Kinky

c29_port_web c29_contra_webCon siete álbumes y un sonido ecléctico, Kinky forma parte del movimiento musical conocido como avanzada regia. Esta banda originaria de Monterrey se caracteriza por mezclar géneros que a veces podrían parecer irreconciliables: el gran mérito de la propuesta ha consistido en combinaciones acertadas, con una detectable influencia latinoamericana que termina de perfilar una estética sonora extraordinaria. Tras un viaje a Los Ángeles para fotografiar a la banda y una conversación acerca de música pero también acerca de política y derechos humanos, tenemos lista esta exclusiva para los lectores de Cream. Echen un vistazo a lo que nos contaron Gil Cerezo, Ulises Lozano, Carlos Cháirez, Omar Góngora y César Pliego, integrantes de Kinky.

¿Qué viene para Kinky?
Viene disco nuevo, producido por nosotros y mezclado por Tony Hoffer (Depeche Mode, Beck, M83). Ya tenemos listo el vídeo del segundo sencillo: “Te Vas”. Fue filmado aquí en Los Ángeles, estelarizado por Ana Claudia Talancón. El primer avance del disco se llama “Desaparecer” y marca un poco la pauta del nuevo sonido, de vuelta a la electrónica. Pero es un disco muy variado, donde se retoma la diversidad de temáticas y estilos musicales, entretejida por la electrónica. Planeamos acompañar la salida del disco, a principios del 2017, con una extensa gira por todo México y Estados Unidos, así como algunos festivales por el resto de Latinoamérica.

c29_kinky_01Platíquennos del tema que hicieron para la película Macho y el video que filmaron con Miguel Rodarte y Renato López. El tema es bastante controversial. ¿Por qué decidieron participar?¿Qué mensaje quieren darle a la gente?
Recién estrenamos el vídeo de “Macho”, canción que hicimos para la comedia del mismo nombre. Hace tiempo que quería escribir sobre la diversidad sexual y me gustó poder hacerlo con un toque de comedia, porque pone el tema a la vista de todos y no lo hace tan pretencioso. Cualquier oportunidad de iniciar diálogo en este tema hay que aprovecharlo, ya que para muchos es asunto de vida o muerte, es un tema de derechos humanos básicos. El mensaje es muy simple: todo ser humano merece la misma libertad y respeto en cuestión de amor y sexualidad. Es totalmente inaceptable que sigamos prohibiendo el matrimonio entre el mismo sexo, que siga habiendo crímenes de odio, que se sigan pisoteando los derechos humanos de alguien por su preferencia sexual.

¿Consideran que es importante romper con todos esos prejuicios que nos rodean?
Estamos viendo un switch cultural importante el día de hoy. Los que sigan defendiendo estos prejuicios se verán en el lado equivocado de la historia, como los nazis, como el KKK, como Mili Vanilli.

c29_kinky_04¿Cómo benefician o afectan las redes sociales a su carrera? ¿Han tenido alguna mala experiencia en ellas?
Para una carrera musical las redes son la nueva televisión, son la nueva radio, son la nueva Rolling Stone. Por primera vez un músico en México puede pasarse a Televisa por el culo y llenar el Palacio de los Deportes. Nuestra experiencia ha sido muy positiva y las redes son nuestro más importante outlet para promover música, videos, conciertos y opinión. Obviamente tenemos el troll esporádico o la manita abajo en algún video de YouTube, pero es parte de estar presente en el hiperdiálogo que representan las redes, y la verdad, hasta ahora no nos han generado ningún meme mortal.

