Xaviera

Alejandra y Paola encabezan Xaviera, agencia boutique especializada en consultoría de marca, relaciones públicas y medios digitales. Su propósito es valerse de las relaciones públicas y el talento creativo para proyectar el perfil del cliente. Se trata de una plataforma basada en la imagen de sus creadoras, quienes diseñan servicios específicos para cada proyecto, con el objetivo de ampliar los alcances de marcas y propuestas creativas.

DSC06079¿Qué es Xaviera y cómo nació?
Xaviera es una agencia de relaciones públicas, medios, brand consulting, servicios digitales, eventos y producción para marcas, proyectos y alianzas en la industria creativa. El proyecto nace cuando decidimos asociarnos para unir nuestros backgrounds y know-how en el mundo editorial, relaciones públicas de lujo y dirección creativa.

¿Quiénes son las creadoras de Xaviera y cuál es su background?
Somos Alejandra Félix y Paola Quintero. Alejandra fue editora de moda en Caras y coordinadora de moda en Esquire, y trabajó en el departamento de relaciones públicas en Chanel, así como en la comunicación del lanzamiento de grupo gs. Paola fue editora de moda en Harper’s Bazaar y coordinadora de moda de Elle, y lanzó una marca de rtw mexicano: Napoleón. Las dos conjuntamos fuerzas, a través de un branding ideado de la mano de Savvy Studio, para conceptualizar una agencia de pr boutique.

¿Qué servicios ofrecen?
Relaciones públicas, brand consulting, servicios digitales, estrategia de comunicación, dirección y producción creativa de eventos.

¿Qué hace diferente a Xaviera?
El trato especializado a clientes, la curaduría y la propuesta creativa de todas nuestras estrategias. No nos limitamos a los servicios básicos de imagen, nos involucramos en cada paso de la ejecución del plan. Fungimos como imagen de nuestras propias marcas y creamos contenido adicional para almacenar en nuestra plataforma.

¿De dónde viene su inspiración?
De proyectos independientes, marcas de lujo, eventos de montaje sofisticado, pero más que nada de un look and feel que sorprenda, desde una campaña hasta el venue de un evento. En cuanto a personaje, siempre nos llamó la atención el imperio que construyó Karla Otto: pr de lujo con impacto internacional.

DSC05846¿Qué tan importante es la estética en Xaviera?
Primordial.

¿Qué tipo de clientes buscan?
Propositivos, innovadores, artesanales, de lujo, que quieran dar un giro a su comunicación y a la percepción que el público tiene de ellos.

Platíquenos de algunos de sus clientes y de las experiencias con ellos.
Hemos trabajado con marcas y proyectos que son nuevos, otros que llevan toda la vida en el mercado y quieren dar un giro: desde la tienda multimarca The Feathered en Polanco, curada por la visionaria Sharon Drijanski, quien busca traer moda propositiva y vanguardista a México, hasta Trista, una marca exquisita de alta costura mexicana, que nos ha dado la oportunidad de celebrar con ellos diez años de logros y triunfos, culminando en una exposición memorable. Hay proyectos que han sido cortos, otros han significado retos, como el festival de música que creamos de cero para el hotel El Ganzo en Los Cabos. Hemos colaborado con el Salón Nómada La Milagrosa, ysl, Kiehl’s en su más reciente campaña y la galería de arte Licenciado. Nuestra cartera de clientes es amplia y abarca desde propuestas de lujo masculinas como lo son El Ganzo y Scalpers, hasta Laddu y su visión de marroquinería mexicana. También están las divertidas bolsas de Save My Bag y la marca de joyería italiana Dodo, Mayer Hasbani (el arquitecto), el andador cultural y gastronómico de Barrio Santa Fe y Children of Our Town.

