FERNANDO LEBRIJA

Para Fernando, el cine es lo más importante en su vida. Es su pasión, hobby, trabajo, diversión, sufrimiento, locura, meta y gran sueño. Actualmente se encuentra filmando en Puerto Vallarta I Brake for Gringos, una comedia irreverente de dos chavos americanos que vienen a México por primera vez.

¿Cómo nació tu interés por el cine? Gracias a mi padre, quien me llevaba al cine desde muy chico. Yo era su partner viendo películas, series de TV y todo lo audiovisual. Y también gracias al apoyo que siempre me dio mi madre.

¿Qué estudiaste? Comunicación y Fotografía. Después hice una maestría de Producción de Cine en el AFI, en Los Ángeles, también hice un año de estudios de Guionismo en UCLA, cursos de Dirección en USC y cursos de Dirección de Actores con Judith Weston.

Platícanos de tu Coqueteando con la muerte. Fue el cortometraje que hice como tesis en la maestría en el AFI. Después de cinco años, lo convertí en una serie de televisión que estoy a punto de hacer. Es una comedia oscura con una visión cómica y muy peculiar sobre lo que hay después de la muerte.

¿Cómo fueron tus inicios? Comencé en la televisión en Guadalajara, mi primer programa como director y productor fue Generación X, después hice muchos programas de TV para Televisa, MTV y Fox, durante nueve años. Al mismo tiempo me metí a hacer videos de música y comerciales. Mi inquietud por el cine nunca cesó, entonces formé mi primera compañía de producción de cine con Mantarraya producciones, pero por diferencias creativas nos separamos después de un año. Eso me hizo tomar la decisión de irme a vivir a Los Ángeles a estudiar y a prepararme para hacer cine a nivel global. Después de casi diez años empecé mi nueva compañía productora Irreversible Cinema, con la que hice Amar a Morir, ahora I Brake for Gringos y todo lo que hago hoy en día.

¿Qué es el cine para ti? Es mi vida, mi hobby, mi trabajo, mi diversión, mi sufrimiento, mi locura, mi meta, mi gran sueño.

Platícanos de tu ópera prima. Amar a morir fue una experiencia muy padre, dura, pero de mucho aprendizaje, mucha determinación y mucha garra. Fue difícil hacerla, pero fue el proyecto que me dio seguridad para seguir adelante y aferrado en este negocio tan complejo que es el cine. Fue un proyecto que me prometí terminar pasara lo que pasara, ya que se lo dediqué a la memoria de mi padre. Fueron cinco años de empujar y de lucha constante, pero con un final muy feliz. Fue el proyecto que me puso en el mapa ante la industria, a pesar de que ya tenía más de quince años de experiencia en los medios audiovisuales. Digamos que Amar a morir fue el inicio de mi carrera como director de cine.

¿Cuál de los proyectos en los que has trabajado ha sido el más interesante? Todos, cada proyecto es muy distinto de los demás. La belleza de hacer lo que hago es que nunca me aburro, cada proyecto es un reto nuevo y diferente.

¿De qué trata I Brake for Gringos? Es una comedia irreverente, con algo de drama, de dos chavos americanos que vienen a México por primera vez, a perseguir a la mujer de sus sueños al Spring Break de Puerto Vallarta. Cuando llegan las cosas cambian de dirección y se sumergen en una aventura llena de matices y contrastes que jamás hubieran imaginado. Esta experiencia les cambia la vida y los ayuda a pasar de adolescentes a adultos. Va dirigida a todos los jóvenes del mundo.

Nos puedes contar alguna anécdota de algo que les ha pasado en el rodaje? Hay muchas, pero te platico una reciente. En una secuencia de acción de persecución de coches, necesitábamos más coches para ponerlos en la calle como obstáculos, por lo tanto presté el mío a un stunt driver. Cuando empezó la escena, me subí a operar una de las cámaras a una patrulla donde se llevaba a cabo la acción. Íbamos a toda velocidad persiguiendo al coche que llevaba a los actores. En el trayecto el stunt que manejaba mi coche no midió bien, y se nos estrelló de frente. Así que, como quien dice, filmé mi coche chocándome, sin manejarlo yo. No me pasó nada, y seguimos rodando.

¿Cuáles son las dificultades a las que te has enfrentado en la producción de cine? Ha habido muchísimas: cambios de clima; conseguir fondos es un de los retos más grandes de este medio, mantener el presupuesto, sacar las escenas en el tiempo que te propones, mantenerte fuerte por más de tres meses sin parpadear, controlar a 500 extras, etcétera.

¿Qué opinas de la violencia que se vive actualmente en nuestro país? Es una realidad, aunque siempre ha existido, pero ahora, debido a la guerra mediática, nos enteramos de más cosas que antes. Se debe a los malos políticos que tenemos, roban, y la mayoría son muy corruptos. Eso le deja menos opciones de empleos al pueblo, y las personas se vuelven criminales para sacar dinerito para sobrevivir. Esto se ha convertido en un cáncer que cada vez se propaga más y más. Sucede también por la baja educación y cultura que hay, gracias a nuestros políticos corruptos que no saben manejar el país, más que para su propia cosecha.

Muchas de las películas mexicanas que se han estrenado en los últimos años retratan de manera muy cruda y real la situación de violencia y crimen. Tú mismo lo hiciste en tu película Amar a morir. ¿I Brake for Gringos también refleja eso? No, I Brake for Gringos no es violenta, todo lo contrario. Retrata a un México muy distinto al que habla de la violencia. Retrata a un Puerto Vallarta en su máximo esplendor.

¿A cuáles directores admiras? Hay muchos, David Fincher, Sergio Leone, Coppola, Christopher Nolan…

¿Con quién te gustaría trabajar? Con muchos actores como Daniel Day Lewis, George Clooney, Robert Downey Jr., Joaquín Cosío, Monica Belucci, etcétera.