c29_kinky_02¿Les interesa la política? ¿Qué opinan de Enrique Peña Nieto?
Nosotros somos mexicanos viviendo en Estados Unidos, así que tenemos un doble interés político. Doblemente complejo. Lo que sucedió en las elecciones de Estados Unidos fue como sentir una patada en los huevos, una estaca en el corazón. Todavía no podemos creerlo. Empezando por la manera en como la derecha conservadora muy obviamente orquestó la participación del FBI y la inteligencia rusa en contra de Hillary, para implantarnos un gobierno republicano, seguido por ver cómo esta división basada en odio y manipulaciones de un charlatán causará un retroceso a los derechos humanos. Millones de mujeres que ahora tendrán un presidente violador, misógino. Millones de “indocumentados” serán extirpados de sus familias, de sus amigos, de sus casas, de su derecho a estudiar, empezando por los que confiaron en el gobierno de Obama y entregaron toda su información para participar en el programa Deferred Action for Childhood Arrivals (daca); este programa logró que casi 800 mil jóvenes indocumentados salieran de la obscuridad y lograran un permiso de trabajo y/o derecho a estudiar, y ahora podrían ser deportados, a pesar de ser ciudadanos modelo, por confiar en el gobierno. Y qué decir de los musulmanes que serán vetados, del conflicto en Siria que al unir fuerzas con Rusia resultará en masacres de inocentes. El futuro de México se siente tenebroso, con su peso pisoteado, el muro y el racismo ahora en esteroides, respaldado por el propio presidente, harán que la vida de los mexicanos sea aún más difícil en los dos lados de la frontera. Y para colmo Peña, que si bien he querido darle el beneficio de la duda, una y otra vez nos ha comprobado con los 43, con la invitación a Trump, sus tres libros favoritos, con la casa blanca, con su tesis… que es un pendejo.

¿Creen que la corrupción está metida en las entrañas de México?
En las entrañas, en las células, en cada átomo. Es un problema muy serio y complicado. Donde muchas veces aunque no quieras jugar el juego, se obliga a hacerlo. ¿Cuántos políticos, jueces, alcaldes hemos visto ser asesinados? En este país ser honesto se vuelve un peligro y no lo estoy justificando, más bien es frustrante ver cómo cada engrane de la máquina está corrompido, oxidado. Habría que hacer algo extremo para poder hacer un borrón y cuenta nueva. Quizá la pena de muerte para el servidor público corrupto, así solo se atreverían a jugar los honestos.

kinky-atardecer-1¿Qué opinan de los millennials?
Nacimos al borde de la generación x y nuestra personalidad está definida por ese cambio tecnológico en el que los millennials nacieron inmersos. El antes y el después juega un papel importante en lo que nos gusta, en lo que somos. Nos interesa todo lo que la nueva generación propone: la conectividad inmediata, poseer toda la música, películas, información sin tener nada que físicamente lo represente, el cambio de la religión por la tecnología, la conciencia ecológica, el permiso de tener una vida paralela dentro de las redes sociales (igual o a veces más importante que la real), la apertura de diálogo ante las drogas, la sexualidad y la diversidad cultural, not in a hippie rebellious way, sino en plática de salón de clases, de foro, de congreso, de sobremesa familiar. Todas estas cualidades que mucha gente critica de esta generación, nosotros las vemos positivas, son la llave para cambiar al mundo. Aún así, agradecemos los años que vivimos cien por ciento conectados al mundo real, sin una pantalla en nuestras manos, con acceso a todo. Vivir un momento especial solamente en el lugar, el tiempo y con las personas que nos rodeaban físicamente… algo que ya no volverá a existir jamás (piensen en eso antes de dormir, jejeje). Somos unos generación x muy jóvenes o unos millennials muy viejos.

Siddhartha: lo que nos hace únicos

La capacidad de capturarnos en la soledad de nuestros sentimientos es una de las mayores virtudes que encontramos en las letras de Siddhartha. La necesidad de generar el sonido exacto para acompañarlas, lo ha llevado a un exigente trabajo en el estudio, donde se hace acompañar de los cómplices que le demanda su proceso creativo. No (se) da concesiones hasta cumplir el propósito. Decanta cada elemento hasta que la canción llega a su destino. El músico tapatío se ha consolidado, a través de sus cuatro discos en estudio, con un público que no solo se limita a nuestras fronteras, sino que se cuenta hacia el norte y el sur del continente. Cada vez es más frecuente su presencia en festivales de gran formato en las capitales de Latinoamérica, pero nunca descuida los shows propios, donde la conexión con la audiencia se vuelve íntima, conmovedora. A punto de la presentación de su nuevo material en la Ciudad de México (con entradas agotadas), Siddhartha toma el teléfono para esta conversación.