Conoce más en www.xaviera.mx

Zony Maya

Desde hace dieciocho años, Zony Maya encuentra en la fotografía una forma de enfrentarse al mundo, pero también de comunicarse a profundidad con él. Con estudios en la Universidad Iberoamericana, en la Academia de Artes Visuales y en la Escuela de Fotografía, este mexicano se considera un artista visual. En su currículo también figuran una maestría en foto y video en la School or Visual Arts de Nueva York y un diplomado en arte contemporáneo en el muac de la unam. Inicialmente interesado en la carrera de publicidad, el trabajo del artista se vale de la fotografía como un medio de relación con el entorno y consigo mismo.

c29_zony_02Háblanos más sobre tu relación con la fotografía y las artes visuales.
Con el paso de los años me he dado cuenta de que en algunos casos la foto no es suficiente para transmitir algunas de las ideas o percepciones que tengo. La pintura, el video, el video experimental en especial y la instalación de luz, me han permitido un desarrollo con el que me siento a gusto. Sin embargo la fotografía siempre tendrá un lugar muy importante en mi vida. Es el lugar en donde empecé, en donde sigo. Cada medio artístico da la oportunidad de expresar diferentes sensaciones, sentimientos y conceptos.

¿Qué tipo de foto es la que más te gusta?
Lo que más me gusta es fotografía de retrato, fotografía de moda; me encanta hacer foto de producto porque me gusta iluminar mucho y porque creo que ahí es donde uno aprende a iluminar: haciendo foto de producto. Y definitivamente la foto de arquitectura me encanta, por el hecho de concebir los espacios en la mente. Justamente la arquitectura y la instalación van de la mano, por eso me gustan las dos, porque en la arquitectura tienes que pensar en el espacio y en cómo la luz juega en él, y en la instalación sucede un razonamiento parecido aunque diferente, pues primero piensas cómo intervenir con la luz el espacio que ya está creado, o cómo crear un espacio a través de la luz que estás utilizando. Lo que utiliza realmente como materia prima es la luz. Lo que más me gusta del arte es el hecho de poder controlar la luz, esto que es intocable, pero perceptible a través de varios sentidos.

c29_zony_03¿A qué fotógrafos admiras?
Admiro a varios fotógrafos y artistas. El primer fotógrafo que admiré se llama Peter Lindbergh: hoy en día sigo teniendo algo de su influencia. También me gusta mucho el trabajo de Nick Knight y de Olafur Eliasson, dos grandes artistas.

Recientemente hiciste una portada para National Geographic. 
La gente de la revista se acercó a pedirme mi portafolio de arquitectura. Les gustó, y entonces coincidió con que en Puebla se iba a inaugurar el Museo del Barroco, una obra construida por el arquitecto Toyo Ito. ¡Qué mejor que poder fotografiar esta obra maravillosa! Teníamos que tomar esas fotos a una hora en específico, como se hace la foto en arquitectura. Así que fotografié varios edificios del estado de Puebla, pero en particular la foto de la portada implicó un gran trabajo porque tiene la iluminación que esperaba. La verdad es que estoy muy feliz de que mi foto tenga ese rectángulo amarillo alrededor.

c29_zony_04¿Algo que quieras agregar?
Muchas de las fotos que hago son producidas por 13 Producciones, una agencia que me representa, y me siento muy contento con eso. También quiero decir que soy embajador de Canon. He trabajado con la marca desde que empecé. Eso me ha permitido impartir talleres en diferentes partes de la República y del mundo, como en Israel, India, Vietnam, Jordania… Mi próximo viaje será en 2017, a Yellowknife, Canadá, que es la capital de las auroras boreales. Y por último, este proyecto, que también es un proyecto de vida: el Foro Zony Maya, pensado para hacer foto y video pero que también está disponible para cualquier persona que ideas y ganas de materializarlas en un espacio. Dentro de él se hacen producciones de películas, conciertos, obras de teatro, presentaciones de marcas, de libros y todo aquello que tenga que ver con el arte y la creación mental.