¿Qué te gusta hacer en tu tiempo libre? Viajar, más que nada. Ir la cine, hacer deportes, buscar nuevas aventuras y experiencias de vida.

¿Cuáles son tus cinco lugares favoritos en Guadalajara? Mi casa, La Primavera, El Rusty Trombone, El Café Barra Café y Anita Li.

www.irreversiblecinema.com

JORGE GARCÍA

Platicamos con Jorge, un talentoso tapatío que ha trabajado como consultor de efectos especiales en películas como Tron, Alicia en el País de las Maravillas y Piratas del Caribe, entre muchas otras.

 ¿Actualmente en dónde vives y qué haces? Vivo en Los Ángeles y soy productor y consultor de efectos especiales.

¿Qué estudiaste? Administración de Empresas en el TEC y una maestría en Finanzas en Harvard.

¿Cuál fue tu primer trabajo cuando terminaste de estudiar? Trabajé como consultor de procesos en PricewaterhouseCoopers, para empresas de la industria del entretenimiento. Después fui consultor en Sony, en la película de Hancock con Will Smith. Trabajé en un proyecto sobre cómo mejorar los procesos para ser más eficientes en la producción de películas. De ahí, Disney me llamó para trabajar en el estudio con ellos. Me enfoqué en los efectos especiales; me convertí en consultor interno sobre el tema.

La primera película en la que trabajé fue Tron, tuvimos como mil novecientos efectos especiales, y nos ahorramos 27 millones de dólares gracias al proceso que implementé. A partir de ahí fui consultor de efectos especiales en todas las películas grandes de Disney. Trabajé en Piratas del Caribe, John Carter, Alicia en el País de las Maravillas y Timothy Green, entre otras.

 ¿En qué consistía tu trabajo en Disney? En ver cómo se podían hacer los efectos especiales de una manera más eficiente, menos costosa, controlando las decisiones creativas. Siempre los directores y productores piden todo, y mi trabajo consistía en decir qué sí y qué no.

Normalmente los estudios les dan gusto a los directores. De repente me tocaba ser el malo y decir no, sin que el estudio tuviera problemas.

¿Qué fue lo que más te gustó de trabajar en una empresa como Disney? Que tienes acceso a todo el talento del mundo. En una película trabajas con Tim Burton o Andrew Stanton. Los mejores directores y los mejores creativos están ahí. Aprendes mucho estando en el set, en las juntas. El talento que existe en esos estudios es increíble.

Cuéntanos de alguien a quien te haya gustado conocer. Tim Burton se me hizo una persona súper interesante; yo no sabía que era tan artístico. Él hace todos sus diseños, sus personajes, sus vestuarios. Estábamos en una junta y estaba dibujando… muy impresionante. Me encantó conocer a Andrew Stanton, y fue muy interesante también conocer a Oliver Stone.

 ¿Por qué dejaste Disney? Trabajé en Disney tres años y me salí para ser productor independiente y consultor de efectos especiales para una película que se llama Paradise Lost.

Cuando estaba en Disney le vendimos un proyecto a Disney Latinoamérica que se llama Sin Ella, con Jorge Colon. Yo produje el film y lo presentamos en México en el 2010, con distribución en 400 salas. De ahí se me presentaron muchas oportunidades para producir. Hice también Enders Game, con Harrison Ford, que ya está en producción. Después Televisa me contrató para producir el Teletón, en diciembre.

¿En qué estás trabajando actualmente? Acabamos de hacer un concepto visual para Fox para la nueva versión de El Zorro con Gael García Bernal, en la cual yo sería consultor de efectos especiales.

Nuestra productora se llama Punch Media, tenemos tres proyectos de producción que estamos desarrollando. Uno es Alien Abduction, otro es Die Like a Man, una película más bien de arte, de un niño blanco que quiere ser miembro de un gang en Los Ángeles. Es de un director y escritor súper talentoso que ganó el Nichols, un premio que da la Academia a los escritores que no han producido. Yo lo quiero apoyar porque sé que le va a ir muy bien.

También tenemos otra película como consultores de efectos especiales que se llama Aztec Warrior; en junio empezamos la producción, y una comedia que se llama The Last Man on Earth, de un hombre al que no le hace caso la mujer que le gusta, y un día por fin se anima y ella le dice “ni aunque fueras el último hombre en el mundo”. Entonces él desea ser el último hombre en el mundo, y cuando se despierta lo es. Y un proyecto que se llama Continue, de unos agentes que viajan al pasado y al futuro. Me encantaría tener a Christopher Nolan en ese proyecto.

¿Qué hace un consultor de efectos especiales? A mí me dan un guión, lo leo y tengo que hacer un breakdown, en el cual señale en dónde hay efectos especiales y cuánto costaría hacerlos. Después cotizo con las casas dedicadas a realizarlos. Les entrego un presupuesto a los productores y les doy mi imput creativo sobre cómo podríamos planearlo de una manera mejor para ahorrar dinero y cuáles serían las casas ideales para hacer los efectos.

¿Qué es el cine para ti? Es una vía de comunicación en donde puedes compartir una historia, una visión, con millones de personas.

¿Tu director favorito? Christopher Nolan y Nicolas Winding Refn. Son unos súper directores; me encantaría trabajar con ellos.

¿Cuáles son tus películas favoritas? Qué difícil, pero Back to the Future es mi máximo de película. Las películas de Martin Scorcesse, The God Father.

¿Cuál sería tu proyecto ideal si el presupuesto no fuera un problema? Si es una película de acción para toda la familia, sería con Johnny Depp.

¿Cuál ha sido tu proyecto favorito? Tron, porque fue el primero y aprendí mucho.