 El vuelo del pez fue un material que te dio prácticamente dos años de gira y de trabajo sobre el escenario. ¿Cómo alternaste esto con la realización de Únicos
La última etapa bajamos un poco el ritmo. Habíamos decidido parar por completo para dedicarle el tiempo a este proceso, pero también por otra parte no dejamos de recibir invitaciones y algunas eran difíciles de rechazar ya que eran ciudades importantes, lugares que nunca habíamos visitado o festivales en los que nos interesaba participar. Entonces hicimos algunos breaks en medio de estos shows, que fueran un poco más elegidos y aislados. Casualmente este álbum me fue mucho más ágil. En un periodo corto compuse la mayoría de los temas. Probablemente en tres o cuatro semanas se habrá gestado toda la parte creativa y de maqueteo y el resto del tiempo fue mucho más para aterrizar, elegir estas canciones y llevarlas a la postproducción y al estudio. El hecho de haber pasado tres años acumulando ideas y ganas de hacer cosas a nivel creativo, hizo que me diera más el tiempo. Además, hice este proceso en la playa en unas semanas que estuve ahí concentrado, lo cual hizo que fluyera mucho mejor. El disco empezó a gestarse en julio de 2015 y ya estaba finalizado entre abril y mayo del 2016. Para mis estándares eso fue bastante ágil.

Recuerdo los procesos de cada una de tus placas y justo han sido muy diferentes una de otra. ¿Qué tanto esos procesos se reflejaron en el resultado final?
Todo tiene que ver con el resultado, ya que tu estado anímico, el entorno en el que estás conviviendo, las personas y hasta el clima, influyen. Incluso es algo que podemos ver de acuerdo a la música de cada país, su lugar, su clima, su cultura. Acá sucede algo similar a un nivel más pequeño y más concentrado, pero sí creo que cada disco ha sido resultado del proceso, sin duda, pero también del ciclo. Todos han sido discos muy fotográficos. Le da mucha temática a estos ciclos que se abren o se cierran y que reflejan lo vivido durante ese trayecto tanto a nivel lírico como personal y musical. Todo influye, y el hecho de haber hecho este disco en estas condiciones —en la playa— se tradujo en un estado de ánimo que con todo y las curvas que tiene el disco, en general está enmarcado bajo ese contexto.

Un punto que es muy importante entre cada uno de estos discos y sus procesos es que has mostrado un crecimiento exponencial en todos los sentidos como artista, desde la creación y producción hasta los alcances que has logrado en cuanto a presentaciones, viajes e incluso al número de fans, todo ha sido un crecimiento constante.
Sí. Es algo que se deriva de un montón de factores. Desde que el proyecto comenzó ha ido subiendo escalones. A veces uno, a veces cinco, a veces diez, pero siempre en ascenso. Esto se debe también a que en mi búsqueda por hacer la música que disfruto, trato de hacerla cada vez mejor. Para mí es una especie de juego musical, tratar de cambiar las fichas pero siempre ir avanzando. También vas aprendiendo: en mi primer disco estaba en una etapa muy ingenua respecto a ser el protagonista del proyecto, al rol que jugaba en él para bien y para mal. Con el tiempo vas teniendo más claras tus ideas musicales y hacia dónde quieres ir y he tenido la suerte de que esto ha ido de la mano con una buena conexión con gente que disfruta de la música que hago, se ha viralizado, ha ido creciendo como supongo debe crecer toda la vida, siempre hacia adelante. Sigo en ese trayecto y todavía creo que me faltan un montón de cosas por hacer.

c29_siddhartha_2Justo ahora que mencionabas tu primer disco, estos cuatro materiales han servido —a mi entender— para repasar el concepto de “hazlo tú mismo”. En estos cuatro discos ha habido una transformación en tu relación con la industria musical.
Las necesidades de un proyecto se van cubriendo conforme al momento mismo. Al principio todo era sumamente artesanal y yo hacía gran parte de los aspectos del proyecto, en lo musical, en lo visual, la distribución, la promoción. Recuerdo que vendía mis discos yo mismo por MySpace, yo iba y los entregaba en un correo postal. En cuanto el proyecto empezó a tener más demanda y más público eso se tornó imposible, entonces empezamos a buscar nuevos métodos para hacer llegar la música hasta la gente y esto propició que hubiera personas interesadas en distribuir el disco, que se pusiera en tiendas y así poco a poco cada vez el proyecto se fue rodeando de aliados, amigos, gente que lo volteó a ver y a la que le interesó participar del segundo paso. Eso ha seguido sucediendo hasta el momento. Tuvimos tres discos independientes que trabajamos hasta donde pudimos y creo que llegamos lejos bajo este método, pero también eso empezó a tener una limitante. Hay más gente que quiere nuestro trabajo y por eso nos sumamos a la fila de una disquera. Era natural para poder seguir creciendo. Teníamos que repartir el trabajo, pero fuimos muy cuidadosos de con quién hacerlo, por qué hacerlo y bajo qué condiciones, porque ya llevamos un camino y un objetivo muy claro. Ahora hay la experiencia para saber qué queremos y hacia dónde vamos.