Zony Maya
T – (55) 64 56 66 55
forozonymaya.com
13producciones.com.mx
Instagram: zonymaya
Youtube: ZonyMaya
Twitter y Facebook: ZonyMaya

Nassim Soleimanpour, de viaje sin salir de Irán

En 2010, el dramaturgo iraní Nassim Soleimanpour escribió White Rabbit, Red Rabbit (Conejo blanco, conejo rojo), que se estrenó en 2011 en Escocia y Canadá simultáneamente. Desde entonces la obra ha sido representada por actores de distintas latitudes, en diferentes lenguas y escenarios. Cada función, frente al público, el actor en turno recibe un sobre con un texto que desconoce, y se lanza a su interpretación sin haber ensayado, sin la preparación tradicional ni la pauta que suele marcar un director de escena. La curiosidad del intérprete y del público, las posibles variables y la oportunidad de participar de una puesta en escena irrepetible, se han conjugado en un inusitado ritual escénico que comienza con el texto y se completa con la recepción del performance.

Conejo blanco, conejo rojo llegó a la Ciudad de México el junio pasado y seguirá presentándose hasta el próximo diciembre, en La Teatrería (Tabasco 152, Roma Norte), con actrices y actores distintos cada noche de jueves. Irene Azuela, Cecilia Suárez, Luis Gerardo Méndez, Diana Bracho, Bruno Bichir, Mónica Huarte, Daniel Giménez Cacho, Juan Manuel Bernal, Regina Orozco, Julieta Egurrola, son algunos de los encargados de materializar la voz de Nassim, un dramaturgo que ha logrado traspasar fronteras con ayuda de este trabajo escritural y escénico. Ante la imposibilidad de salir de Irán, el autor viaja por todo el mundo a través de su obra, que esta vez aterriza en México.

Cuando Nassim Soleimanpour habla de teatro, se refiere a un ensayo constante que trasciende el plano de las palabras y que se vale de ellas para instalarse en la existencia misma. Teatro y vida, ambos susceptibles de ser colocados en terreno experimental, corren según el iraní de forma paralela, desde el principio de sus propios tiempos. Hijo de padres artistas (un novelista y una pintora), Nassim decidió volcarse en la escritura cuando tenía dieciocho años: “Hablar de cómo me convertí en dramaturgo es narrar la historia de mi vida”, sentencia en entrevista telefónica, y agrega que, en cuanto a acontecimientos recientes, se siente muy feliz y emocionado de que la obra celebre su primera temporada en la Ciudad de México.

El autor explica que Conejo blanco, conejo rojo es una pieza central en su vida, con un profundo significado en su carrera y en su historia personal: “Esta obra simboliza una etapa fundamental, pero también todo un proceso. Aunque no se trata de un texto autobiográfico de manera estricta, sí puede decirse que se inspira en mis experiencias.” A propósito de la estructura, Nassim deja en claro que este ejercicio escénico es mucho más que una lectura dramatizada: “La estructura de Conejo… va más allá. No se trata de una lectura en sí, puesto que el público está involucrado de una forma más activa que como sucede en el teatro convencional. El texto plantea la oportunidad de interactuar, e incluso el número de personas que conforman el público es determinante. Esto le da autenticidad al trabajo actoral, que se enriquece con errores, contratiempos naturales en la experimentación. El actor y el público se colocan así al mismo nivel. Es como si el futuro les llegara al mismo tiempo a uno y a otro: ambos lo reciben tomados de la mano.”

In front of Milad Tower,top of Tehran,Iran¿Y cuál es el asunto Conejo blanco, conejo rojo?, ¿en qué consiste ese mensaje que ha viajado por el mundo, más allá de las fronteras, la búsqueda y la expectativa? “Me es imposible describir el tema de esta obra, reducirlo a un par de oraciones”, dice Nassim, y parece estar saboreando su respuesta, pronunciada con suavidad. Con respecto a los autores que más le gustan, el dramaturgo responde: “Los mejores escritores son aquellos a quienes no conozco todavía, esos que tienen la cabeza llena de ideas y están por comenzar a escribirlas”, y a través de la línea telefónica y la distancia se percibe una leve sonrisa detrás de la voz. Después de una pausa, Nassim dice estar leyendo Dead Aid de la zambiana Dambissa Moyo, un ensayo sobre las infructuosas donaciones a países africanos en crisis, a causa de un sistema y unas políticas deficientes.

