 2014: Almost Somewhere. Y está reescribiendo Todo por Julia para Los Güeros Films: el guión se producirá el próximo año.
Si quieres conocer más sobre su trabajo, visita: http://balapictures.co/tag/mauricio-t-valle/

AARÓN DÍAZ

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Platicamos con Aarón sobre Marcelo, su más reciente película, presentada en el Festival de Cine de Guadalajara 2013. En ella interpreta a un personaje distinto a todo lo que ha hecho hasta el momento.

¿Por qué quisiste participar en un proyecto tan diferente a lo que normalmente haces?

Hice hasta lo imposible por participar en la película, porque cuando leí el guión sabía que jamás iban a pensar en mí. No me iban a llamar a audicionar siquiera.

Me llamó la atención porque es justo lo que busco: interpretar papeles distintos, y este es, hasta el día de hoy, el más distinto que he interpretado en todos los sentidos. Fue un reto muy grande para mí. Yo sabía que era un personaje que iba a pedirme mucho.

En las telenovelas todos los papeles son muy parecidos. Pero no soy actor que haga una cosa tras otra, siempre me doy un tiempo para ver qué es lo que realmente quiero hacer.

¿Cómo te llegó el guión?

Lo leí porque los productores son amigos míos. Me enseñaron el proyecto y les dije que yo sabía que no iban a pensar en mí, pero que me hicieran una audición como a todos los demás actores, y terminé haciendo la película.

Lo que más has hecho hasta ahora es televisión. ¿Qué opinas de las personas que piensan que los actores de telenovelas no son tan actores como los de cine?

Para mí un actor es un actor, pero estoy de acuerdo en que, si haces todo el tiempo televisión, en muchas ocasiones eso marca tu camino y tu estilo. Yo tenía muy claro desde el principio de mi carrera que no quería eso y tuve que rechazar muchos proyectos de televisión para no hacer uno tras otro, prepararme y buscar otro tipo de proyectos. Un actor debe poder hacer tele, cine y teatro.

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¿A ti te gusta hacer de todo?

Sí, me aburre hacer una sola cosa. Después de hacer una telenovela ya no quiero saber nada de televisión y prefiero hacer una película independiente. Quiero seguir buscando proyectos distintos siempre.

¿De dónde te viene el gusto por la actuación?

Yo creo que de Nancy, la mamá de mi mamá. Era de California pero se sentía más mexicana que estadounidense. Ella era una excelente actriz y cantante, creo que de ahí viene mi gusto por la actuación. Era una mujer hermosa, un ángel, todos los que la conocían, la amaban.

Sabemos que eres vocero de Mex I Can, una fundación que apoya a los migrantes que viven en Estados Unidos…

Sí, la mayoría vive en condiciones muy feas. Ayudar es lo mínimo que podemos hacer. Esto lo hacía antes de que estuviera metido en la actuación. Así me criaron. Mi familia siempre ha apoyado también a la gente, es la forma en la que crecí.

Tú que estás lejos, ¿qué piensas de la situación actual de México?

La mayoría de la gente mexicana es gente buena. Desafortunadamente, mucha de la gente que tiene el poder, no. Yo no vivo acá, pero mi familia sí. Lo primero es que todos tenemos que adoptar nuestra mejor actitud para generar los cambios que necesita el país. Si todos nos ponemos negativos, nunca vamos a arreglar nada. Siempre hay que ser positivos y luchar por lo que queremos. Odio muchas cosas de México, pero son más las cosas de México que amo.

Hay más cosas bonitas que feas, lo que pasa es que en las noticias solo pasan las feas. Quiero me mi hija crezca así como crecí yo, con toda la libertad, respetando a la gente, siendo amable y pensando siempre positivo.

Nunca voy a dejar de venir a México, pero yo soy un gitano. Mi pareja es argentina-italiana, es actriz y cantante de ópera. Hizo toda su carrera en Italia, así que vamos dos veces al año por lo menos, y su familia vive en Argentina. Pasamos temporadas en diferentes lugares. Mi hija tendrá que aprender español, inglés, italiano. Los niños aprenden muy rápido.

¿Qué sigue?

Seguir encontrando papeles que me emocionen y me hagan superarme. Quiero ver hasta dónde puedo llegar como actor. Acabo de estar con un productor italiano y me ofrecieron un proyecto muy interesante. También me invitaron a dirigir un corto. Nunca he dirigido y me encanta la idea. Me rodearé de gente chingona para que me guíe.

AMBULANTE

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Bienvenida la fiesta de documentales nómadas.