Todo esto se relaciona con algo que mencionabas: el público, y la conexión que has logrado con él. ¿Qué crees que hay en tu música para hacerlo sentir único?
Lo que más caracteriza mi música es que es honesta. Es música sin pretensión, siempre la he disfrutado, desde chico hago canciones y siento que tienen esa cierta ligereza. También acumulando muchas respuestas con gente que me ha transmitido ese sentimiento. Hay música que está hecha para el consumo masivo y hay música que puede llegar a ser consumida masivamente sin que su definición sea esa, que conecta con otro tipo de sensaciones humanas. Cuido mucho mi trabajo, trato de hacer un disco que tenga buena manufactura, que tenga calidad en todos los sentidos. No me conformo con el primer resultado, siempre estoy en la búsqueda de canciones que lleguen a su máxima expresión. Es un camino interminable pero conforme lo vas practicando vas llegando a lugares nuevos y creo que eso conecta.

Hay también una conexión interesante en las redes sociales, en donde de cierta manera ofreces seguimiento del trabajo musical y de los shows; frecuentemente hay información tuya y los fans responden interactuando contigo, e incluso muchos de ellos te piden que vayas a sus ciudades.
Las redes son parte del reflejo del crecimiento del proyecto. En ese sentido sigo generando el contenido de las redes. Tampoco soy una persona sumamente apasionada de todo el tiempo tener que decir algo; entiendo que es un buen método de comunicación con el público, pero el mensaje que doy en las redes es informativo y un poco personal de compartir la experiencia. Eso también ha hecho que haya buena conexión, la gente distingue entre lo espontáneo y lo comercial. Creo que es una manera de conocerte a través del público y también conocer a la gente que te escucha.

¿Cómo será el montaje en vivo para el tour de Únicos?
Llevamos algunos meses trabajando en la idea, es un concepto que visualmente va de la mano de todo el arte del disco y de la idea general de la temática de Únicos. En los discos anteriores no habíamos podido lograr replicar esa idea por toda la gira; de pronto es complicado por ciertas circunstancias o en algunos lugares. Ahora lo tenemos mucho más planeado en ese sentido. El nombre del disco tiene relación con todos los seres vivos, todas las cosas que si bien son parte de un todo también son únicas por el simple hecho de existir. Eso era una idea compleja de traducir a nivel visual y creo que ya lo logramos.

Siddhartha se presenta el 15 de diciembre en el Teatro Diana de Guadalajara.

Escenario Panamérika

c29_212_04Las gotas caían sin parar, como el número de asistentes que llenaba avenida Chapultepec. Era sábado 12 de noviembre y Guadalajara se bañaba en rock con en el Festival 212 rmx. La temperatura descendía y seguía lloviendo, aun así la gente salió a las calles abrigada con sus chamarras de piel, botas Dr. Martens y jeans rotos, para deleitarse con horas y horas de buena música. La adrenalina se comenzaba a sentir varias cuadras y calles antes de llegar al escenario Panamérika: la gente entusiasmada, la música en las venas, las alas en el corazón, y mucha pero mucha buena vibra. En este escenario se presentaron grandes bandas como cnvs, We Are The Grand, The Guadaloops, Pedrina y Rio, Denver, Dawn Avenue y Pumcayó, entre otros.

c29_212_02Fue entonces momento para un cuate llamado Berny de llegar al escenario, nervioso, preocupado, mojado y entusiasmado. No era de sorprender pues tener la oportunidad de estar cara a cara con sus ídolos musicales lo hacía temblar, como le pasaría a cualquiera. Bernardo llegó con su cuaderno en la mano, como un niño que hace su tarea. Tenía anotadas todas las preguntas que les haría a estos intérpretes. Tocó el turno de entrevistar a uno de sus grupos favoritos aquel día, The Guadaloops… poder platicar con los chicos raros del hiphop; fue un momento mágico pues esta breve pero concisa plática se dio minutos después de que ellos bajaran del escenario, cuando aún todo el público gritaba “¡Tino! ¡Tino!”, pues aclamaba al vocalista de la banda. Corriendo y entre las multitudes llegaron The Guadaloops a sus camerinos donde ya Bernardo los esperaba para entrar en acción y entablar conversación.