Actualmente Nassim viaja también al Reino Unido con más reciente creación: Blank, una obra de teatro que retoma el afán experimental de Conejo blanco, conejo rojo. En esta nueva propuesta el iraní reta al público, y acaso también al actor, a llenar espacios vacíos (fill in the blanks) para que entre todos construyan historias propias, para que se conviertan en “entidades narrativas” y celebren la imaginación humana. Esta vez el libreto está escrito a partir de huecos que el espectador debe ir completando, en una construcción escénica que al final resulta colectiva: “No puedo dejar de concentrarme en este tipo de estructuras, tengo que salirme de lo convencional, buscar respuestas. Me propongo valerme de la audiencia para hacer teatro de una forma distinta.”
Conejo blanco, conejo rojo de Nassim Soleimanpour, producida por José Manuel López Velarde, se presenta en La Teatrería (cdmx), los jueves a las 20:30 horas, hasta el 15 de diciembre.

Jessica Torres

Durante más de once años, Jessica Torres se ha dedicado al diseño de accesorios, calzado y marroquinería. Ha recorrido todo el mundo y cuenta con el reconocimiento de revistas, concursos de moda y expertos, pero sobre todo de clientes y amigos. Hoy su marca es sinónimo de calidad, vanguardia y orgullo nacional, pues representa toda una vida de aprendizaje, una cultura colectiva y una sociedad optimista, que nunca deja de luchar por la libertad, que ha sufrido guerras y conquistas pero que conserva su esencia.

c28_talentjessica_02Háblanos de tu nueva colección. ¿En qué se inspira y qué buscas con ella?
Se llama Matices de México y está inspirada en todo lo que nuestro país tiene por ofrecer, en su folklor, en nuestras tradiciones y raíces, en todos los artistas, deportistas, personajes que han puesto en alto el nombre de México. La idea es trascender, crear una colección que sea accesible para todo el que la aprecie, colocarla en museos, enviarla al extranjero, que represente honorablemente a México en cualquier lugar donde se encuentre. Esta colección es una muestra del orgullo que sentimos por nuestro país y se inspira en su música, su comida, su gente, y en sus colores de vida y muerte: el papel picado.

¿Cuál es el perfil de la mujer que compra tu marca?
Es una mujer auténtica, actualizada, que se enorgullece del lugar a donde pertenece, que cuida de sí misma; tiene aspiraciones y lucha por ellas, defiende, protege, respeta, con un gusto exigente.

¿Cuál es tu proceso creativo a la hora de diseñar?
Estar en conexión conmigo misma, percibir lo que pasa a mi alrededor, identificar una necesidad, conectar distintos elementos, sentir lo que realmente quiero expresar.

En estos tiempos es difícil hacer arrancar un nuevo negocio. ¿Cuál crees que es el secreto del éxito?
La pasión, hacer lo que te gusta, es una de las virtudes esenciales: la perseverancia para no soltar y aferrarte a tu sueño. La disciplina, todos los días levantarte y hacer algo por alcanzar tu sueño, la constancia, en lo personal mi terquedad de lograr mis objetivos.

c28_talentjessica_03¿Qué es lo mejor de ser la dueña de tu propia empresa? ¿Y lo más difícil?
Lo mejor es que estoy expresando lo que me gusta hacer, mi pasión, que estoy apoyando y dando trabajo a personas que son extraordinarias artesanas y que la industria, como se ha venido transformando, ya no aprecia de la misma forma su oficio. ¿Difícil? Nada, no lo veo como dificultad. No he recibido más que aprendizajes y agradezco la situaciones en las cuales he tenido que sacar mi fortaleza, mi determinación, mi entrega, mi compromiso para salir adelante… Creo que esta experiencia me permite ver hasta dónde puedo llegar.

¿Qué expectativas tienes para el futuro?
Ser reconocida como una de las mejores diseñadoras de México en el mundo y exportar los productos de mi marca al extranjero. Siento la responsabilidad de expresar lo que mi país tiene para ofrecer.

¿En dónde puede encontrar la gente tus diseños?
Por medio de redes sociales, o en boutiques de Guadalajara, CDMX, Cholula y Veracruz.