Deshacerse de guiones actores, adornos, efectos y grandes montajes, fue una de las ideas que, allá por los años 20, inspiró a Dziga Vértov para crear las primeras manifestaciones del cine documental. El cineasta soviético decidió revolucionar el formato convencional de los carretes, creando un movimiento, tanto artístico como filosófico, llamado El Cine-ojo. Éste buscaba mostrar una realidad desnuda, traduciendo, a través de una lente, una verdad profunda, que trascendiera las capacidades preceptuales ordinarias del sentido ocular.

BOOK2La cuestión es que la objetividad en el cine, por más que tome la realidad como materia prima, es casi imposible de lograr, ya que el observador, ese personaje que está detrás de la cámara, es finalmente quien construye dicha realidad.

Este nuevo rol del director como testigo comprometido fue desarrollado por un gran personaje del cine francés, un excéntrico poeta en el sentido más amplio de la palabra, llamado Chris Marker, quien evolucionó en la década de los 50 el género documental, convirtiéndolo en un medio subjetivo para dar cuenta del mundo, de la realidad. Y así, siendo un contador de historias, un cronista visual o un narrador de anécdotas, le dio vida y riqueza a uno de los géneros cinematográficos más bellos y más impactantes, un género dotado con una capacidad mucho más fina y contundente de conectar con el espectador. Al final, lo que llega a las grandes pantallas son historias íntimas construidas desde lo real, historias cercanas y palpables, sucesos, circunstancias o personajes llenos de la vida y de la magia que se respiran en lo cotidiano.

Desafortunadamente, y a pesar de la indiscutible riqueza del género, poca es la oferta de documentales en la cartelera comercial, que más bien concentra tramas domingueras para distraernos de nuestras pequeñas y grandes tragedias, y de las pequeñas y grandes tragedias del mundo que compartimos.

Para suerte de aquellos que buscan algo más que la trillada historia del guapo y la barbie, el 12 de abril se estacionará en los cines de la ciudad la gira de documentales Ambulante, que como en sus pasadas ediciones, reúne una interesante selección de cine documental: joyas que difícilmente podremos apreciar después del día 18, cuando este ciclo nómada emigre a otra ciudad.

8554430883_4c2966c3fe_hInspirándose en el espíritu de liberación surgido en el mundo en el último año, y en esa energía creativa que transforma tanto las estructuras geopolíticas como los aspectos más personales de los individuos, Ambulante compone la programación de su octava edición en torno a la trascendencia de las limitaciones sociales y personales, a la búsqueda de la transformación y la libertad, eligiendo documentales que cuentan historias íntimas y que son, según cuenta la directora Elena Fortes, vías más efectivas para develar el misterioso terreno de la naturaleza humana.

Ambulante también propone una extensión en las posibilidades del género incluyendo manifestaciones culturales como el teatro y el performance, y ofrece actividades alternas a la programación de los documentales. Si bien se ha distinguido por una personalidad fresca y juvenil, Ambulante no excluye a nadie, por el contrario, invita a todos esos espectadores ávidos de enriquecerse con filmes que ofrecen una experiencia más profunda, que buscan transformar los paradigmas, los lugares comunes y despertar un sentido más humano: esa urgencia que tiene el mundo por sentir más vivos a sus habitantes.

Dentro de estas actividades están las pláticas con expertos. “El arte de transmedia”, impartida por Sean Farnel, aborda las nuevas posibilidades de contar historias (abril 15, 16:00 horas, Cineforo). Por su parte, “Contando historias en la era digital” quedará a cargo de Grace Quintanilla y Karla Jasso (abril 15, 19:00 horas, CAAV). Habrá también un performance de cine en vivo: The Kissinger Twins, una narración interactiva con música de Sonic Youth, donde participan Dawid Marcinkowski y Kasia Kifert (abril 17, 20:00 horas, Estudio TRES23).

El ciclo Ambulante se divide en 12 secciones. Enfoque se caracteriza por una cinematografía introspectiva, mientras que Injerto está dedicada al legado del Cinema 16, una sociedad fílmica que cambió el curso del cine independiente. Ambulante Más Allá exhibe 10 proyectos de jóvenes realizadores, Ambulantito es para los más pequeños y Sonidero compila trabajos donde la música es protagonista. Dictatator´s Cut ofrece cintas que tocan temas de derechos humanos, Observatorio plantea formas alternativas de plasmar la realidad, Pulsos compila las producciones mexicanas más recientes y Reflector muestra los trabajos más aplaudidos por el público.

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En los Imperdibles están los mejores documentales: en esta edición se exhiben Marley, una biografía completa del músico y profeta rastafari Bob Marley, dirigida por Kevin Macdonald, y La revolución de los alcatraces, que cuenta la lucha de Eufrosina Cruz Mendoza por alcanzar la igualdad de género en comunidades indígenas del estado de Oaxaca. Por último, Reflexión es una sección enfocada a generar cuestionamientos críticos sobre temas de medio ambiente, educación, arte y cultura, entre otros.