“¿Qué piensan ustedes cuando son considerados los chicos raros del hiphop?”, le preguntó Bernardo a Sam Mendoza, baterista de la banda, y él contesto muy seguro de sí mismo y con una sonrisa de oreja a oreja: “Pues está chido, está bien mientras hablen. Siempre las cosas especiales crean un poco de tensión, no nos catalogamos en ningún lado ni nos encasillamos en un género sino que somos una banda de independientes que mantenemos nuestro camino”. The Guadaloops tienen en su último disco una canción llamada “Alma nueva” cuyo tema es la esperanza. Durante la conversación ellos mencionaron que se trata de volver a nacer, de volver a creer, siempre hay una luz, toda alma nueva se trata de renacer en todos los sentidos “tanto en nuestra música como en nuestro país, de volver a los principios importantes de donde estamos, a la esencia”.

c29_212_01Salí corriendo del camerino pues los bajos no dejaban de sonar. Era turno de We Are The Grand, grupo chileno que en 2015 se presentó en el Vive Latino, compartiendo escenario con Babasónicos y Franz Ferdinand. La gente bailaba, gritaba, y cómo no si los chicos chilenos llenaron de energía la Perla Tapatía. Acto seguido Pedrina y Río, dueto mexicano con más de seis millones ochocientas mil reproducciones en Spotify, con su canción “Enamorada”, puso eufórica a toda la audiencia. El siguiente turno fue para la banda tapatía Pumcayó, que lleva puliendo sus shows en vivo por más de tres años. Prueba de esto fue su más reciente presentación en el parque mirador de la Barranca de Huentitán. Ellos comentaron que anteriormente la banda tenía una alineación distinta y que ahora ya cuenta con una postura medular correctamente calibrada. Para finalizar la noche y cerrar con broche de oro, Denver salió al escenario y la rompió. Años atrás la banda había tenido que cancelar su show en el mismo festival, a causa de la lluvia, y esta edición esto no iba a ser problema. Estos chilenos cuentan con una trayectoria artística que data del dos mil cuatro, cuando se unieron como agrupación. En el dos mil seis lanzaron su primer ep, y actualmente cuentan con un cover de Juan Gabriel: la canción “Pero que necesidad”.

c29_212_05Eran pasadas las doce de la noche cuando el festival llego a su fin. Todos los asistentes estaban satisfechos, felices y también Bernardo lo estaba. Guadalajara una vez más nos demostró a todos que es un gran escenario para la música y la cultura. No es necesario viajar a otras ciudades del mundo para poder disfrutar de tanto talento musical, basta con salir a las calles, caminar unas cuantas cuadras y dejarse deleitar. Gracias a RedBull y a Panamérika por esta maravillosa experiencia. Bernardo espera con ansias la siguiente edición de este festival que, está seguro, será otro rotundo éxito como este lo fue.

Musica para un verano

GGV-004-Text1. Space Oddity – David Bowie

2. In Dreams – Roy Orbison

3. Suspicious Minds – Elvis Presley

4. I Feel Love – Donna Summer

5. Goodbye Horses – Q Lazzarus

6. The Tide Is High – Blondie

7. Dreams – Fleetwood Mac

8. Rock With You – Michael Jackson

9. Pass This On – The Knife

10. Deeper And Deeper – Madonna

11. Hysteric – Yeah Yeah Yeahs

12. Disco 2000 – Pulp

13. Last Nite – The Strokes

14. Noir Désir – Vive La Fête

15. Heaven Can Wait – Charlotte Gainsbourg ft. Beck

16. Perfect Day – Lou Reed

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Casa Por Gil Cerezo

Las montañas de Hollywood tienen una energía que se contagia. Al instante que subes por sus colinas un viento de inspiración comienza a despeinarte el cabello, entra a tus pulmones y hace bailar los dedos sobre el piano o rasguear una guitarra, brotan las palabras que componen las frases y las melodías que las entretejen.