Jessica Torres
Instagram y Facebook: jessicatorresmx
Guadalajara – Anthiope
Ciudad de México – Boutique Glam, Hotel Sheraton María Isabel
Cholula – La Monarca
Veracruz – Arza Boutique

Arte y diseño: Alejandro Magallanes y el cruce de ambos caminos

La disyuntiva arte versus diseño trajo a Alejandro Magallanes como artista invitado a la más reciente edición de la feria Wit, que se celebra en la ciudad desde hace tres años y que busca ser un espacio de exhibición de proyectos locales, de artistas consolidados y emergentes. Cream platicó con él en el marco de su realización, y la charla fue lúdica, dicharachera, amable, espontánea, rica en aprendizaje, como lo es el mismo Alejandro.

Alejandro en Wit, Alejandro y Wit: una decisión inmediata

WIT_2016_0787Para Daniela Cordero y Felipe Covarrubias, coordinadores de Wit, el perfil de Alejandro embonaba perfecto con el tema de la feria de este año: “Arte versus Diseño”. Él personifica esta contradicción y esta realidad. Ambas expresiones son y no son a la vez. Pueden ser entidades conflictivas, pero también pueden sobrevivir juntas e incluso pueden maridarse y volverse una. Alejandro es todo eso, con una trayectoria de más de veinte años como ilustrador, fotógrafo, escritor, etcétera: artista y diseñador, finalmente.

Con motivo de la feria, el resultado de esta mezcla fue divertido y sencillo: instalaciones artísticas que representan la idea de Wit, cuando el arte y el diseño se fusionan, cuando se cuestionan entre sí o cuando se diferencian. Las instalaciones artísticas y creaciones de Magallanes demostraron esta encrucijada, esta colisión y este entrelazamiento.

WIT_2016_0982Diseñador, artista, aprendiz y maestro

Alejandro es espontáneo, natural, interesado e interesante. Su obra (carteles, libros, instalaciones, ilustraciones, o todo a la vez) conlleva una carga emocional, dramática, humorística. Sus proyectos, ya sea por petición o propios, son congruentes con su identidad; para él la parte más importante de todo proceso de creación es la idea: “Cada proyecto lleva su propia dirección”, menciona Alejandro, y le parece tan claro y tan simple este motto, que si uno ve su obra, puede identificarlo.

En todo proyecto, Alejandro pone el corazón y los sentidos, y como espectadora de sus instalaciones en Wit, pude constatarlo. La instalación en la fuente, el futbolito en el que arte y diseño son contrincantes, etcétera, parecían explicar por sí mismos la manera en la que él visualiza y materializa cada propuesta, ya sea independiente o por encargo.

Alejandro jugó toda la entrevista con las palabras y con lo que su actividad significa para él. Una idea que se me quedó muy impresa es la manera en la que respeta y cuida el uso tipográfico en sus proyectos: “las imágenes están en las palabras”, “lo que sucede entre las palabras y las imágenes crea un tercer contenido”, “escoger una tipografía para un libro, para un cartel, va a hacer que ese libro se lea mejor, o que el mensaje de ese cartel tenga cierto significado”, “la tipografía es de alguna manera lo que vamos a escuchar cuando vemos o leemos”.

WIT_2016_0829Alejandro es único como diseñador en su manera de expresarse sobre su trabajo y para él el diseño también lo es, pues lo hace una persona en específico. Materializar, primero en la imaginación y luego en una idea, lo que quieres que en un futuro sea la experiencia del espectador o del lector, es una empresa importantísima: “Los diseñadores aspiramos a que nuestros diseños sean atemporales, que puedan habitar la memoria del espectador una vez que han cumplido una función útil, como un cartel de una película, por ejemplo.” El diseño es efectividad y contundencia, pero también es conocimiento y memoria.

El color es otro elemento que emociona a Alejandro, pues acompaña la forma y la carga de sentido. Sin embargo, desde su perspectiva, a veces hay reticencia al usar ciertos colores: “Al color se le usa con prejuicios”, y argumenta que el uso del color no necesariamente conlleva una carga cultural: gracias a él se pueden romper reglas y no necesariamente asociar significados. En general en el diseño “hay que cuestionarlo todo”, dice Alejandro.