Las opciones son vastas, y para todo tipo de gustos. Es cuestión de asomarse al programa y elegir las pantallas, o mejor dicho, lo que se proyecta en ellas, como si fueran una ventana, o una lupa, hacia el mundo que nos rodea, hacia todas esas personas que hacen una diferencia, todos esos lugares misteriosos escondidos en el fin del mundo, los viajes de los curiosos o esos movimientos sociales que han propuesto la libertad como un medio para la evolución.

Asómate al catálogo y vive la experiencia que ofrecen los títulos proyectados en esta fiesta nómada de cine documental: Ambulante.
Descarga el programa en http://ambulante.com.mx/

JORGE MEDINA

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Jorge vive en Guadalajara, en el blanco sobre blanco de una habitación que, paradójicamente, existe sobre todo como elemento visual. Es practicante esporádico de la palabra, en una vertiente individual del miniaturismo y la enumeración como bien puede leerse en jotchandhisblog.blogspot.mx.

Cursó la carrera de Diseño Gráfico en la Universidad de Guadalajara y trabaja para el Canal 44 de la misma casa de estudios. Además, a partir de este número (afortunada coincidencia), se encarga del arte y el diseño en la revista Cream Sus ilustraciones han aparecido en diversas revistas de circulación nacional. En el cine él encuentra su mayor afición y el origen esencial de sus planteamientos creativos.

Es lógico, por lo tanto, que su propuesta de imagen para la edición 2013 de Premio Maguey se desprenda de la narrativa cinematográfica. El planteamiento visual puede someterse a una multiplicidad de lecturas: entre ellas, la no-identidad (los rostros que, en tanto anónimos, son capaces de pertenecer a cualquiera), la imposibilidad y la dualidad entre lo rígido y lo endeble: esa faceta de la masculinidad cuyo carácter implícitamente vulnerable resulta en un desencuentro colectivo de proporciones más bien íntimas.

Belinda Lorenzana

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Intentamos perfilar y descubrir a Jorge Medina, creador del cartel para la edición 2013 de premio maguey, en relación con el séptimo arte, delinear su condición de cinéfilo. El artista revela sus pasiones, aficiones y perversiones relacionadas con el cine.

P: ¿Cuál fue tu primer encuentro consciente y significativo en torno a la cinematografía?
JM: Acaso con Magnolia de P. T. Anderson. Ya llevaba yo un par de años tratando de comerme (con experiencias sumamente reveladoras y entrañables) todo el cine que no había visto durante 15 años de mi vida. Sin embargo, fue hasta toparme con ésta que descubrí los efectos que el cine era capaz de producirme. En ese momento recuerdo que alcancé el nivel más alto nivel de conmoción estética en mi historia. Por primera vez entendí que, algunas veces, absolutamente todo tiene sentido durante 2 horas.

P: ¿Qué características fílmicas te seducen?
JM: En primerísima instancia, el guión. Estoy absolutamente del lado de los que creen que, sin un texto poderoso, el resto de las herramientas del cine pierden casi por completo su razón de ser. Si existe un guión eficiente, la construcción de los personajes y la narrativa visual son capaces de desarmarme, esencialmente.

P: ¿Qué características fílmicas repudias?
JM: La austeridad a toda costa, el naturalismo desmedido (tan típico del cine nórdico contemporáneo), el ritmo excesivamente lento, la pretensión.

P:¿Cómo defines tu personalidad cinematográfica?
Enferma, cursi y –acaso– silente.

P: ¿Director favorito y su película?
Si se lo preguntas a mi lado sensato y objetivo, diría que Oldboy de Chan-Wook Park; si el que contestara fuera mi yo más ingenuo y visceral, tendría que hablar de The Princess and the Warrior y Heaven, de Tom Tykwer.
P: ¿Actores o actrices?
JM: Mmm… endebles y humanos, ¿may I?

P: ¿Personaje favorito?
JM: Una tremenda cantidad de ellos. Los más recientes, el conductor sin nombre en Drive (Ryan Gosling) y Ali, de De rouille et d’os, de Jacques Audiard.

P: ¿Momento fílmico?
El final de Heaven, la lluvia de sapos en Magnolia, las secuencias inicial y final en De rouille et d’os, el encuentro en el elevador en Drive (soy un tramposo, lo sé).