C26_Music_01El proceso creativo siempre empieza con una chispa de inspiración, una idea que brota al ver una película, al escuchar un comentario, al encontrar una frase o un sonido en el barullo de un mall. Sin embargo esas ideas solamente trascenderán si logran materializarse en una pieza, en un cuadro, en una película, en un invento y, en mi caso, en una canción. Es ese proceso entre la idea y la pieza final lo que nos mantiene horas manufacturando acordes, procesando sonidos y afinando las técnicas de grabación para dar vida a nuestra música. En ese trabajo casi artesanal es donde las montañas de Los Ángeles se convierten en la guarida perfecta para mí: adentradas en el corazón de una de las ciudades más importantes y dinámicas del mundo, también me hacen sentir en completa exclusión citadina. En la tranquilidad de estas montañas boscosas es más fácil que un venado haga frenar tu auto que una patrulla de policía.

He merodeado por Hollywood Hills desde hace más de diez años, cuando me mudé a California. Laurel Canyon es el área donde hoy reside nuestro estudio de grabación. Estas montañas comenzaron su historia musical a finales de los sesenta, cuando Frank Zappa se mudó justo a la esquina de Laurel Canyon y Lookout Mountain. Le siguieron Joni Mitchel, Jim Morrison, Neil Young y varios artistas de la época que definieron el sonido “americana”. En casas que se confundirían hoy en día con cabañas de bosque, se generaba la música entre ellos: comían juntos en las terrazas, se drogaban, se revolvían, dormían y despertaban juntos.

C26_Music_03El famoso estudio conocido como La Mansión, propiedad de Rick Rubin, comenzó una serie de discos legendarios con el Blood Sugar Sex Magik de los Chili Peppers, en los noventa, seguido por álbumes de agrupaciones clásicas del rock moderno como Audio Slave, Linkin Park, Slipknot, Mars Volta y el último disco de lcd Soundsystem. A La Mansión, entre sus historias de fantasmas y anécdotas legendarias, también se le atribuye haber alojado a Jimmy Hendrix, David Bowie, Mick Jagger y The Beatles, además de haber sido habitada por Houdini.

Ahora vivo en la misma montaña, un poco más al este de la ciudad, cerca del Hotel Roosevelt. En el ballroom de ese hotel se hizo la primera entrega de los Óscares, en 1929. Me cuenta mi vecino, un alcohólico que sale en bata con su vaso de vodka en la mano, que su casa perteneció a Dolores del Río y que en aquella época la gente caminó del Roosevelt hasta su casa para el after. A mi lado vivió Robert Downey Junior, mientras filmaba Chaplin, y Drew Barrymore en su época rebelde. Justo en mi casa vivía el guionista de Independence Day o 2012 o una de esas películas donde se acaba el mundo. Mucho Hollywood shit.

C26_Music_04Dos de mis placeres favoritos, la música y el cine, han rondado por estas montañas que tanto quiero, que tantas veces he subido a pie cargando un six, o en coche con el pedal a fondo por las prisas. Odio la palabra “vibra” y las frases de “superación emocional”, pero me atrevo a hablar de la energía de estas montañas, no en un sentido neohippie, sino material: sus árboles como sus estudios de grabación, secretos entre estas casas, la cantidad de gente creando beats en sus laptops o los grandes salones que todavía cuentan con grabadoras de cinta entre sus antigüedades y con guitarras de colección. Imagino que albergará a miles de actores, escritores y directores que en este instante están creando algo que después verás en pantalla. Estas montañas son un foco de creación continua y evolutiva, y mantienen sus colinas vibrantes. Hoy, después de diez años, me atrevo a llamarlas casa.

Jay Jay Johanson

“For a creative person the satisfaction of creating something beautiful is such a strong emotion that I guess, it can make depression slowly heal, but nothing compares to the creation of life, and becoming a parent.”

Jay Jay Johanson

DSC_2860Algunas veces, realizar una entrevista va mucho más allá de un simple encuentro y nos concede el incierto principio de una historia. Las palabras adquieren color, forma, peso y un lugar en el espacio; los recuerdos se vuelven tangibles y nos invade la inexplicable sensación de redescubrir el mundo, a través de la mirada ajena.

Es sábado y el cielo parece cansado: desvanecido entre enormes nubes colmadas de agua, logra, de manera extraordinaria, sumarse a las pocas horas de sueño que describen mi andar. Son poco más de las tres de la tarde y a la entrada del recinto, destacan espigadas reminiscencias vikingas.