Es ese mismo estado de la cuestión lo que lo trajo a Wit y lo que convirtió una participación en la feria en una idea materializada sobre arte y diseño, que habla por sí sola. Alejandro, el diseñador y artista que alguna vez quiso ser filósofo, es sin duda un filósofo y artista del diseño, un diseñador artístico, un artista cuya filosofía es aprenderlo todo y todo el tiempo, aprovechando los sentidos, jugando con los sentidos, admirando lo que está a su alrededor, como lo hicieran los llamados primeros filósofos. Ha sido un placer platicar con Alejandro Magallanes y apreciar algo más de su obra este año en Wit, Feria del Diseño.

Prototipo Cero

Destinos secretos. Acompañantes únicos. Itinerarios abiertos. Pasaje solo de ida. Prototipo Cero diseña piezas para esos viajes.

DSC_6496 (1)La historia de Prototipo Cero comienza con una maleta y un boleto solo de ida. En 1905, Alberto llega a nuestro país, desde Italia, con su hijo Francesco, llevando una maleta azul que habría de convertirse en la inspiración de una generación familiar y de un proyecto de diseño. Hoy, esa misma maleta ocupa un importante lugar en el estudio de Prototipo Cero: en ella se guardan los prototipos de las piezas que más tarde serán confeccionadas a manos de los mejores artesanos de México.

DSC_6510 (1)Los diseños de Prototipo Cero están hechos para durar más de cien viajes y más de cien años. Por eso, desde el día en que la firma fue lanzada, muchos trotamundos han inmortalizado sus vivencias con algún portapasaporte, estuche, billetera o bolso mensajero creado en este taller. Viajeros Prototipo: es así como podemos identificar a estos entusiastas que se trasladan físcamente de un lugar a otro, o que simplemente hacen de su experiencia —culinaria, cultural, creativa, filosófica— todo un viaje. Hoy algunos de ellos se han convertido en colaboradores habituales de un proyecto más amplio, emanado de Prototipo Cero, que se propone documentar esas travesías: Bitácora.

Bitácora es primero una colección de cuadernos y libretas que sirven de diario a los Viajeros Prototipo para tomar notas, para registrar sus crónicas o esas primeras ideas o inspiraciones de sus grandes proyectos. Estas bitácoras están hechas en papel libre de ácido, para garantizar su permanencia en el tiempo, igual que las piezas de piel de la firma. Bitácora es además una revista electrónica en formato app para teléfonos móviles. Es ahí donde estos Viajero Prototipo comparten sus experiencias y descubrimientos, para que muchos más podamos aprovecharlos: insiders, conocedores a fondo, expertos, personas apasionadas en descubrir cosas.

 

DSC_6525 (1)Prototipo Cero

prototipocero.tumblr.com

Instagram y Facebook: prototipocero

Álvaro Martínez Vergara

Desde hace dos años, Álvaro maneja su cuenta personal de Instagram, que hoy ya registra más de 129 mil seguidores. Con las fotos y los followers, llegaron las propuestas comerciales de marcas como Vans, Oreo y Sony, de la que Álvaro es actualmente embajador. Para él, la fotografía es parte de un estilo de vida, y el mejor medio de expresión. Su lema: “La estética por delante, la luz y el ángulo sobre todas las cosas.”

AlvBlogger¿Cómo empezaste en Instagram?
Empecé hace dos años subiendo fotos un poco diferentes a las que subían mis amigos, con un fondo artístico. Mis fotos fueron mejorando, dejé de subir fotos sociales y las pocas que tenía, las borré. Empecé a hacer todas mis fotos con estilo instagrammer, hasta que fui abriendo los ojos de mis seguidores, en su mayoría amigos y familiares. Me invitaron a mi primer instameet en Guadalajara, al que asistí e hice muchos amigos con las mismas ideas que yo. Hicimos muy buena amistad y empezamos a salir a instagramear.

¿Qué es un instagrammer?
Ser instagrammer consiste en simplemente compartir un pedazo de ti: momentos, estilo de vida, creatividad, pensamientos, opiniones, tu forma de ver las cosas, todo aquello que te mueve. Todo esto por medio de fotografías y textos relacionados.