LA MUESTRA DE CINE DE GUADALAJARA EN LOS ÁNGELES


La Muestra de Cine Guadalajara presentada en su primera edición en Los Ángeles, California, es un interesante experimento que pretende, mediante la cinematografía, estrechar estos puentes culturales entre una comunidad que lucha permanentemente por defender, recuperar y mantener su identidad, misma que les brinda el cine.

Hollywood representa el corazón del cine internacional, al hablar de él vienen a nuestra mente súper producciones, películas espectaculares, grandes estudios cinematográficos, celebridades, productores, directores, alfombras rojas, glamour, algo que sin duda contrasta de manera radical con una realidad multicultural y diversa que se encuentra viva y pulsante en dicha ciudad. Los Ángeles pose una comunidad Latina que radica al sur de la misma, conformada por más de 12 millones de personas, de los cuales aproximadamente 10 millones son mexicanos, siendo un número muy importante, originarios del estado de Jalisco. Los Ángeles es sinónimo de diversidad “La ciudad de los ilegales”, una ciudad que pose movimientos culturales y artísticos fascinantes, diversos, únicamente imaginables y existentes en un territorio con estas características. Prueba de esto es, por ejemplo, el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, popularmente conocido como el LACMA, por sus siglas en inglés. Zonas como Downtown, Melrose, Santa Mónica, Venice Beach, por mencionar algunos, y, en general, muchos lugares fascinantes, multiculturales, dignos representantes del American Dream y pruebas fehacientes de esta sinergia única, digna para ser retratada por un lente cinematográfico.

El denominado séptimo arte que ha permitido al ser humano expresarse vívidamente y sentirse identificado en sus más íntimas pasiones, anhelos y vivencias. A través de él hemos sido testigos del paso del tiempo, de la evolución y de los cambios en nuestro mundo; nos ha permitido viajar al futuro, revivir el pasado y deconstruir el presente, ha sido también un medio de expresión íntimo, el cual habla, proyecta y refleja distintas problemáticas y situaciones que afectan al ser humano de todos los tiempos.

La comunidad hispana es una población necesitada de estímulos artísticos y culturales que le permitan conocer o redescubrir sus orígenes y, por medio de éstos, reconocer su identidad, congruente con su pasado, presente y futuro. Por un esfuerzo de La Fundación Universidad Guadalajara, EUA, y el Festival Internacional de Cine en Guadalajara (FICG), se unen esfuerzos y es así como presentan este fascinante encuentro cinematográfico. Un programa colmado de expresiones interrelacionadas con el cine que promueve nuestra cultura a través del celuloide, una cultura iberoamericana hermanada. Tres días de cine y conferencias que celebraron una magnífica variedad de cintas que incluyeron cine de ficción, cine infantil y cine documental procedente de lo mejor de la industria fílmica hispanoamericana. Un atractivo panorama que nos brindó lo mejor de la producción mexicana e iberoamericana, y que permitió a la pluralidad de públicos de esta metrópoli, tanto comunidad latina y de cinéfilos de distintos orígenes y lenguas, acceder a filmes que han recibido el reconocimiento de jurados, críticos, y diferentes públicos seducidos por su viaje en los distintos festivales internacionales del mundo y el cine.

La Muestra de Cine Guadalajara en esta primera edición rindió tributo a tres personajes destacados cuya trayectoria resulta un ejemplo claro de compromiso, pasión y arte: Alfonso Arau, El Topo (1970), Como Agua Para Chocolate (1992), A Walk in the Clouds (1992), Picking Up The pieces (2000) con Woody Allen, por mencionar algunos. Jorge Cámara, uno de los periodistas mas respetados de Hollywood, Vicepresidente de Hollywood Foreign Press Association; y a la memoria de la actriz Lupe Ontiveros The Gonnies (1985), As Good as I gets (1997), The Brave (1997) Selena (1997), Picking Up The pieces (2000), etc. Cada uno de ellos rompió barreras con su trabajo y transformo la historia del cine y de esta comunidad latina asentada en Estados Unidos.

Entre lo más destacado de este encuentro pudimos deleitar la mente y el espíritu con documentales de extraordinaria ejecución como Cuates de Australia (2011) de Everardo González, La Maquina loca de Emilio Maille, una película que penetra en el imaginario construido por el cinematógrafo mexicano Gabriel Figueroa, Inocente un documental íntimo sobre la vida de una joven artista y su constante lucha con su entorno. Largometrajes de ficción como Abrir puertas y ventanas (2011), Fecha de caducidad (2011), Espacio Interior (2011), Juan de los muertos (2011), Colosio, El Asesinato (2012) y la Gala Inaugural con Mariachi Gringo. En general, un escaparate iberoamericano diverso en contenido y forma, generador de un maravilloso encuentro cinematográfico proyectado justo en el corazón de La Meca del cine.