¿Qué te gusta hacer en tu tiempo libre? Estar con mis hijos y mi familia, ir al cine. Me gusta hacer deporte, nadar y esquiar en nieve.

¿Qué es lo que más extrañas de Guadalajara? La familia y los amigos.

 

 

 

 

 

 

RETROSPECTIVA MIKE LEIGH

El país invitado del FICG27 es el Reino Unido. El cine británico ha jugado un papel muy significativo en los festivales y ceremonias de premios del mundo, frente y detrás de cámara. Sus actores, directores, productores, escritores son reconocidos internacionalmente por su visión única.

Dentro del programa del Reino Unido, se llevará a cabo una retrospectiva de Mike Leigh, a través de nueve de sus películas. El escritor y director estará presente en el festival, en donde el público tendrá oportunidad de interactuar con él en sesiones de preguntas y respuestas, y donde comentará sobre algunas de sus obras.

Leigh nació en 1943 en Salford. Estudió en Royal Academy of Dramatic Art, Camberwell Art School, The Central School of Art and Design, y en London International Film School, de donde es ahora Presidente del Consejo.

Una vez concluidos sus estudios permaneció al margen del teatro tradicional y se sumergió en talleres teatrales que le permitieron desarrollar el método para escribir que lo ha caracterizado durante toda su carrera. Leigh reunía a un grupo de actores y los dejaba improvisar con mínima dirección de su parte. Después trabajaba con las actuaciones que, a su parecer, tenían mejores resultados, para convertirlas en el guión de su obra. Continuamente regresaba a las improvisaciones de la manera más orgánica posible para seguir desarrollando el guión, hasta que lo consideraba terminado.

Su primera película fue Bleak Moments, la cual fue seguida por las películas para televisión, Hard Labour, Nuts in May, The Kiss of Death, Who’s Who, Grown-Ups, Home Sweet Home, Meantime y Four Days in July.

Otros de sus filmes incluyen Naked (Cannes: Mejor Director y Mejor Actor), Secrets and Lies (Cannes: Palma de Oro y Mejor actriz y cuatro nominaciones al Oscar), Topsy-Turvy (dos nominaciones al Oscar), All Or Nothing y Vera Drake.

 

Bleak Moments

Momentos de la existencia sombría de una secretaria, su hermana enferma, un distante novio, vecino extraño e irritante colega de trabajo.

Director: Mike Leigh
Elenco: Anne Raitt, Sarah Stephenson y Eric Allan

Life is sweet

Justo al norte de Londres vive Wendy, su esposo Andy, y sus gemelos de veintitantos, Natalie y Nicola. Cómo interactúan y cómo viven conflictos y amor es el tema principal de la película.

Director: Mike Leigh
Elenco: Alison Steadman, Jim Broadbent y Claire Skinner

Naked

Johnny huye a Manchester de Londres, para evitar ser golpeado por la familia de una joven a la que violó. Ahí se reencuentra con una ex novia con quien pasa tiempo sin hogar, dedicando la mayor parte de su tiempo a molestar a extraños y a relacionarse con personajes que viven como él.

Director: Mike Leigh
Elenco: David Thewlis, Lesley Sharp y Katrin Cartlidge

Secretos y mentiras

Una mujer negra rastrea a su madre biológica, una mujer blanca que lo niega. Las emociones se desbordan cuando los secretos de todos son expuestos.

Director: Mike Leigh
Elenco: Timothy Spall, Brenda Blethyn and Phyllis Logan

Sueños y realidad (Career girls)

Dos jóvenes mujeres se reúnen y retoman su amistad después de haberse despedido en su graduación de la universidad, seis años atrás.
Director: Mike Leigh

Elenco: Katrin CartlidgeLynda Steadman y Kate Byers

Topsy-Turvy

Después de que la obra de Gilbert y Sullivan es criticada, el frustrado equipo amenaza con disolverse hasta que son inspirados a escribir su obra maestra El Mikado.
Director: Mike Leigh
Elenco: Jim Broadbent, Allan Corduner y Dexter Fletcher

Vera Drake

Drama que cuenta la historia de una mujer de la clase trabajadora que realiza abortos ilegales, una situación que lleva a una tragedia en su familia.
Director: Mike Leigh
Elenco: Sally Hawkins, Alexis Zegerman y Samuel Roukin

La dulce vida (Happy-Go-Lucky)

Una mirada a algunos capítulos de la feliz y colorida vida de Poppy, una maestra del Norte de Londres cuyo optimismo tiende a exasperar a aquellos que la rodean.
Director: Mike Leigh
Elenco: Sally Hawkins, Alexis Zegerman y Samuel Roukin

KALMAN MULLER

Kalman es un talentoso cineasta que vive en San Francisco, California. Trabaja en American Zoetrope, la productora de uno de los directores más importantes del mundo, Francis Ford Coppola, haciendo fotografía y documentales.

¿Cómo nació tu interés por el cine? A través de la fotografía. Mi papá es fotógrafo y mi tío cineasta, así que desde niño me interesó.

¿Qué es el cine para ti? Es un medio artístico relativamente nuevo y único, porque une una combinación de artes (literatura, fotografía, actuación, música, escenografía, edición, etc.) para comunicar una historia, un cuento, un sentimiento, una preocupación, una pasión.

¿Qué estudiaste? Antropología Visual.

¿Cuál de los proyectos en los que has trabajado ha sido el más interesante? Los Kamoro y Twixt.