Primero fue la altura, después, la cadencia de alguien cuya vida se desarrolla a través de una métrica desconocida para el resto de los mortales. Originario de Trollhättan, Suecia, y vegetariano por convicción, Jay Jay Johanson evoca más de veinte años de producción artística.

“People say I whistle all the time, all the time! And if this could be called in instrument I guess that would be me.”

Propietario de una excentricidad cálidamente interesante, Jay Jay transcurre entre diversas manifestaciones creativas, siendo su faceta como músico una de las más reconocidas. Sin embargo, Johanson también hace del pincel y la cámara, efectivas extensiones de las melancólicas atmósferas que lo caracterizan.

“The more I focus on music, the more I miss painting and taking photos.”

Tras una gran sonrisa, Jay Jay nos pide regresar en el tiempo y encontrar a un joven rubio de entre quince y dieciséis años, que ha decidido tomarse un año sabático de la escuela y dedicarse a enseñar street y hip hop.

Nos habla de sus alumnos, en particular, del pequeño Erik, quien con tan solo once años y una considerable formación musical (piano al puro estilo Chopin, pero amante del hip hop), resulta la mezcla perfecta para Johanson, pues el músico recién descubría a Chet Baker, con un sonido que bordeaba las periferias del jazz. Treinta años después, Jay Jay y Erik continúan haciendo música juntos.

A finales del mes entrante, debutará el décimo álbum del artista: Opium, que promete ser la continuación directa y orgánica de Cockroach pero, en las propias palabras de Johanson: “con cierto encanto que desde mi primer álbum, no se sentía”.

Dueño de una inconfundible e hipnótica voz, autor de historias y letras fascinantes, Jay Jay representa una de esas figuras míticas con las que relacionamos, de manera casi automática, el concepto de artista (en toda la extensión de la palabra).

Le pregunto qué consejo daría a todos aquellos que desean ser músicos, artistas, creadores. Él responde: “¡Diviértanse y documéntenlo!”

BPM Festival 2015

Este año fuimos invitados a asistir a la octava edición del BPM Festival en Playa del Carmen. Al evento asistieron más de 300 artistas locales e internacionales. Entre los más esperados estuvieron John Digweed, Sasha, Carl Cox, Sharam, Nicole Moudaber, Dixon, Solomun, Apollonia y Art Department.

IMG_6666El festival es un evento anual que sucede durante los primeros días de enero en Playa del Carmen. Desde un principio se pensó en Playa por la belleza del destino, la originalidad de las sedes, la gran variedad de opciones de hospedaje, la movilidad que tiene la ciudad y la conexión desde el aeropuerto de Cancún.

Entre el grupo de directores de BPM hay dos que son cocreadores del festival. Ambos han visitado el Caribe desde hace varios años. Uno de ellos vive en Playa del Carmen desde 2006. Fue en 2007 cuando, disfrutando de la vista y el ambiente de uno de los clubes de playa del destino, e inspirados en su conocimiento de la música y experiencia en la industria, nació la idea de un evento en el Caribe.

IMG_6250La primera edición de BPM fue en 2008 y desde sus inicios, el talento, asistencia y presentaciones de las disqueras más grandes del mundo han ido en aumento, marcando un punto de encuentro para artistas y aficionados. El festival se ha convertido en un detonante de los estilos musicales que se escucharán en el año que inicia.

México tiene una escena underground considerablemente grande. La propuesta musical es muy activa y se encuentra en vías de desarrollo. Con festivales como el BPM se ha notado un considerable crecimiento, que demuestra sin duda que en unos años México será una de las naciones dance más grandes del mundo.

Durante estos ocho años, BPM Festival ha sido reconocido por la industria y por los asistentes. Beatport.com lo incluyó en la lista de los 20 festivales más esperados del año. Ha sido reconocido por Wikipedia como uno de los eventos anuales más grandes en Playa del Carmen. En los DJ Awards Ibiza 2013 fue ganador del premio Festival Internacional del Año. En 2014 fue reconocido en los EMPO Awards como el Mejor Festival en México y América Latina. Y en la más reciente edición de International Dance Music Awards estuvo nominado en la categoría Mejor Evento Musical.