¿Con qué marcas has trabajado?
He trabajado con marcas mundialmente reconocidas como Converse, Vans, Cerveza xx Lager, Oreo, Happy Socks, y actualmente soy embajador de Sony en todo el país.

Platícanos un poco de eso: tu relación con Sony.
La marca Sony constantemente me manda sus más nuevos equipos para experimentar la fotografía móvil, explotar las capacidades de los equipos. Como ya sabemos, Sony es reconocida mundialmente por estar a la vanguardia en el tema de las cámaras. Como parte de la campaña para la marca, subo contenido a mi cuenta para demostrar a mis seguidores las increíbles capacidades de estos teléfonos.

¿Cuál crees que sea la clave para ser un instagrammer exitoso?
La clave está en la paciencia y la dedicación, porque esto no puede darse de la noche a la mañana y muchos tienden a desanimarse. Así que ya lo saben, sin pausa pero sin prisa. La paciencia todo lo alcanza.

¿Cómo manejas tu cuenta?
El manejo de mi cuenta es todo un ritual en el que primeramente reviso la paleta de colores de las últimas seis fotos en mi feed, selecciono la foto indicada que vaya en conjunto con los colores de las últimas fotos, después preparo el texto referente a la foto (siempre el texto para la foto y no la foto para el texto), y finalmente agrego algunos hashtags para complementar. Después de tanto tiempo he descubierto los mejores horarios en los cuales hay más interacción en la red. Subo tres fotos por semana, ni mucho para no hartar, ni tan poco para que no me extrañen.

Recomiéndanos algunas apps para editar imágenes.
Las apps que yo uso y recomiendo para editar son TouchRetouch (para borrar alguna imperfección en la foto), skrwt (para editar la perspectiva y el tamaño de la foto), Snapseed (para dar más brillo, saturación o contraste, específicamente a un color en toda la foto) y vsco (para ponerle algún filtro a la foto, los filtros se venden por separado).

¿Qué tips les puedes dar a los instagrammers que van empezando?
Que sean constantes, que interactúen con sus seguidores. Es importante responder a los comentarios, no copiar fotos, crear un estilo y seguirlo, pero sin encasillarse en él. Que se pongan como propósito dos o tres días a la semana para subir foto, que cuiden muy bien el contenido que suben y el acomodo de sus fotos, que no suban contenido solo por subirlo y, por último, que acompañen la foto con un buen texto.

También fuiste seleccionado por Grupo Imagen y la plataforma Huntgram como uno de los top 15 instagrammers en todo el país. ¿Por qué crees que te eligieron?
Porque hago cosas diferentes y cuido en demasía, como ya les decía anteriormente, la calidad de mi contenido. También porque soy de los pocos que acompañan sus fotos con textos interactivos en los que hago participar a la comunidad. Innovación siempre, sin miedo al cambio.

¿Qué otros premios has ganado?
Gané el primer lugar del concurso nacional Momentos de México, organizado por la firma Kodak, gracias al cual me publicaron en la revista nao Travel en la edición enero-febrero 2015, además de haber aparecido en prensa europea (específicamente España), sudamericana (Argentina) y mexicana (Grupo Imagen, Grupo Reforma, El Informador, entre otras publicaciones). También considero como un premio que una de mis obras estuvo expuesta en Zona Maco Fotografía, el pasado mes de septiembre de 2015, y por supuesto mi próxima aparición en un libro que muestra el trabajo de los mejores 100 instagrammers del mundo, editado por Ammo Books (Estados Unidos).

Platícale a la gente cómo se vive de ser un instagrammer.
Todo está en ponerse pretextos para crear contenido, viajecito por aquí, viajecito por allá, salir con los demás instagrammers a dar la vuelta y tomar fotos, asistir a los eventos referentes a la red social y también participar en campañas publicitarias en las que el cliente, o sea la marca, por medio de una agencia de marketing, te contacte para invitarte a participar: se recibe un brief en el cual se explica el sentido de la campaña, se establece el precio por publicación, número de fotos, días para publicar, hashtags de la campaña, cuentas a etiquetar, fecha de pago, se firman los contratos correspondientes por ambas partes y, si es necesario, se manda el producto para que el instagrammer lo use para la creación de las fotos.