Platícanos de The Kamoro. Son un grupo étnico de alrededor de 18 mil personas que vive en la costa sur de Papua Occidental, en la isla de La Nueva Guinea en Indonesia. Son semi-nómadas, en el sentido que tienen sus casas en aldeas, pero también pasan mucho tiempo en campamentos recolectando alimentos. Esto los hace uno de los pocos grupos en el mundo que aun sobreviven de la caza-recolección. Mi papa ha vivido en Indonesia desde principios de los 70 y ha trabajado con los Kamoro desde hace más de 10 años. Decidimos colaborar y hacer un documental sobre ellos. Fui en dos ocasiones a filmar varios aspectos de su vida cotidiana y de regreso en San Francisco hice edición y post-producción.

¿Cómo llegaste a Zoetrope, la productora de Francis Ford Coppola? De chiripa, a través de un amigo de la universidad que trabajaba en la recepción.

¿Cuál ha sido la enseñanza más grande que te ha dado trabajar en una productora tan importante? He aprendido mucho sobre producción de cine desde que comencé en 2003. Zoetrope tiene una historia de independencia de Hollywood, así que no es como trabajar en un estudio en Los Ángeles. Francis Ford Coppola tiene a Zoetrope desde 1969 y siempre esta trabajando en algún proyecto. Frecuentemente estamos en etapas de pre-producción, producción, post-producción, o en los archivos, en donde preparamos ediciones para DVD y ahora para Blu-ray. En los últimos años he aprendido mucho sobre edición y post-producción.

¿Cuáles han sido algunas de las producciones en las que has estado involucrado en Zoetrope? Youth Without Youth (2007), Tetro (2009) y Twixt (2011).

En Twixt estuviste encargado de la fotografía del set. ¿Te gustó la experiencia? Fue la primera vez que hacia fotografía de set y ¡me gustó muchísimo! Por un lado tenía la responsabilidad de documentar la historia del rodaje, pero también tenía que tomar fotos de cada escena así como lo hacia la cámara principal. Me tuve que acostumbrar a utilizar una especie de caja silenciadora que le llamábamos ‘blimp’ para poder tomar fotos sin que se escuchara el click de la cámara.

¿Qué nos puedes platicar de Francis Ford Coppola? No conozco a nadie que trabaje con tanta pasión como el. Es innovador, amable y le encantan los niños. Es muy musical, a veces en medio de una conversación empieza a cantar a capela algún musical de Broadway. Le fascina la tecnología, no se separa de su iPhone, y a sus 72 años podría competir con adolecentes mandando mensajes en textos. Pero a la vez le gusta la tradición, los buenos vinos, las antigüedades, colecciona libros, así que siento que vive su vida con un buen equilibrio, sin olvidar lo rescatable del pasado y curioso de todo lo nuevo que el futuro trae.

¿Tienes alguna anécdota de alguna producción en la que has trabajado? Recientemente en Twixt, donde hice fotografía fija de set, hubo una escena con mucha sangre en 3D. Tuve que cortar un par de bolsas grandes de basura y me hice un poncho de protección. La cámara de 3D estaba operada por control remoto así que los únicos expuestos éramos el personaje principal, Val Kilmer, y yo. Fue una escena un poco complicada y solo teníamos oportunidad de hacer dos tomas, una de practica y luego la buena. La escena era muy breve y dramática, si a caso 2 o 3 segundos. Francis grito “action” hubo una explosión de sangre y luego “cut, good, print it” y Val y yo salimos bañados en sangre (hecho de detergente y colorante rojo).

¿Qué lugar tiene la fotografía en tu vida? Un lugar Central. Desde niño crecí viendo audiovisuales y hasta la fecha es como mejor me comunico.

¿Con quién te gustaría trabajar en un futuro? Me justa mucho trabajar con grupos indígenas y con la naturaleza.

Cuéntanos de tus más recientes proyectos personales. El año pasado me obsesione sacando fotos de halcones, tuve una exposición, hice un librito y un video. Estoy por terminar dos cortos sobre aspectos más particulares de los Kamoro, su arte y su religión. También estoy por acabar un documental sobre la Casa Huichol en Guadalajara. Ah, y otro corto que se llama ‘Afrodisiaco’.

¿Algunos directores que admiras? Uy, hay muchos, entre ellos, Buñuel, Kubrik, Godard, Herzog, Almodóvar, del Toro, Cuarón, los hermanos Coen, Spielberg, Lucas, Scorsese, Hitchcock, Chaplin, Eisenstein, Kurosawa, y claro, Coppola (Sofía y Francis).

¿Qué es lo que más te apasiona? Documentar, trabajar detrás de una cámara.

¿Qué te gusta hacer en tu tiempo libre? Ver fútbol, leer y dibujar.

¿Extrañas Guadalajara? Si mucho, a mi familia, a mis amigos, y a las chivas!

¿Qué sigue? En lo personal, tengo que terminar algunos cortos. Y en Zoetrope, a ver que se saca Coppola de la manga.

Links en donde pueden ver tu trabajo:
Twixt http://www.twixtmovie.com/

The Kamoro http://vimeo.com/27880071

The Diamond Lane http://vimeo.com/28158385

Casa Huichol http://www.youtube.com/watch?v=lKcDN0iyY54

Filmografía:
Para American Zoetrope:
2011 Francis F. Coppola’s Twixt
2011 Francis F. Coppola’s The Conversation(Blu-ray)
2009 Francis F. Coppola’s Tetro
2007 Francis F. Coppola’s Youth Without Youth

Documentales Personales:
2011 The Kamoro: Art & Religion
2011 Casa Huichol
2009 The Kamoro
2007 La Fiesta de San Andrés
2006 The Diamond Lane
2005-11 Afrodisíaco

DALIA HUERTA CANO

Dalia es una fotógrafa que posee el gusto de explorar y hablar a través de la cámara. Le apasiona lo que hace, le cautiva coleccionar imágenes en su trabajo y tomarse el tiempo para estar lo suficientemente cerca. Experimenta con video y cine, fotografía, dirección y edición.