IMG_6792En BPM 2015 hubo muchas presentaciones increíbles, que además fueron especiales por las originales sedes donde se llevaron a cabo, clubes de día y de noche en Playa del Carmen y la Riviera Maya. Nos dio mucho gusto saber que, desde la edición pasada, BPM Festival se unió a la lista de festivales y eventos que implementan acciones concretas en busca del equilibrio sustentable. Si bien es cierto que es muy difícil, por no decir imposible, lograr el evento perfecto en términos ecológicos, definitivamente se puede hacer el intento de coordinar el manejo de basura y reducir las emisiones de carbono, en busca de ser ecológica y socialmente conscientes. Sobre todo teniendo en cuenta que muchos de los asistentes vienen de países donde las acciones verdes son cosa de todos los días.

Ahora que conocemos BPM les podemos decir que es un evento que los amantes de los festivales en todo el mundo no se pueden perder. Sigue creciendo y transformándose, sin duda no decepcionará a los asistentes el próximo año.

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thebpmfestival.com
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Twitter: @thebpmfestival
Instagram: @thebpmfestival

Pumcayó

La música es una tradición que se va transformando. La mezcla de guitarra, jarana, salterio y percusiones, forma una misma voz llena de palabras que nos hace preguntarnos por nuestra identidad. Así es la música que crean Federico, Paco, Saúl, Marcelo y Rulo, integrantes de Pumcayó, una banda tapatía que suena a México. Ellos empezaron hace cinco años con un primer material en vivo, y ahora están presentando su nuevo disco. Platicamos con los integrantes de la agrupación sobre su proyecto y los procesos que han vivido a través de la música.

IMG_9723Partiendo de que todo arte se inspira en otros artistas, ¿cuál es la inspiración de Pumcayó?
¿Qué nos inspira? La música, los viajes, hay muchos paisajes en las letras; experiencias, tradiciones mexicanas…

De todo su material, encontré una palabra clave, y es tradición: un ejemplo es su video “Don Jacinto”, grabado en una fábrica de papel picado. ¿Por qué escogieron ese lugar?
Porque el lugar habla de un proceso artesanal con el que terminamos identificándonos a la hora de hacer música. Es curioso que muy poca gente sepa cómo se hace el papel picado. Es la tradición a través del proceso.

IMG_9912¿A dónde los ha llevado este proyecto?
Pumcayó nos ha llevado a revisitar el lenguaje. Lo más curioso es que ya fuimos a Austin, a Colombia, a Aguascalientes, Mérida, Careyes, Saltillo y Toluca; próximamente iremos a Chile, y tocaremos por primera vez en el DF. Lo que ha estado sucediendo es que el material tiene una naturaleza un tanto extraña, ha llegado a oídos de personas clave que, ¡pum!, lo han disparado, y nuestra música ha comenzado a proyectarse hacia tal lado y tal lado. Pareciera que hubiéramos hecho de cabeza las cosas, pero ahora que estamos empezando a seguir convencionalmente la carrera de una banda en México, ya tenemos una parte avanzada. Ya hemos hecho una red de contactos en Colombia y Chile, antes de tener el disco.

¿Con qué se comería su música?
Con mole y huitlacoche, y todo lo que tenga que ver con mezcla. Podemos ser perfectamente un mole por la variedad de ingredientes. Nuestra música puede ser un pato o lo que quieras, pero no es nada simple, es un proceso artesanal.

Entonces ¿con qué se lo tomarían?
¡Con un mezcal!

¿Dónde encontramos su música?
Nosotros aún estamos con la “romantiqueada” del disco. Buscamos experiencias a manera de intercambio. Y ¿cómo le hacemos para que la gente quiera el disco en físico a través de experiencias? Pensamos en emprendedores creativos locales, en tejer una red en la que todos nos echamos la mano. Lo vemos como degustación de nuestro propio material, como un “te doy a probar un poco de mi música, para que te enganches con ella y después haya otra forma de retribuir el apoyo”. Así podemos continuar haciendo nuestra música. Todo es parte del proceso.

 

Visita pumcayo.com

Alexis Gómez

4.Tame impalaCrystalCastlesFutbolero y amante de la buena música, coleccionista de polaroids y de espacios con colores neutros y patrones geométricos, Alexis Gómez es un fotógrafo tapatío de conciertos. Su experiencia en la fotografía, que entiende como una ventana a la estética en la cotidianidad, comenzó por casualidad hace tres años, en un festival de música. Además de su trabajo con la cámara, Alexis toca el piano desde los once años. Su labor como fotógrafo de conciertos le permite conjuntar sus dos grandes pasiones: música y fotografía.

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