Álvaro Martínez Vergara
@alvaromtzv
alvaromtzv.com

Milk

Milk es una marca que busca crear piezas basadas en el diseño, cuyo elemento principal es el mármol, para complementar y transformar espacios. Mariana Apodaca, la mente detrás de este concepto, explica para Cream cómo su propuesta intenta transmitir un sentido especial a quienes eligen las piezas de la marca.

4Q8A3515¿Qué sello caracteriza tus diseños?
Nuestros diseños se caracterizan por ser piezas exclusivas. Nos basamos principalmente en diseños con propuesta por medio de diversas colecciones.
Cada colección engloba una idea y una inspiración, y guarda una misma línea.

¿Quiénes son tus principales clientes?
Nuestros principales clientes son Albergue Transitorio de las diseñadoras Julia y Renata Franco, mueblerías y particulares.

IMG_3142¿Cuáles son sus materiales clave?
El mármol principalmente, pero también recurrimos a la madera y el acero.

¿Qué significado tiene para ti el mármol?
El mármol para mí es fuente de inspiración. Me parece increíble que de la naturaleza podamos obtener materiales tan interesantes y que la naturaleza misma nos permita crear objetos tan particulares, desde su proceso de extracción, corte y elaboración… va mucho más allá de una simple piedra.

¿De qué se nutre un diseñador? ¿De dónde viene la inspiración para tus diseños?
Un diseñador se nutre de una serie de conocimientos, que le permiten plasmar sus ideas gráficamente, para de esta manera transmitir lo que quiere. Mi inspiración nace de la realidad en nuestro exterior: cada línea, cada ángulo que nos conforma, incluso la moda también es parte importante de lo que me inspira.

IMG_2212Milk
Mariana Apodaca Villaseñor
milk-milk.mx
T – 3620 0102 y 0103
Periférico Poniente 9900-b, Hacienda del Tepeyac
Zapopan, Jalisco

Daniel Barba

Diseñador gráfico, ilustrador y director de arte en fotografía, Daniel Barba está a cargo de Monotypo Studio, un despacho de diseño ubicado en la calle Libertad, en Guadalajara, que abarca desarrollo de concepto para marcas, diseño gráfico, editorial y web. En este proyecto, Daniel y el resto del equipo trabajan para cumplir los requerimientos de las marcas que los solicitan: desde el concepto hasta el logo o el catálogo. Su propósito es que la parte estética sea observada durante todo el proceso, para que la idea se comunique sin sacrificar la parte estilística.

DSC_9843Entre sus proyectos favoritos, Daniel menciona la ilustración, el diseño de empaque, la dirección de foto y los logotipos que realizó para el restaurante Oysters & Co. (Chapalita, Guadalajara), pues su cliente le dio plena libertad de analizar y desarrollar el concepto. “Fue muy disfrutable contar con esa libertad creativa”, comenta. Y algo similar sucedió con el trabajo que realizó para el diseñador tapatío Abel López: tuvo luz verde para comprender la propuesta y generar un concepto a partir de ella.

IMG_3811Entre los diseñadores que lo inspiran en la escena local, Daniel menciona a Mariana Motolo, Luis César Rocca, Carlos Aroche y René Tapia. Admira a los estadounidenses Saul Bass y Paul Rand, ambos referentes en cuanto a identidades corporativas y marcas institucionales. Otro de sus favoritos es el legendario diseñador sueco Olle Eksell.

DanielB_01Daniel sabe que, como diseñador, siempre está transmitiendo una parte de sí mismo, sin embargo es consciente de que no es ese el principal objetivo: “Nuestro trabajo en el diseño siempre habla de lo que somos, pero debemos recordar que no diseñamos para nosotros, sino para los clientes, y hay que pensar constantemente en ellos.” Por otra parte, señala la importancia de la cultura general en el diseñador: “Debemos partir de un corpus, saber un poco de filosofía, de historia, de cultura pop… es la única manera en que lograremos aterrizar un concepto.”

Monotypo Studio
monotypo.com