¿Cómo nació tu interés por el cine? No sé, siento como si siempre estuvo ahí. Supongo que desde chiquita usando la cámara de video Beta que traía mi papá a veces de su oficina, me gustaba hacer historias con los perros y los grababa. Después cuando compraron una cámara en mi casa la llevaba escondida a la escuela y grababa cosas.

¿Qué es el cine para ti? Una herramienta capaz de torcerte las tripas.

¿Qué estudiaste? Tengo una formación variada. Hice varios cursos y talleres de cine y video y un diplomado en la UdeG, un par de cursos en el CAAV, uno en la EICTV en San Antonio de los Baños, en Cuba, uno en Oaxaca, en el Centro Fotográfico Álvarez Bravo, otro en el Laboratorio Arte Alameda en DF, y estudié Ciencias de la Comunicación en el ITESO con un intercambio a la Universidad de Utrecht en Holanda.

¿Qué es lo que más te apasiona? Fotografiar. Me encanta escuchar el sonido de la cámara de cine filmando cerca de mi oído. Me encanta ver los resultados de algo a lo que le he puesto mucho esfuerzo proyectado, terminado. Hacer lo que hago, puede parecer que soy adicta al trabajo, pero soy adicta a hacer lo que me gusta.

¿Cuál de los proyectos en los que has trabajado ha sido el más interesante? Pregunta difícil. Parece que el proceso de hacer Carne que recuerda, porque me llevó a lados que no imaginé, tanto físicos, como psicológicos y sentimentales. Experimenté un año de una montaña rusa de emociones infernales.

¿Nos puedes platicar de Carne que recuerda? Es un corto documental que cuenta a través de animaciones, nueve transformaciones corporales ilustradas con testimonios e imágenes de algunos espacios que rodearon a los personajes en este período. Seguí a nueve personas por un año, la mayoría de las cuales visitaba dos o tres veces por semana para grabar una parte de su cuerpo que cambió por alguna razón (natural, estética o patológica) y platicar poco a poco su experiencia de cambio. Estas personas me abrieron las puertas a sus vidas. Estuve mucho tiempo en el Hospital Civil, acercándome a la gente en su dolor, rodeada de enfermedad, muerte y estafas. Atravesaba la ciudad de noreste a sudeste diario, y a veces hasta Ameca, llena de historias formándose poco a poco. Es un trabajo que requirió muchas vísceras, constancia y paciencia y que me ha dado los mejores momentos de mi vida.

Platícanos de tu más reciente proyecto. Es un corto que retrata una colección de objetos cuyo valor se modifica dependiendo de los códigos que define el contexto que los rodea, sea tiempo o espacio, en el cual se ordena la información de cada objeto con un sentido narrativo. Lo estoy filmando en Super 8 porque ese formato es también un objeto con un valor cambiante, por ejemplo, al costarme más caros cada cartucho de 3 minutos que la propia cámara, que encontré en un mercado de pulgas. Me ha costado trabajo usar este formato, he pasado por 5 cámaras que no han servido, lo cual me ha creado frustraciones y restado mucho dinero y tiempo, pero me ha permitido viajar y darme un tiempo para acomodar bien las ideas. Cuando encontré la última cámara sentí como me circulaba la sangre rápido y me puse a trabajar muy contenta. Ahora estoy en plena producción y todo va fluyendo muy bien, aunque sin tanto dinero ya.

¿Algunos directores que admiras? Jean-Luc Godard, Jim Jarmusch, Gaspar Noé, Philippe Grandrieux y Michael Haneke.

¿Con quién te gustaría trabajar? He encontrado gente increíble afortunadamente. Me gustan los equipos de trabajo pequeños, así todos están completamente enterados y forrados de la idea del proyecto, de tal suerte que sé exactamente con quién me gustaría seguir trabajando. Obviamente también estoy abierta a buscar o conocer nuevas personas. Conocer gente con quién haya química laboral es difícil, pero una vez que te encuentras con alguien, es estupendo.

¿Qué sigue? Primero terminar este corto en Super 8 y luego quiero filmar un corto de ficción en 16mm para lo cual espero trabajar con un guionista que me gusta mucho, pero aún faltan muchas cosas por ver.

¿Qué te gusta hacer en tu tiempo libre? Me gusta viajar sin presiones, ir a los parques, pasear con mi perro, tomarme mi tiempo, terminar de leer un libro, ver llover, comer rico, beber y disfrutar a mis amigos.

Apoyos y premios:
2007 y 2010
Beca del Programa de Estímulos Económicos para Creadores Artísticos en la categoría: Cine y Video del CECA. 2009 Doculab FICG 24, Premio de Masterización de audio en Astro Estudio a Carne que recuerda
2010 Premio a Mejor Cortometraje Documental Mexicano a Carne que recuerda en el 8vo FICM
Premio a Mejor Cortometraje Mexicano Carne que recuerda en el 5to Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México.
Premio a Mejor Cinefotografía en Cortometraje Documental a Carne que recuerda otorgado por la Asociación Mexicana de Cinematografía en Docs DF. Nominación al premio Golden Key, Carne que recuerda en Kassel Documentary Film and Video Festival en Alemania.

Filmografía:
2011 Las Cosas
2010 Alles mensen en andere ziveraar
2009 Carne que recuerda, Me gustas desde la secundaria
2007 Las veces que pienso en
2006 Pasos
2005 Naturaleza Gringa
2004 System dream zoom, Supersamples, Yo no doy besos negros

Links en donde pueden ver su trabajo:

http://2011.campermedia.com/#1045622/Supersamples

http://www.carnequerecuerda.blogspot.com/

http://2011.campermedia.com/#1044702/Carne-que-recuerda

 

LA VIDA INDEPENDIENTE

La idea de que la vida sea una película que nadie va a ver me parece fascinante, porque de la vida salen las mejores historias. El llamado cine independiente tiene esa sensación todo el tiempo. Historias simples, comunes sin necesidad de meter millones de dólares en producción, llenas de contenidos, que reflejan una parte de nuestra actual ideología y de cómo una sociedad pensante y profunda se trata de adaptar al mundo superfluo y consumista.

Las raíces del cine independiente datan de 1900, con un grupo de cineastas que se resistió a ser parte de los grandes estudios y a no dejar de exponer sus ideales tal cual eran concebidos.

Para contar una buena historia no se necesita de un presupuesto millonario, solo se requiere de una buena idea y una narrativa que entienda las necesidades de un espectador ávido de buen contenido, que a la vez lo distraiga de su propia realidad
o mejor aún lo haga ponerse en esa misma situación y deje de sentirse como un outsider.

Últimamente he tenido la sensación de que estamos viendo el regreso de un cine mucho más contemplativo como si el mismísimo Godard volviera a estar de moda, y no me refiero a todos los estrenos millonarios del verano, sino a esas películas que de repente se cuelan a la cartelera por un par de semanas y luego desaparecen como si hubieran sido un lindo sueño de verano en medio del caos. Un ejemplo claro es Somewhere de Sofia Coppola la cual explora la insatisfacción de un famoso actor de Hollywood y el hastío de esta vida sin sentido.

Esa misma necesidad de un cine contemplativo, lento, con un espacio para la reflexión revela la necesidad en el espectador de parar un momento, de detener el tiempo tomar aire y pensar si hay necesidad de hacer un nuevo plan y retomar el rumbo o tan solo aclarar las ideas.

Sin embargo dentro del cine comercial me sorprendió ver que los Óscares estuvieron llenos de películas cuyos directores y escritores apostaron por un cine más pensante y reflexivo como Social Network de David Fincher o Inception de Chris Nolan, a quien vimos jugar con nuestras mentes en Memento, y gracias a él renació la franquicia de Batman.

Ahora el ser un outsider tiene mucho más valor comercial que antes, ya que tenemos una sociedad más voraz por lo original con acceso a todo tipo de información. Lo¡ diferente, independiente, outsider o transgresista ahora parece ser parte del main stream, lo cool y el staus quo.

10 pelis indies para este verano.

  • Somewhere, Sofia Coppola
  • Submarine, Richard Ayoade
  • Mercy, Patrick Hoelck
  • The Vicious Kind, Lee Toland Krieger
  • Passenger Side, Matt Bissonnette
  • Blue Valentine, Derek Cianfrance.
  • The Freebie, Katie Aselton
  • Jack Goes Boating, Philip Seymour Hoffman
  • Shadows and Lies, Jay Anania
  • Lebanon, PA, Ben Hickenell

EDUARDO VILLANUEVA

El talentoso tapatío ha sido invitado a presentar su opera prima Viaje a Tulum en festivales en México, Alemania, Francia y Estados Unidos. Además de ser director y escritor, es arquitecto y fotógrafo.

¿Actualmente en dónde vives?
Desde hace 6 años vivo en Cómala, un pueblo muy cercano a la ciudad de Colima, a media hora del mar, un lugar maravilloso.

¿Cómo nació tu interés por el cine?
Yo no estudié cine, pero el cine siempre me había llamado la atención de alguna manera; recuerdo que a mi abuelo materno le encantaba ir al cine, iba todos los días por la tarde, aunque la película fuese repetida, le gustaba transportarse a otros mundos fuera del suyo. También recuerdo que a veces de niño, me dejaban en casa de unos tíos donde siempre, mi tío José, ya viejo, estaba frente al televisor fumando delicados y mirando películas mexicanas en blanco y negro. Pero realmente creo que mi inquietud verdadera comenzó cuando conocí aquí en México a Jodorowski y comencé a querer hacer cine para llegar a las masas, y fue así que en unas vacaciones en Tulum, hace ya 8 años, cuando caminando por la playa me llegó la inspiración y decidí aventurarme en este mundo que era totalmente desconocido para mí, el cual ha sido fascinante desde aquel día, desde la creación de una historia hasta la misma puesta en escena y todo su proceso, que para mí, el proceso de cocción es lo más interesante; no creo que pueda dejar de hacer películas jamás.

¿Qué es el cine para ti?
Para mí, filmar es ir a un encuentro, es hacer ver lo que ves, por medio de una máquina que no lo ve como tú lo ves; el cine es una forma de expresión muy personal, son cosas que uno trae adentro, es como cuando digo que, uno como artista está enfermo y que para curarse necesita expresarse desde su interior, partir de sus viseras para poder expresarse, el artista vomita desde adentro lo que lo hace ser, para intentar curarse.

¿Cuál de los proyectos en los que has trabajado ha sido el más interesante?
Hasta ahora no he hecho más que un primer largometraje, ni siquiera había hecho un video casero hasta antes de esta primera experiencia; por suerte tengo muchísimo tiempo para escribir historias y guiones cinematográficos, tengo ya dos guiones terminados, y trabajo aproximadamente en 10 guiones y tratamientos que desarrollo paralelamente, creo que cuando te llega la creatividad hay que aprovecharla, no se debe intentar pararla sino al contrario, así que hago lo más fácil, me dejo llevar por lo primero que me viene a la mente y cuando me llega una imagen y su composición, trato de ver esa forma amorfa que se empieza a crear que trato de comenzar a estructurarla, ya sea en mi mente o en mis sueños, e intento dejarme llevar junto con esa misma imagen, que se va adaptando a cierta historia en particular; yo solo sigo estas imágenes y después las trato de filmar como las visualicé, aunque siempre las cosas salen diferentes a lo que pensaste, a veces peor, a veces salen mucho mejor.

Además de dedicarte al cine eres arquitecto, escritor y fotógrafo. ¿Cómo complementas todo?
No veo otra manera de justificar mi existencia que no sea a través de la expresión artística. Para mí el arte es una necesidad, una forma de ser, de intentar expresar cierto tipo de sensaciones, de sentimientos, de complejos, anhelos, frustraciones e ideas, es una forma de contar historias que acontecen en mi mente. Trabajo en varios proyectos simultáneamente, me gusta mucho la arquitectura e intento practicarla, pero no de una manera comercial, sino artística, buscando cambiar las cosas a las que estamos acostumbrados, sobre todo los hábitos, de los que nos hemos dejado controlar y nos hemos impuesto a nosotros mismos para habitar al espacio; creo que una arquitectura como idea de habitar al espacio debe proponer nuevas maneras de expresión, de crear sentimientos y sensaciones en vez de lugares estáticos dedicados exclusivamente para cierta actividad particular.

También me gusta mucho la fotografía, creo que el cine está basado en la fotografía, el cine es luz en movimiento y para mí una buena película debe de contener una buena fotografía, los movimientos de la cámara son importantísimos en mi caso, que siempre preparo delicadamente, es donde se forma el lenguaje y la expresión, y no por que digo que debe de haber una buena fotografía me refiero a que con esto basta, a veces un conjunto de buenas imágenes puede ser detestable, el “todo” debe de entrar en una composición armónica que se irá equilibrando según se vaya adentrando; me viene a la mente una película fabulosa de los 60´s La Jeteé de Chris Marker, en donde el director experimenta con una nueva forma de presentar su historia, la composición de este film está conformada únicamente por stills fotográficos y una voz en off, aquí se recrea una historia cinematográfica muy interesante y muy atractiva, diferente a todo lo que has visto, es un buen ejemplo de que el cine aún es un arte nuevo y de que falta mucho por explorar y experimentar.

Platícanos sobre Viaje a Tulum
Yo quería hacer una película desde hace tiempo, y estaba ya casi listo económicamente para solventarla, por que nadie iba a creer en mí, así que debía pagarlo por mi propia cuenta, pero no sabía sobre que hablar, de que tema e historia, así que una mañana en Tulum se me ocurrió la idea de hacer una película fácil de filmar y de bajo presupuesto, en donde no hubiera actores, sino más bien uno solo, que se encarnara en la cámara subjetiva, es decir, que los ojos del personaje principal se convirtieran en el ojo mismo de la cámara, y que nosotros como espectadores pudiéramos mirar a través de la visual subjetiva y del punto de vista de un solo individuo; me interesó proponer al espectador esto de que cuando miramos en la pantalla, al mismo tiempo también fuésemos mirados, ya que los actores le hablan al ojo de la cámara, es decir a Adán, este personaje principal que al mismo tiempo que mira es mirado, interpretado en el cuerpo físico por mi persona y por Jacob Laas en su voz. Fue un experimento visual que no pretende nada más; después la historia se fue complicando y no fue lo simple que había imaginado en un principio, se fueron mezclando muchos temas, entre ellos la filosofía existencialista, la Cabala judía y otras cosas más como por ejemplo la combinación del color y el blanco y negro, en donde traté de mostrar los sentimientos de Adán a través de lo que yo llamo “ventanas de sensaciones” espacios en donde se abre y se cierra el color, al igual que los sentimientos del ser humano.

Para mí en lo personal, se trata de un poema visual en el cual el espectador debe de experimentar toda la trayectoria junto con la mirada de un individuo que nunca se mostrará ante sus ojos y que se encarnará en él. La intención al presentar a Adán de esta manera, en la forma de lo invisible, es que la audiencia se una con él, que sea parte de él y que al proyectarse ellos mismos en la pantalla se conviertan en parte del film, ya que los actores miran hacia la cámara (Adán) la mayor parte del tiempo, así miran al
espectador mismo, a uno mismo, obteniendo una experiencia sensorial, digamos “hiper-real”. El mundo está cambiando rápidamente y eso realmente me inspira. Adán es un “flaneur” en todo el sentido de la palabra, para él la ciudad es más una imagen mental que un lugar para la interacción y el compromiso. Verte a tí mismo sintiendo o sentirte a tí mismo viendo, para poner tus experiencias en una balanza desde una “tercera parte” ó punto de vista, vía perspectiva doble, (el ojo de la cámara) de esta manera puedes mantener un sentimiento de presencia a profundos niveles figurativos. La película debe de tener un impacto en tí y tú en ella, por lo tanto contiene un cierto elemento, el de ser impredecible.

¿Cómo nació la idea de que fuera una coproducción entre México y Alemania?
Fue una necesidad, la historia se desarrolló desde un principio en Berlín, así que un buen día le dije a mi esposa que nos íbamos a vivir para allá a escribir el guión, y así fue, vivimos 2 años en Berlín junto con nuestro bebe de 7 meses, escribiendo el guión con mi amiga y co-autora Patience Moll, quién fue discípula de Jaques Derrida, y que fue una experiencia única y excitante. Me preguntan mucho que por que decidí que la historia fuera en Alemania y no en México, les contesto sinceramente que uno no escoge a las historias, sino que las historias lo escogen a uno, y uno se convierte simplemente en una vía, en un canal transmisor para contar y gestar estas historias, que nacen del inconsciente colectivo e imaginario.

¿A cuáles directores admiras?
A muchos, sobre todo a los de la vieja escuela como a Robert Bresson, Orson Wells, Jean Cocteau, Dziga Vertov, Maya Deren, Bergman, Dreyer, Kurosawa, Kijo Yoshida, Buñuel, Jaques Tatti, Ozu, etc. Por ejemplo, las pequeñas piezas o filmes de Duchamp y de Man Ray me fascinan, un poco más tarde, de los sesentas en adelante admiro a Godard, Herzog, Fassbinder, Cassavetes, Passolini, Antonioni, Chantal Ackerman, Hanneke, Stan Brackage, Bela Tarr y sin duda a Tarkovsky; actualmente me gustan directores como Lisandro Alonso, Apichatpong Weerasethakul, Reygadas, Jia Zhang Ke, Harmony Korine, Pedro Costa, etc.

¿Cómo es tu proceso creativo para escribir guiones?
Yo hago cine para buscarme y en cierta manera para tratar de entender un poco más al ser humano; el cine para mí es una búsqueda personal, yo trato de motivar a la audiencia a sentir un placer estético ante la pantalla, ya sea a través de un sonido o de una imagen. Mi trabajo se encamina hacia el envolvimiento público; un impulso para alcanzar a una nueva audiencia, hacer la audiencia móvil y dinámica; creo que en otra pregunta ya te contesté sobre como se comienza a gestar un film en mi mente, no me gustaría aburrirte y repetirme.

¿Cómo influyen tus estudios de música en tu obra?
Para mí es la gran mamá de todas las artes, simplemente con una palabra te lo digo, la música es invisible! A través de la música, que se compone también del silencio, somos capaces de visualizar mundos diversos, estados que a veces llegan a situarnos en niveles hiper -reales; te pongo un ejemplo: cuando tu escuchas alguna música x en un espacio x, si la música cambia el espacio cambia junto con ella, si vuelve a cambiar igual se transforma. La música es una maravilla para mí, sin duda alguna, sin embargo no creo que siempre de resultado cuando se le ha aplicado en el cine.

Estoy totalmente de acuerdo en lo que redactó Bresson en sus notas sobre el cinematógrafo, donde dice: “Nada de música de acompañamiento, de sostén o de refuerzo. Absolutamente nada de música. (Salvo, por supuesto, la música interpretada por los instrumentos visibles). Es preciso que los ruidos se conviertan en música”. Creo que al sobre imponerle cualquier tipo de música a una imagen, el resultado, la mayoría de las veces se abarata, es extremadamente difícil combinar estas dos artes con gran maestría. En mi película tratamos de utilizar más una cierta composición musical basada en ruidos, frecuencias y vibraciones que ayudaran al espectador a entender este personaje que nunca vemos. Un amigo mío de NY, un gran compositor, Giancarlo Vulcano, trabajó en esta idea que yo le compartí, donde tratamos de utilizar lo menos posible a este recurso, llevándolo a su mínima expresión.

¿Cuéntanos sobre Trampas?
Es el segundo guión que escribí, trata sobre uno de esos teporochos, los llamados moscas o trampas, una de esas gentes que se suben a los trenes y que viajan sin un rumbo fijo, un vagabundo totalmente libre, sin apego alguno, si lo podemos decir de esta manera, esta historia es un “train trip” donde se muestra la pobreza extrema que hay en el país desde la mirada de un loco, de un Diógenes moderno. Con este proyecto fui invitado a concursar en el desarrollo de guiones en el festival de Amiens en 2009 en Francia, no gané pero fue una grata experiencia el haber participado, el año pasado este proyecto ganó una beca del Global Film Initiative en San Francisco, California para ayudarme a comenzar la pre-producción, sin embargo aún nos falta el 95% del dinero, es un proyecto más hacia el futuro, pienso comenzar a filmar cuando se calme la violencia que hay en el norte del país.

¿Con quién te gustaría trabajar en un futuro?
Realmente no lo sé, no lo tengo planeado, hay veces que pienso que es mejor trabajar como lo hacía Bresson, a quién yo admiro muchísimo en donde siempre que comenzaba un nuevo proyecto invitaba a gentes reales, que no eran actores profesionales, creo que de esta forma se encuentra más el estado de virginidad actoral, del vacío de donde uno puede partir para hacer que los actores expresen lo que tu quieres transmitir.

¿Qué te gusta hacer en tu tiempo libre?
Leer, me gusta mucho leer, afortunadamente tengo mucho tiempo libre y puedo leer dos o tres horas diarias, me gusta hacerlo en la oscuridad, en la madrugada.

¿Qué sigue?
Ahora vamos a comenzar la gira de Viaje a Tulum a donde nos inviten, vamos a ir al FICMonterrey, a presentarla a Berlín en 15 días y en Septiembre nos han invitado a un festival muy peculiar llamado: Les Rencontres Cinématographiques au Belvédere du Rayon- Vert Á Cerbére en la frontera de Francia y España. También tengo dos proyectos que me gustaría filmar antes de la historia del “Trampas”. Uno se trata de un tríptico, de dos historias en una misma y otra historia más en la mente del personaje principal, pero no me gustaría platicártelo por ahora, no está listo aún; el otro se llama Penumbra que ya tengo listo para comenzar a filmar, solo falta el dinero, aunque va a ser de muy bajo presupuesto no lo he conseguido; este proyecto estará muy influenciado en lo que se refiere a la fotografía por el periodo de la corriente pictórica Tenebrista, pintores como Caravaggio, Ribalta, Zurbarán y José de Ribera me han inspirado mucho para plasmar en su forma estética esta historia, en donde el personaje principal es un cazador de venados muy pobre, situado en una ranchería de Colima, donde pienso utilizar un cierto lenguaje Rulfiano, el lenguaje de los viejos de esta zona del país, siempre y cuando se requiera, para poder contar una historia antinarrativa, una película más cinematográfica y visual, que pueda expresarse más por la actuación gestual que por los diálogos, creo que hay veces que la trama de la historia es muy importante, pero la forma de contarla lo es aún más, pero ya te lo diré si todo sale bien cuando me encuentre en ese proceso.